Ann Harding's Treasures

Erotikon 1929

2012-01-30T17:03:00.000+01:00

Séduction

Un film de Gustav Machatý avec Ita Rina, Olaf Fjord, Charlotte Susa et Theodor Pistek

Andrea (I. Rina), la fille d'un garde barrière, est séduite par George (O. Fjord), un étranger que son père a hébergé pour la nuit. Enceinte, elle doit fuir sa maison...

Il ne faut pas confondre ce film du tchèque Gustav Machatý (ci-contre) avec l'Erotikon (Vers le bonheur, 1920) de Mauritz Stiller qui est inspiré des comédies de C.B. DeMille telle que Don't Change Your Husband (1919). Le film de Machatý est une oeuvre de la fin du muet qui est totalement différente dans son propos. Le réalisateur utilise toutes les ressources techniques du cinéma d'alors pour nous conter une histoire somme toute fort simple. Comme pour les grands films européens de cette époque, on retrouve cette fluidité narrative et visuelle qui arrive à son épanouissement complet. Bien que Machatý ait passé un certain temps à Hollywood, il est évident que le style du réalisateur rappelle les meilleurs moments de G.W. Pabst ou de Hanns Schwarz. A partir d'une trame mélodramatique où une jeune fille est séduite et abandonnée avant de retrouver le bonheur en épousant un homme qu'elle a sauvé, il réussit à construire un petit chef d'oeuvre de sensualité qui est, de plus, bien en avance sur son temps. En effet, dès le début du film, nous assistons à la séduction d'Andrea par George qui donne lieu à une scène érotique toute en suggestion qui dépasse largement ce qu'on pouvait voir au cinéma à l'époque. Sans utiliser aucune nudité, il suggère le plaisir intense que ressent la belle Ita Rina. Même pour nos yeux blasés de spectateurs d'aujourd'hui, la scène conserve son pouvoir de séduction grâce à l'utilisation de symboles et de la caméra subjective. L'intérêt ne faiblit pas, bien que les scènes suivantes n'ont pas la puissance de celle-ci. Nous suivons l'itinéraire d'Andrea qui après avoir accouché d'un enfant mort-né rencontre par hasard un automobiliste qui la sauve des assauts d'un malotru. Devenu son épouse, elle se retrouve face à face avec son séducteur. Et soudain, le désir qu'elle ressent pour cet homme revient au point de mettre en danger sa nouvelle vie. Utilisant avec parcimonie les intertitres, Machatý dirige avec intelligence ses acteurs qui jouent admirablement avec leurs visages. L'actrice Ita Rina, qui était Slovène, joue son rôle avec ce qu'il faut de retenu et d'abandon, et, même l'autrichien Olaf Fjord, qui joua dans plusieurs productions françaises telles que La Madone des Sleepings (1927) où il était fort fade, montre un tout autre talent en séducteur impavide. Ce film tchèque est certainement un des tous meilleurs films de la fin du muet avec Die wunderbare Lüge der Nina Petrowna (1929, H. Schwarz) et Rotaie (1929, M. Camerini).

La Parade est passée... de Kevin Brownlow (III)

2012-01-29T16:34:00.000+01:00

Dernière mise à jour concernant les critiques et autres chroniques à propos de l'ouvrage de Kevin Brownlow dont je suis la traductrice. Le 6 janvier dernier, Olivier Barrot lui a consacré un numéro de son émission de France 3, Un Livre Un Jour:

En matière de cinéma, il a assez peu d’ouvrages classiques et indispensables à l’instar par exemple des entretiens entre Alfred Hitchcock et François Truffaut. Eh bien, il vient de s’en ajouter un, La Parade est passée… de l’anglais Kevin Brownlow, traduit en français plus de quarante ans après sa sortie par l’Institut Lumière de Lyon et les Editions Actes Sud. Nulle doute que ces 1000 pages prodigieusement illustrées entreront dans la bibliothèque de l’honnête homme qu’il soit cinéphile ou non, tellement leur intérêt dépasse, et de loin, le seul 7ème Art. La Parade est passée… entrepris à la fin des années 60, offre la plus passionnante plongée au cœur du premier âge d’or d’Hollywood qui s’étend en gros sur deux décennies du XXè siècle, entre 1910 et 1930 alors que le cinéma est évidemment encore muet et n’imagine absolument pas un jour pouvoir parler. Epoque pionnière qui voit l’industrie jusqu’alors dominée par les français, s’installer définitivement sous le soleil de Californie. A partir d’entretiens avec des réalisateurs, des acteurs, des techniciens, des producteurs, Kevin Brownlow redonne vie pour toujours au cinéma d’antan. Quelle parade somptueuse ! Voici les metteurs en scène D.W. Griffith, que Brownlow compare à Dickens, Allan Dwan auteur de plus de 400 films, Josef von Sternberg, Cecil B. DeMille et les autres. Voici les comiques : Harold Lloyd, Buster Keaton, Charlie Chaplin et leurs gagmen, ces inventeurs de scènes comiques qui étaient payés comme des stars. Les patrons de studio Louis B. Mayer, David O. Selznick, Irving Thalberg, et les stars, les vraies : Gloria Swanson, Douglas Fairbanks, Marlene Dietrich, Garbo… A cette liste fabuleuse s’ajoute un français auquel Brownlow voue une admiration sans bornes : Abel Gance.

Chronique de Philippe Meyer sur France Culture le 24 janvier 2012:

Auditeurs sachant auditer, ce n’est pas pour me vanter, mais le succès vers lequel ne cesse de voler le film de Michel Hazanavicius The Artist, devrait s’étendre à l’épopée du cinéma muet signée Kevin Brownlow. Grâce aux éditions Actes Sud et à l’Institut Lumière, nous pouvons enfin découvrir La Parade est passée…, monument enrichi de nombreuses photographies. Dès son adolescence dans les années 50, Brownlow a aimé la capacité du muet à susciter la participation du public, à solliciter son imagination. Il s’en est fait l’orpailleur, chinant des copies partout où cela était possible et réussissant entre autres exploits, après 20 ans de recherche, à reconstituer le Napoléon d’Abel Gance, et à en identifier dix-neuf versions différentes. L’an dernier, Hollywood l’a remercié par un Oscar. L’érudition passionnée de cet historien, cinéaste, monteur, documentariste et restaurateur ne connaît pas de limites. Il est capable de dresser le portrait de n’importe quel producteur, depuis Carl Laemmle, patron d’Universal, qui employait 14 membres de sa famille, mais qui fut capable de donner sa chance à un Irving Thalberg de 21 ans, jusqu’à Louis B. Mayer dont les successions de jérémiades et d’explosions de colère, faisaient dire qu’il était le meilleur acteur de ses studios. Tous partageaient une virtuosité comptable à faire pâlir tous les Bernard Tapie du monde. Il y en fut qui mirent 30 ans à payer certains droits d’auteur, d’autres qui persuadèrent un acteur d’accepter un rôle en échange d’un smoking sur mesure ou qui achetèrent des emplacement publicitaires dans les journaux professionnels pour exhorter les exploitants, je cite, ‘à se servir du cerveau que Dieu leur avait fourni’. Ce sont souvent ces pittoresques caractéristiques que l’on a retenus de leur personnalité. Brownlow qui connaît leur rôle dans tous les films qu’ils ont produits, montre comment il a fallu à certains d’entre eux, réunir les qualités de Napoléon, de Falstaff, de Peter Pan, de Shelley et de John Pierpont Morgan. S’il est devenu familier de ces géants à force de rencontres et de recherches, Kevin Brownlow l’est tout autant des obscurs longtemps absents des génériques. Leurs initiatives, leurs enthousiasmes et leurs inventions ont été la richesse de ce cinéma naissant dans l’excitation de l’esprit pionnier. Les électriciens inventaient des lampes à arc capables de simuler le craquage d’une allumette, les cameramen improvisaient des vitesses de tournage de leur manivelle pour accélérer ou pour ralentir l’action. Les cascadeurs risquaient différentes sortes de morts. Les directeurs de production finissaient en maison de repos, voire en asile psychiatrique. On nageait dans l’épique. Mais, l’épique peut être aussi comique, comme le montre l’histoire du tournage du premier Ben Hur, depuis les difficultés d’obtenir les droits de ce roman à succès mondial devenu pièce de théâtre, jusqu’aux innombrables retards, accidents, catastrophes et coups fourrés, qui émaillèrent l’aventure de ce film tant à Los Angeles qu’en Italie. Mussolini s’en mêla. Les luttes entre fascistes et anti-fascistes provoquèrent des échauffourées entre techniciens comme entre figurants. Certains décors qui devaient être construits en 7 semaines n’étaient pas terminés au bout de 7 mois. Les accidents de tournage furent si nombreux et si variés, et souvent si sérieux pour les hommes et comme pour les chevaux, qu’ils pourraient constituer le scénario d’un film catastrophe. Les chinois interdirent le film pour cause de propagande chrétienne. Mussolini l’interdit aussi lorsqu’il découvrit que Ben Hur, prince de Judée, triomphait de Messala, militaire romain. Le Duce avait encouragé le tournage sans avoir lu le roman de Wallace. Sic transit Gloria Swanson. Le ciel vous tienne en joie.

Et pour finir, voici la critique de Jean-Pierre Berthomé parue dans la revue Positif de février 2012:

Underground 1928

2012-01-22T15:33:00.000+01:00

Norah Baring et Brian Aherne

Un cri dans le métro

Un film d'Anthony Asquith avec Elissa Landi, Brian Aherne, Norah Baring et Cyril McLaglen

Nell (E. Landi), une jeune vendeuse dans un grand magasin est importunée par Bert (C. McLaglen) dans le métro londonien. Bill (B. Aherne), un employé du métro, la débarrasse de l'importun...

Elissa Landi et Cyril McLaglen

Pour son deuxième film en tant que réalisateur, Anthony Asquith montre une maîtrise de grand professionnel. La réalisation est millimétrée, parfaitement rythmée et la direction d'acteurs n'est pas en reste. Utilisant avec virtuosité le 'Tube' londonien, il suit son quatuor de personnages qui se rencontrent dans ce souterrain surpeuplé. Nell (Elissa Landi) est en but aux avances d'un malotru (C. McLaglen) qui pense pouvoir la séduire facilement. Mais, c'est le sympathique Bill (Brian Aherne) qui va capturer son coeur. Ils se rencontrent dans un escalator où il va se retrouver en possession de son gant et va vouloir le rendre à sa propriétaire. Le flirt entre Bill et Nell ne fait qu'exacerber la jalousie de Bert qui est employé dans une centrale électrique. Réalisant qu'il n'arrive à rien, il organise un coup monté avec sa petite amie Kate (N. Baring) pour décrédibiliser Bill. Sur cette trame très simple, Asquith réalise un film qui nous montre la vie de tous les jours parmi les londoniens des classes laborieuses. Chaque personnage est identifié et parfaitement décrit dans son environnement professionnel et personnel. Anthony Asquith a parfaitement assimilé toutes les techniques cinématographiques développées en Allemagne et en France: ombres expressionnistes, caméra subjective, travelling rapide, montage accéléré etc. Il intègre chaque élément avec sobriété et élégance à son récit sans chercher à faire de l'esbroufe. Alternant l'humour et la tension, il construit un film qui atteint son paroxysme avec la scène de poursuite entre Aherne et McLaglen. Elle commence sur les toits de la centrale électrique, se poursuit sur les quais de la Tamise avant de se terminer dans les tunnels et un ascenceur du métro. Il prend son temps pour nous montrer le jeune couple, Nell et Bill, en train de pique-niquer dans un parc avant de redescendre dans l'enfer du métro souterrain. Ce film a fait l'objet d'une restauration par le BFI en 2009 qui en avait profité pour commander une nouvelle partition au musicien Neil Brand, un spécialiste du cinéma muet. Malheureusement, à Paris, les organisateurs de cette projection n'ont guère montré de soin dans cette présentation. Tout d'abord, le film a été projeté sur un écran minuscule au Théâtre du Châtelet (qui est pourtant suffisamment vaste pour en accueillir un plus grand) qui a été en plus couvert d'un halo de lumière durant toute la projection et rendait la visibilité des scènes sombres fort difficile. Du coup, il est bien difficile d'apprécier la qualité de la restauration (voir video sur le site du BFI). Il n'y avait aucune traduction des intertitres, un geste qui montre le peu de cas qui était fait du film. Et puis, il y avait la musique. Le film était bizarrement inclus dans un festival de musique contemporaine organisé par Radio France. La star de la projection n'était pas le film d'Asquith, mais un musicien argentin, Oscar Strasnoy. Ce compositeur nous a asséné pendant 90 min un motif minimaliste répétitif qui a ignoré le mouvement, le comique et le tragique des scènes. Entre deux bruitages (jappements et bavardages), les musiciens cessaient de jouer dès qu'un instrument de musique apparaissait à l'écran. Pas question pour eux d'accompagner un piano, une flûte ou un harmonica ! Malgré le peu de professionnalisme de cette projection dans son ensemble, j'ai quand même pu apprécier cet excellent film d'Asquith qui mérite bien plus d'égards.

The Story of Temple Drake 1933

2012-01-13T10:39:00.000+01:00

La Déchéance de Miss Drake

Un film de Stephen Roberts avec Miriam Hopkins, Jack La Rue, Florence Eldridge et William Gargan

Suite à un accident de voiture après une soirée bien arrosée, Temple Drake (Miriam Hopkins), la petit-fille du juge Drake, se retrouve prisonnière d'un groupe de malfaiteurs. Elle devient la proie de l'un d'eux, Trigger (J. La Rue)...

Ce film offre la quintessence du Pre-Code. Sa reputation sulfureuse n'est pas usurpée ; on le considère comme responsable de l'imposition du Production Code. Le film est adapté de Sanctuary de William Faulkner qui déchaîna -déjà- les foudres de la critique par sa description sordide du sud profond. Il faut dire que Faulkner n'y va pas de main morte: viol, dégradation physique, prostitution, etc. Les producteurs sont terrifiés à l'idée de porter le roman à l'écran ; mais, Paramount achète les droits. Oliver H.P. Garrett l'adapte avec quelques modifications. Le résultat est un film incroyablement atmosphérique avec la cinématographie sublime de Karl Struss (qui travailla sur Sunrise): masure délabrée, violents éclairs qui zèbrent la nuit, visages patibulaires dans la pénombre...Superbe! Miriam Hopkins est formidable en fille à papa soudain confrontée à un monde qu'elle ignore. La scène du viol dans la grange a été 'story-boardée' par Jean Negulesco. Vous pouvez voir ci-dessus le superbe décor créé par lui avec la lumière qui filtre entre les planches disjointes. Florence Eldridge (Madame Fredric March à la ville) est méconnaissable en mégère à l'accent trainant du sud, tentant d'élever un marmot dans cette masure infâme infestée par les rats. Le gangster joué par Jack La Rue, qui viole Temple et ensuite fait d'elle son esclave dans une maison de passe, est également excellent. Le film est maintenant à nouveau visible dans une excellente copie suite à une diffusion sur TCM aux USA. On y apprécie encore mieux la qualité de l'interprétation et l'atmosphère poisseuse gagne en intensité. Stephen Roberts, le réalisateur, qui décéda en 1936 à l'âge de 41 ans, montre de réelles qualités. Les quelques films que j'ai pu voir m'ont montré un bon directeur d'acteurs qui se surpasse pour Temple Drake. Espérons que le film sera bientôt disponible en DVD.

Les Ombres qui passent 1924

2012-01-12T11:16:00.001+01:00

Ivan Mosjoukine, Andrée Brabant et Henry Krauss

Un film d'Alexandre Volkoff avec Ivan Mosjoukine, Henry Krauss, Andrée Brabant et Nathalie Lissenko

Louis Barclay (I. Mosjoukine) vit dans le sud de l'Angleterre entre son père authoritaire (H. Krauss) et son épouse Alice (A. Brabant). Son existence est régulée par son père, selon les préceptes de Henry David Thoreau. Mais, un jour, il reçoit une lettre lui demandant de se rendre à Paris pour toucher un énorme héritage...

Ce film d'Alexandre Volkoff produit par la société Albatros a été écrit par Mosjoukine lui-même avec Kenelm Foss. Ne cherchant aucunement à adapter une quelconque pièce de théâtre ou un roman, il laisse libre court à son imagination. Il veut utiliser ses qualités comiques qui sont absolument évidentes dès ses premiers films tel que l'hilarant Domik v Kolomne (La petite maison à Kolomna, 1913) où il se travestit en cuisinière. Mais, en 1924, il trouve son inspiration dans les comiques américains qu'il révère. Son Louis Barclay, naïf et exhubérant, doit beaucoup à Buster Keaton et à Chaplin. Ce qui rend les films de Mosjoukine si attractifs et si différents de la production française des années 20, c'est leur ton et leur narration. Il utilise les éléments habituels du mélodrame à la française en leur ajoutant une fantaisie venue de la comédie américaine et des éléments de tragédie purement russes. Avec Les Ombres qui passent, il se crée pour lui-même le personnage le plus fantaisiste de sa carrière française. Ce jeune anglais, totalement dominé par son père, mène une vie heureuse à la campagne. Il part à cheval de bon matin avec son épouse Alice pour aller se baigner. Ils sont tous deux en maillot de bain et semble adorer cette vie sans soucis. Mais, il reste les contraintes imposées par son père : la lecture du Walden de Thoreau tous les soirs, la prière avant le dîner et un manque de liberté général. L'arrivée d'une lettre annonçant un héritage va lui permettre de changer d'air. Il s'achète un costume (de deuil, son père a précisé) parfaitement ridicule avec un pantalon très court et une veste large qui lui donne un air Keatonien en diable. Son père lui fait emporter une giganstesque couronne mortuaire dont il espère pouvoir se débarrasser rapidement. Inutile de dire qu'il ne passe pas inaperçu en arrivant à l'hôtel Impérial à Paris. Sa défroque provoque le rire et son attitude sans complexe dans le restaurant continue à susciter l'ironie. Mais, comme les bruits vont vite, des aigrefins ont vent de son gros héritage. Les sinistres John Pick (Georges Vaultier) et Baron Ionesko (Camille Bardou) le mettent en présence d'une de leur complices, la belle Jacqueline (N. Lissenko). Oubliant héritage et famille, Louis change d'apparence pour devenir un homme du monde parisien et poursuit cette sirène enveloppé d'extravagantes tenues signées Paul Poiret. L'aventurière est elle aussi attendrie par ce jeune homme simple et renonce à lui extorquer son argent. Louis ne songe plus alors qu'à suivre la belle Jacqueline jusque dans son château en Corse. Le film vire insensiblement de la comédie à la tragédie. Et cette transition est une belle réussite avec un final poétique où l'aventurière disparaît et Louis retourne à sa vie antérieure, avec certainement de lourds regrets qu'il n'exprime pas. Le film entier est un festival Mosjoukine qui utilise tous les ressorts de son talent comique et dramatique avec une verve et un entrain communicatif. Mais, autour de lui, les autres acteurs ne sont pas en reste. Le vétéran Henry Krauss des grands films d'Albert Capellani des années 10, est un père autoritaire de poids, la blonde Andrée Brabant est une Alice espiègle et la brune Nathalie Lissenko, la partenaire de longue date de Mosjoukine, est une sirène mystérieuse. Il faut aussi ajouter le superbe travail des techniciens : les décors superbes d'Alexandre Lochakoff et la très belle photo de Fédote Bourgassoff. La copie teintée de la Cinémathèque est de toute beauté. J'avais déjà vu ce film en 2008 et le revoir a été un plaisir de tous les instants. Un des meilleurs films de Mosjoukine.

Riffraff 1936

2012-01-09T11:49:00.000+01:00

Joseph Calleia, Jean Harlow et Spencer Tracy

Un film de J. Walter Ruben avec Jean Harlow, Una Merkel, Spencer Tracy, Mickey Rooney et Joseph Calleia

Hattie (J. Harlow) travaille dans la conserverie de thon d'un petit port. Elle vit chez sa soeur Lil (U. Merkel) où elle partage la chambre des enfants de Lil dont le turbulent Jimmy (M. Rooney). Hattie est amoureuse d'un pêcheur fort en gueule, Dutch Miller (S. Tracy). Mais celui-ci semble l'ignorer...

Comme l'indique le titre 'riffraff' (que l'on pourrait traduire par racaille), la MGM tente avec ce film de concurrencer la Warner sur le terrain du film social. Ce n'est à priori pas gagné d'avance de produire un film avec Harlow et Tracy dans des rôles qui pourraient être joués par Blondell et Cagney. Heureusement, le scénario de ce film est l'oeuvre de la formidable Frances Marion, une des scénaristes les plus respectées d'Hollywood qui a déjà derrière elle deux Oscars et au moins 150 films. Malgré cette renommée, Frances Marion est sur la touche à la MGM. Elle a osé participer à la création d'un syndicat des scénaristes et Louis B. Mayer n'est évidemment pas ravi. Et puis, Marion est l'une des nombreuses femmes scénaristes qui vont être mises au rancart avec l'afflux de jeunes écrivains venus de New York. Comme pour les grandes stars du muet, il y a aussi de profonds changements dans les rangs des scénaristes. Les femmes scénaristes en particulier, très nombreuses dans les années 20, en pâtissent. Marion sait construire une intrigue et des personnages. Elle a écrit The Wind (1928, V. Sjöström), mais aussi un drame sur une émeute en prison, The Big House (1930, G.W. Hill) qui n'a pas à rougir face aux productions les plus violentes de la Warner. Riffraff sera son avant-dernier scénario avant de quitter la MGM. Le film permet à Jean Harlow de sortir de son emploi habituel de blonde platine. Ses cheveux ont retrouvés une couleur plus naturelle et elle n'est ici qu'une fille du peuple qui essaie de s'en sortir. Face à elle, on utilise une nouvelle recrue de la MGM, Spencer Tracy récemment licencié par la Fox. Le début du film, assez proche de la comédie, nous montre l'affrontement de ces deux acteurs au tempérament bien trempé. Hattie a bien du mal avec ce Dutch mal embouché, roublard et passablement sur de lui. Tracy n'est d'ailleurs pas si sympathique que cela. Il est tellement orgueilleux qu'il croit qu'il pourra vaincre le patron de la conserverie Nick Appopolis (Joseph Calleia dans son rôle de gangster huileux). Mais, il s'attaque à un trop gros morceau et le voilà sans le sou après une longue grève. Plutôt que de se battre sur place, il laisse tomber sa jeune épouse Hattie et part à l'aventure. Le film vire alors au mélodrame avec Hattie poursuivie par les assiduités de Nick qui se retrouve en prison tandis que Dutch lui attérit dans un camp pour clochards. Il faut reconnaître que Tracy et Harlow forment un couple bien assorti en terme de jeu. Il se réponde du tac au tac avec entrain. Le tout début du film nous montre la vie guère reluisante de Lil (Una Merkel, le cheveu en berne mais toujours aussi gouailleuse) avec son bon à rien de père et son épouvantable garnement de fils (Mickey Rooney). Quant à Hattie, elle doit subir les assauts du riche Nick qui pense pouvoir l'acheter avec une fourrure. Lorsque le film vire au mélo, on continue à croire aux personnages, même si la construction n'est pas toujours aussi efficace que dans un film de la Warner. Hattie se retrouve dans une prison pour femmes et s'évade par une conduite d'eau. Il n'y a pas beaucoup de traces de glamour dans tout cela, même si Harlow reste plutôt bien coiffée lors de tous ces épisodes. La fin qui se veut optimiste ne semble pas très convaincante. Après tant de noirceur, proche de Heroes for Sell (1933, WA Wellman), on attendrait quelque chose de plus percutant. Mais, c'est vrai, le Production Code est maintenant en vigueur et nous sommes à la MGM. Le réalisateur, J. Walter Ruben, qui avait fait quelques bons Pre-Codes à la RKO avant de rejoindre la MGM, n'est pas un crack, mais un bon technicien de studio. Au total, le film reste un plaisir grâce aux deux interprètes principaux qui donnent le meilleur d'eux-mêmes. Cette tentative de 'film social MGM' est finalement plutôt une réussite, malgré quelques bémols.

Reckless 1935

2012-01-08T15:46:00.001+01:00

Un film de Victor Fleming avec Jean Harlow, William Powell, Franchot Tone, May Robson, Rosalind Russell et Mickey Rooney

Mona Leslie (J. Harlow) est une star de la comédie musicale à Broadway. Elle devient la femme du richissime Bob Harrison (F. Tone), ce qui brise le coeur de son agent Ned Riley (W. Powell)...

Ce film MGM a été produit par David O. Selznick durant la courte période où il travailla pour ce studio dirigé par son beau-père. Il écrivit lui-même l'histoire du film qui fut ensuité adaptée par des scénaristes. Il se serait inspiré de la vie d'une certaine Libby Holman dont l'époux se suicida. La production du film commença mal: le film avait été écrit pour Joan Crawford. Mais, elle ne le fit pas et on imposa Jean Harlow. Finalement, ce changement de distribution apporte un décalage fort intéressant au personnage central. La belle Mona Leslie est une fille au grand coeur qui ne s'en laisse pas compter, mais sans avoir la dureté et la robustesse d'une Crawford. Harlow en fait une fille plus fragile. Certes, Jean Harlow n'est pas chanteuse (elle a été doublée) et elle ne danse pas beaucoup. Mais, tous les numéros musicaux sont filmés avec beaucoup d'intelligence pour leur donner une certaine profondeur et cela évite les longs numéros filmés à hauteur de scène qui plombent nombres de films à cette époque. Le film débute avec un ton de franche comédie. Mona est amoureuse d'un fils à papa (revoici Franchot Tone dans le rôle-type qu'il collectionnait à l'époque) pendant que son agent Ned (William Powell en grande forme) se consumme pour elle. Mais, bizarrement, le film vire brusquement au mélodrame avec le suicide de Bob Harrison. Mona est suspectée de meurtre. Le passage de la comédie au mélodrame n'est pas une réussite totale car la transition est bien trop brutale et le scénario n'est pas suffisamment bien ficelé à ce moment-là. Néanmoins, j'ai trouvé ce film très réjouissant, bien dirigé, et le couple Harlow-Powell (qui filaient le parfais amour à l'époque) fonctionne superbement. On remarque dans des rôles secondaires quelques futures stars comme une jeune Rosalind Russell, en fille de la haute, et un petit Mickey Rooney de 15 ans (et qui en parait moins). Au total, un film moins réussi que Bombshell, mais qui est néanmoins très agréable.

Bombshell 1933

2012-01-08T15:43:00.003+01:00

Un film de Victor Fleming avec Jean Harlow, Lee Tracy, Franchot Tone, Una Merkel, Pat O'Brien et Frank Morgan

Lola Burns (J. Harlow) est la star N°1 du studio Monarch. Sa vie ressemble à un enfer entre son père et son frère qui dilapident son argent et le chef du service publicité, E.J. Hanlon (L. Tracy) qui passe son temps à créer des commérages juteux pour les journalistes...

Cette excellente comédie, au rythme pétaradant, semble être inspirée en partie de la vie de Clara Bow selon le scénariste John Lee Mahin. En fait, on pourrait tout aussi bien l'appliquer à nombres d'autres stars hollywodiennes, même à Harlow elle-même. La Lola Burns que je joue Harlow, avec beaucoup de talent, est le prototype même de la star propulsée au firmament par un mélange complexe de sex-appeal et de publicité dans les fan-magazines. On vend au public du rêve qu'il dévore dans les revues de cinéma et dans les journaux salaces, comme nous le montre les premières images du film. Puis, nous passons derrière la façade. La vie de Lola n'est pas vraiment le paradis que l'on vend aux gogos. Elle est certes riche, mais elle doit subvenir aux besoins de son père alcoolique (délicieux Frank Morgan) qui joue aux courses et de son frère (Ted Healy) un bon à rien de première. Si tout cela n'était déjà beaucoup, elle est également la proie du publicitaire maison qui passe son temps à monter des coups tordus pour que le nom de Lola soit le plus souvent possible à la une de journaux. Invariablement, elle est au centre de commérages salaces pour faire monter sa cote au box-office. Fatiguée par toutes ces batailles, elle tente très maladroitement d'avoir une 'vie normale' et invariablement commet des erreurs grossières. Après avoir posé dans sa cuisine, telle une femme au foyer modèle, elle décide soudain que la 'maternité' est indispensable pour une femme et court dans un orphelinat pour adopter un bébé. Evidemment, Hanlon (un Lee Tracy à la répartie rapide comme l'éclair) est sur le coup et va faire capoter son projet illico presto. Excédée, elle part se resourcer dans le désert où elle fait la connaissance d'un (soi-disant) fils à papa (Franchot Tone qui s'autoparodie avec malice) qui lui murmure que "ses cheveux sont comme un champ de marguerites argentées dans lequel il voudrait marcher pieds nus." Mené avec diligence et talent par une superbe galerie de second rôle, le film offre une vision finalement plutôt juste de la vie à Hollywood du temps de l'Age d'Or. Il y a de nombreuses références, tout à fait charmante, aux films et aux acteurs. J'ai beaucoup apprécié la remarque de C. Aubrey Smith, qui joue un vieux figurant râté, qui ronchonne: "Je ne vois pas ce qu'on trouve à ce Lewis Stone !" Un des meilleurs films de Fleming et de Harlow.

Liebe 1927

2012-01-07T11:42:00.002+01:00

L'Histoire des treize - La Duchesse de Langeais

Un film de Paul Czinner avec Elisabeth Bergner, Hans Rehmann et Paul Otto

Sous la Restauration, la Duchesse de Langeais (E. Bergner) est l'une des femmes les plus en vue des salons du Faubourg Saint-Germain. Elle est renommée pour sa coquetterie. Elle rencontre durant un bal le Marquis de Montriveau (H. Rehmann) qu'elle entreprend de séduire...

E. Bergner & H. Rehmann

Le Hongrois Paul Czinner a réalisé de nombreux films avec son épouse Elisabeth Bergner dans le rôle principal. Tous les films muets montrent une actrice passionnante au physique androgyne et à la sensibilité à fleur de peau. Son physique mince faisait d'elle l'interprète rêvée pour les adolescentes. Mais ici, dans une adaptation d'Honoré de Balzac, elle joue une héroïne plus mûre et plus sure d'elle. La Duchesse de Langeais est un rôle de grande amoureuse qui a certainement beaucoup plu aux actrices. Dès les années 10, on trouve un court-métrage chez Pathé et Norma Talmadge aux Etats-Unis joue également le rôle dans The Eternal Flame (1922, F. Lloyd). Le film de Czinner est centré entièrement sur le personnage d'Antoinette de Langeais. Cette coquette devenue une femme déchirée par l'amour fait penser à Marguerite Gautier ou à la Madame De... d'Ophüls. Elle se croit totalement imperméable à l'amour et va de bal en bal où elle flirte deci-delà sans jamais développer de vrais sentiments. Mais, sa rencontre avec Montriveau va modifier tout cela. Elle va séduire cet homme guère porté vers les femmes. Mais, elle est en même temps prisonnière de son époque et de son monde. Elle peut flirter, mais elle ne peut avoir ouvertement un amant, étant une femme mariée. Elle pique au vif Montriveau en lui promettant beaucoup, mais en ne lui offrant rien. Celui-ci, ne supportant plus ce supplice, va la quitter. Et c'est aors qu'elle va réaliser la passion qui l'habite. Hélas, il est déjà trop tard. J'ai été vraiment touchée par la caractérisation de Bergner dans le rôle principal. Elle est juste et vraie, utilisant un langage corporel dépouillé, elle nous fait ressentir son désarroi et la passion qui la bouleverse. De petite taille, très mince, elle réussit néanmoins à habiter l'écran bien mieux que le large Hans Rehmann qui est un Montriveau bien pataud. Le film se clôt sèchement par une scène où Montriveau découvre Antoinette morte et évite un dénouement plus banal. Paul Czinner était décidément un réalisateur et un directeur d'acteurs de talent. La copie de la Cinémathèque était un contretype de qualité convenable avec des intertitres en français.

Gardiens de phare 1929

2012-01-05T11:11:00.002+01:00

Un film de Jean Grémillon avec Paul Fromet, Geymond Vital, Genica Athanasiou et Gabrielle Fontan

En Bretagne, le père Bréhan (Fromet) et son fils Yvon (G. Vital) vont prendre leur relève de gardiens de phare. Mais, le fils, peu de temps avant de partir, a été mordu par un chien enragé...

Jean Grémillon réalise Gardiens de Phare après son premier long métrage de fiction Maldone (1927). Le scénario est signé Jacques Feyder qui n'a pu le réaliser lui-même. Cette histoire de gardiens de phare est en fait à l'origine une production du théâtre du Grand Guignol qui assure également la production du film. L'intrigue est fort simple : un gardien atteint de la rage attaque son père qui doit le supprimer pour assurer le bon fonctionnement du phare. Sur cette trame, Grémillon propose un film qui n'est pas totalement satisfaisant, comme l'était d'ailleurs également Maldone. Le film comporte fort peu de cartons d'intertitres, ce qui est un avantage. Mais, le cinéaste offre une débauche de moyens visuels en caméra subjective pour nous faire entrer dans la peau du malheureux gardien de phare touché par la rage. Au lieu de développer les personnages, le film se contente d'égrener toutes techniques possibles du cinéma avec surimpressions, caméra virevoltante, etc. Jean Grémillon a pu tourner son film en Bretagne avec un excellent caméraman, Georges Périnal, malheureusement la copie présentée était d'une qualité tellement médiocre qu'il est impossible d'apprécier vraiment le travail de l'opérateur. Les 'soft-focus' s'apparentaient à de la purée de pois. Il semble bien que Grémillon, à l'origine un réalisateur de documentaires, n'ait trouvé ses marques dans la fiction que lors de l'arrivée du parlant. C'est probablement le changement de scénaristes qui a lui a donné l'impulsion nécessaire. Dans la distribution, on remarque la roumaine Genica Athanasiou qui jouait une gitane dans Maldone et qui est ici une bretonne fort peu convaincante avec son visage très latin. Le film m'a fait pensé au Finis Terrae (1928) de Jean Epstein tourné également près de l'Ile d'Ouessant et on voyait les mêmes goémoniers au travail. Au total, une déception relative de la part d'un grand réalisateur.

One Romantic Night 1930

2012-01-04T17:08:00.000+01:00

Un film de Paul L. Stein avec Lillian Gish, Marie Dressler, Rod La Rocque et Conrad Nagel

La princesse Alexandra (L. Gish) est destinée à épouser le prince Albert (R. La Rocque). En effet, sa mère (M. Dressler) espère ainsi redorer le blason de la famille. Mais, Alexandra est secrètement amoureuse de son professeur d'escrime, le Dr. Haller (C. Nagel)...

One Romantic Night est le premier film parlant de Lillian Gish, réalisé deux ans après The Wind. Ce film est une production indépendante de Joseph Schenck pour United Artists. Le scénario est adapté d'une version américaine d'une pièce de Ferenc Molnar. Cette même pièce sera à nouveau adaptée en 1956 sous le titre The Swan avec Grace Kelly. Le film MGM avec Kelly avait suscité chez moi un ennui poli. Cette version de 1930 produit les mêmes effets. Le film bénéficie de plus d'une réalisation particulièrement médiocre, typiquement théâtre filmé, qui n'arrange rien. Retrouver la géniale Lillian Gish avec la parole est un choc. Certes, elle a part la suite joué des rôles secondaires dans de très bons films, mais en 1930, elle est encore une étoile de première grandeur dans un rôle principal. Physiquement, elle est toujours très mince avec un visage poupin et elle paraît bien plus jeune que ses 37 printemps. Néanmoins, sa voix assez flutée montre un caractère bien trempé sous cette écorce fragile. Son rôle de princesse évanescente ne lui donne guère de marge de manoeuvre et l'actrice perd beaucoup de son aura avec le son. Le tournage tout en studio n'arrange rien. Le ciel étoilé-toile peinte n'est guère convaincant. Certes, le grand caméraman Karl Struss la nimbe de lumière diffuse. Mais, on a beaucoup de mal à s'attacher à cette princesse en mal d'amour. Ses partenaires masculins sont simplement adéquats. Même la formidable Marie Dressler n'arrive pas à illuminer totalement l'écran. Soit dit en passant, il est difficile de croire que l'énorme Marie puisse être la mère de la mince et élancée Lillian. En voyant ce film, on comprend pourquoi Lillian quitta l'écran pour de nombreuses années. Elle préféra -et c'est un paradoxe pour une star du muet!- retourner sur les planches où elle fut une formidable Ophélie. Il est vrai que passer du chef d'oeuvre qu'est The Wind à ce petit film sans grand intérêt ne devait pas l'encourager à persévérer.

The Clash of the Wolves 1925

2011-12-31T17:01:00.000+01:00

Un film de Noel Mason Smith avec Rin-Tin-Tin, Charles Farrell et June Marlowe

Lobo (Rin-Tin-Tin), mi-chien mi-loup, est à la tête d'une meute de loups. Ayant dû fuir la forêt suite à un incendie, ils se retouvent dans le désert et attaquent le bétail pour se nourrir. Les villageois organisent la chasse aux loups...

Dans les années 20, la star canine de la Warner a empêché plus d'une fois la firme de sombrer dans la banqueroute. En effet, ce berger allemand, recueilli en Lorraine par un soldat américain à la fin de la première guerre mondiale, fut la star de toute une série de films qui firent de ce chien un des animaux les célèbres de l'histoire du cinéma. Rin-Tin-Tin partage même l'affiche avec sa compagne Nanette, autre berger allemand star. L'animal est un vrai sportif cascadeur qui peut escalader ou sauter des hauteurs impressionnantes. Contrairement à d'autres films avec des animaux, c'est vraiment Rin-Tin-Tin qui est le personnage central du film. A la tête d'une meute de loup, il se blesse en s'enfonçant une épine de cactus dans la patte. Il est sauvé par Dave (un Charles Farrell tout jeunôt de 20 ans) un jeune prospecteur à la recherche de borax (un dérivé du bore). Le chien-loup accepte la proximité de l'homme et va défendre son nouveau maître face aux machinations de William Horton (Pat Hartigan) qui veut spolier Dave de son filon de borax. Dans cette univers de western, nous suivons une histoire qui n'est pas dénuée d'intérêt avec des éléments comiques bien venus et un suspense bien mené. Il s'agit sans aucun doute d'une production commerciale sans prétentions, mais qui est réalisée avec compétence. Et finalement, le chien Rin-Tin-Tin est un cabot tout à fait aimable dont on admire les capacités physiques. Le film est disponible dans une fort belle copie au sein du coffret More Treasures from the American Film Archives. Très sympathique

She 1925

2011-12-31T15:44:00.001+01:00

Un film de Leander de Cordova avec Betty Blythe, Carlyle Blackwell et Mary Odette

Leon (C. Blackwell) arrive en Lybie où il tombe dans les rêts d'une peuplage étrange dirigée par une reine Ayesha (B. Blythe) qui est immortelle. Celle-ci reconnait en lui Kallikrates, l'homme dont elle attendait le retour depuis 2000 ans...

Cette production britannique met en vedette Betty Blythe qui avait été La Glorieuse Reine de Saba (The Queen of Sheba) en 1921. Betty semble être alors abonnée à ces rôles pseudo-biblico-antiques où on lui fournit une garde-robe farfelue, mais surtout extrêmement légère. Dans She, elle porte des voiles transparents ou des petits bikinis en perles étiques. Il semble bien que l'attrait du film se limite à l'exposition de ses appâts car le scénario et la réalisation sont extrêmement médiocres. Tout d'abord, le scénario tiré du roman de Sir Henry Rider Haggard est assez proche du ridicule. On nous apprend dans un carton du générique que les intertitres ont été rédigés par l'auteur lui-même. Il nous produit des phrases ampoulées à coups de 'Thou' (forme vieillie du 'tu' en anglais) emphatiques qui provoquent plus le rire que l'admiration. Cette histoire rocambolesque de divinité immortelle sent quelque peu le moisi des années coloniales britanniques avec les bons archéologues victimes de femmes fatales. Ce qui pourrait être un sommet du kitsch n'est ici qu'un film horriblement mal réalisé. Le film paraît avoir été fait dans les années 10 tant la caméra reste vissée au sol en plan large. La direction d'acteur - si il y en a une ! - est inexistante. Nous avons droit à force roulements d'yeux et aux battements de bras sur fond de décor en carton-pâte à petit budget. Le vétéran Carlyle Blackwell nous gratifie d'une performance bien en-deçà de ce qu'il faisait dans la décennie précédente. Betty Blythe expose ses abattis d'une manière mélodramatique. Voilà une production bien médiocre qui n'a pas dû aidé la carrière de Betty Blythe.

Angst 1928

2011-12-30T17:31:00.001+01:00

Un film d'Hans Steinhoff avec Elga Brink, Henry Edwards, Gustav Fröhlich et Valerie Boothby

Inge (E. Brink) est la femme délaissée de l'avocat Henry Duhan (H. Edwards). Il est toujours absent, absorbé par son travail. Son épouse part seule en vacances à Cannes où elle fait la connaissance d'un jeune peintre (G. Fröhlich)...

Ce film de Hans Steinhoff est adapté d'une nouvelle de Stefan Zweig. Nous suivons la trajectoire de deux couples fort différents. D'un côté les Duhan, un couple fidèle où l'épouse se dévoue totalement pour un mari toujours absent, même lorsqu'il est chez lui. De l'autre, les Born qui pratique un mariage très libre, autorisant à chacun toutes les aventures qu'il désire. Mais, Inge Duhan est fatiguée par les absences perpétuelles de son mari qui met toujours sa carrière avant sa famille. Le voyage à Cannes va être un révélateur. Confronté au jeune Francard (G. Fröhlich), Inge réalise l'attention qu'elle peut susciter chez un homme autre que son mari. Elle repousse néanmoins ses avances plus qu'empressées. Elle lui dit être toujours éprise de son mari. Le retour au foyer se révèle extrêmement difficile avec l'arrivée d'une femme qui la fait chanter. Elle lui réclame toujours plus d'argent pour ne pas révéler son infidélité supposée à son mari. Inge vit dans la terreur sans savoir que cette machination est l'oeuvre de son époux. Quant aux Born, leur mariage se délite avec les infidélités répétées du mari. Ils songent à se séparer avant de se réconcilier lors d'une soirée très arrosée. Au total, Steinhoff réalise un film très soigné, bien réalisé avec même quelques extérieurs à Cannes. Cette observation presque entomologique des couples est finalement assez avant-gardiste pour l'époque. On imagine mal le cinéma américain, par exemple, faire un film aussi 'libéré'. Mais, le propos reste particulièrement machiste puisque l'épouse retournera dans les bras de son époux sans que celui-ci ne montre guère de tendance à changer son attitude carriériste, alors qu'elle doit 'expier' cette faute qu'elle n'a pas commise. Un joli film de la grande époque du cinéma de Weimar.

La Parade est passée... de Kevin Brownlow (II)

2011-12-29T15:52:00.000+01:00

Petit retour sur la sortie de La Parade est passée... dont je suis la traductrice. Vous pouvez voir ci-dessous l'interview de Kevin Brownlow diffusée le 6 novembre dernier dans Viva Cinéma sur Ciné Classic:

La Parade est passée... par Kevin Brownlow on Vimeo.

Voici une sélection de critiques parues dans la presse. Dans Les Cahiers du Cinéma du mois de décembre 2011:

Dans Libération du 9 novembre 2011:

Dans Télérama du 9 novembre 2011:

Dans La Quinzaine Littéraire du 16-31 décembre 2011:

On trouve aussi des critiques sur le net dans L'Humanité du 23 novembre 2011, sur le blog de la Revue Cinéma Versus du 5 décembre 2011, de L'Express du 23 décembre 2011 et sur le blog de France-Inter de Laurent Delmas le 1er décembre 2011. De plus, Olivier Barrot parlera du livre dans l'émission de France 3, Un Livre Un Jour du vendredi 6 janvier 2012 à 17h20.

The Iron Mask 1929

2011-12-28T14:47:00.002+01:00

Le Masque de fer

Un film d'Allan Dwan avec Douglas Fairbanks, Marguerite De La Motte, Léon Bary et Nigel de Brulier

La reine Anne d'Autriche (B. Bennett) donne naissance à deux fils. Le deuxième est immédiatement dissimulé et envoyé en Espagne. Suite à cette naissance, Constance Bonacieux (M. De La Motte) est assassinée par Milady (Dorothy Revier). Sur son lit de mort, le cardinal de Richelieu (N. de Brulier) lui confie à D'Artagnan le jeune dauphin Louis...

Cette production de 1929 est le dernier film muet de Douglas Faibanks. (Il contient aussi deux courtes séquences parlantes.) C'est vraiment la fin d'une époque. Fairbanks endosse pour la dernière fois le costume de D'Artagnan et nous emmène dans une aventure inspirée à la fois de la triologie des Mousquetaires et du Masque de fer. Probablement piqué au vif par certaines critiques concernant son précédent opus, Fairbanks embauche un consultant historique de choix pour les costumes et les décors : l'illustrateur Maurice Leloir. Il gratifie même son consultant d'un carton entier au générique pour le remercier. Maurice Leloir va partir cinq mois à Hollywood pour participer activement au tournage du film. A son retour, il écrira un délicieux ouvrage relatant son expérience hollywoodienne avec de superbes dessins qui montrent son humour et son talent d'observation. Il est fasciné par le travail remarquable des décorateurs et techniciens sur le tournage. Il faut dire que Fairbanks voit les choses en grand. Le générique recense les plus grands talents de l'époque: Carl Oscar Borg, Ben Carré, Lawrence Irving. On reconstruit un chateau de Saint-Germain-en-Laye tel qu'il existait lors de la naissance de Louis XIV et des petites rues du vieux Saint-Germain plus vraies que nature. Leloir croque tout cela avec avidité, admirant comment les artisans du studio arrivent à recréer un carrosse en deux temps trois mouvements à partir de ses dessins.

Il dessine lui-même les costumes sous forme d'aquarelles qui sont exécutés par Gilbert Clark et ses assistants avec fidélité. Les lourds tissus de laine sont souvent très désagréables à porter pour les acteurs. Il n'est pas rare de voir certains des principaux acteurs relever leurs longues jupes pour avoir un peu d'air frais sous le soleil de plomb de la Californie. Ce qui donne ce délicieux croquis :

Leloir observe les figurants, tous habillés de pied en cap en costumes XVIIème, qui se rendent au drugstore du coin pour déjeuner. Cela donne une ligne de figurants le long du comptoir:

Son récit montre une organisation sans faille au sein de l'unité de production de Fairbanks. Chacun est conscient de son rôle et est prêt à tous les efforts nécessaires pour que le film soit le meilleur possible. Leloir est aussi chargé de donner quelques leçons de maintien aux figurants pour leur apprendre à se mouvoir dans leurs costumes. Il participe avec le réalisateur à la sélection de ceux-ci. Il a donc accès à tous les phases de préparation du film. Il doit parfois faire des concessions à la véracité historique. Fred Cavens, le maître d'armes de Fairbanks, lui fait remarquer que si les épées sont équipées de coquilles (qui n'existaient pas à l'époque) c'est pour eviter les blessures aux mains qui ne sont pas rares.

Fairbanks réalise encore quelques cascades remarquables comme lorsqu'il escalade un arbre pour atteindre la fenêtre de la pièce où Constance est retenue prisonnière. Il est accueilli par une Milady féroce qui le menace d'un poignard. Il tombe du rebord de la fenêtre, mais sa chute est amortie par ses trois compagnons mousquetaires. Le film se termine sur une note sombre avec la mort successive de Porthos, Aramis, Athos et de D'Artagnan. C'est la première fois qu'un film de Fairbanks le montre mort à la fin. Peut-être a-t-il senti que son heure de gloire touchait à sa fin avec l'arrivée du parlant, qui sait ? En tout cas, ce merveilleux livre d'images permet de se replonger dans l'univers de Dumas comme si nous étions dans une machine à remonter le temps. Le DVD Kino offre une superbe copie avec une partition orchestrale du formidable Carl Davis. Un Fairbanks plein d'humour et de nostalgie.

Der geheime Kurier 1928

2011-12-25T11:33:00.000+01:00

Le Rouge et le noir

Un film de Gennaro Righelli avec Ivan Mosjoukine, Lil Dagover, Jean Dax, José Davert et Agnes Petersen

Julien Sorel (I. Mosjoukine) est employé comme secrétaire du bourgmestre M. Rénal (José Davert). Il est l'amant de la femme (L. Dagover) de celui-ci. Mais, lorsqu'on lui offre un poste de secrétaire à Paris chez le Marquis de la Môle (J. Dax), il part immédiatement...

Lil Dagover et José Davert

Les spécialistes de Stendhal furent profondément offusqués par l'adaptation du Rouge et le Noir réalisée par Claude Autant-Lara en 1954. Je me demande quelle aurait été leur réaction face à cette production allemande de 1928 réalisée par un italien et jouée par un russe. En effet, le scénario est une telle trahison du roman de Stendhal qu'on peut imaginer que l'auteur a dû se retourner dans sa tombe. Les éléments sociaux qui marquaient les différences de classe qui obsèdaient Julien Sorel ont été pratiquement tous éliminés. Monsieur Rénal n'est plus un aristocrate, mais un simple bourgeois mal dégrossi qui boit. Son épouse insatisfaite se réfugie dans la chambre de son amant et lui demande même de supprimer son mari pour retrouver sa liberté. Un fois à Paris, Julien est envoyé à Strasbourg par le Marquis de la Môle pour transporter une missive secrète, fruit d'un complot pour faire tomber Charles X. Et à la fin, Julien au lieu de mourir sur l'échafaud, meurt en héros sur une barricade lors de la révolution de 1830. Une fois ces éléments établis, si on fait abstraction de cette trahison, on peut examiner le film en tant qu'oeuvre cinématographique.

Le film de Righelli n'est pas dépourvu d'intérêt. Il sait créer une atmosphère (même si elle n'est pas Stendhalienne). Le début du film chez les Rénal est assez savoureux. On voit la belle Lil Dagover, en léger déshabillé, ouvrir la porte de sa chambre et illuminer en ombres chinoises ses formes gracieuses alors qu'elle s'apprête à rejoindre son amant. Il faut d'ailleurs souligner la qualité de l'interprétation de Lil Dagover. Elle donne à Mme Rénal une sensualité tout à faite remarquable. C'est elle, avec Mosjoukine, qui domine le film. Les scènes chez le Marquis de la Môle marque une petite baisse de régime. On sent que le film a été écrit avec la légende de Mosjoukine en tête lorsqu'on le voit escalader le balcon de Mlle de la Môle et la séduire tout de go. Ce Julien Sorel est un petit frère de Casanova. Puis, on nous met quelques belles chevauchées où Julien echappe de justesse aux gendarmes. Dans une auberge, il est presque démasqué par une jolie servante. Pour l'empêcher de nuir, il utilise un stratagème : il déshabille entièrement la malheureuse qui se retrouve en tenue d'Eve (une vision fort coquine pour l'époque). Autre belle réussite : la tentative de meurtre sur Mme Rénal. On voit Mosjoukine lui tirer dessus à bout portant et quelques plans en caméra subjective suggère la chute de Mme Rénal. Le final sur les barricades de 1830 fait presque penser aux Misérables de Victor Hugo. Et le procès de Julien semble être plus politique qu'autre chose alors qu'il clame son soutien à Louis-Philippe ! Gennaro Righelli, un pionnier du cinéma italien, réalise tout cela avec une certaine fougue, même s'il n'est pas à l'avant-garde de la technique comme Alexandre Volkoff ou Marcel L'Herbier.

Julien Sorel : Ivan Mosjoukine

En 1928, Ivan Mosjoukine est sur la pente descendante. Après une période glorieuse dans le cinéma français des années 20, il part pour l'Amérique où il ne fera qu'un seul film qui ne sera pas un succès. Puis, il part pour l'Allemagne où on lui offre un contrat faramineux de 600 000 francs par mois. Il mène grand train et épouse même sa partenaire du film, Agnes Petersen, qui joue Mlle de la Môle. Cependant, la qualité des productions dans lesquelles il joue est bien inférieure aux grands films qu'il faisaient en France. Et l'arrivée du parlant va définitivement le crucifier. En arrivant en Allemagne, il a subi une opération de chirurgie esthétique qui a modifié son visage, en particulier son nez. Cette opération reste mystérieuse : pourquoi l'a-t-il tentée ? En tout cas, le résultat n'est guère heureux. Ivan a perdu une partie de son entrain et de son charisme.

Au total, cette trahison de Stendhal est un film qui se laisse regarder avec plaisir grâce à ses interprètes, à sa mise en scène et à sa belle cinématographie.

The Mark of Zorro 1920

2011-12-22T12:06:00.000+01:00

Le Signe de Zorro

Un film de Fred Niblo avec Douglas Fairbanks, Marguerite De La Motte et Noah Beery

Au temps de Californie espagnole, un vengeur masqué du nom de Zorro défend les malheureux qui souffrent sous la tyrannie du gouverneur Alvarado...

The Mark of Zorro est le premier film de cape et d'épée de Douglas Fairbanks. On ne sait pas exactement qui a proposé à Fairbanks d'adapter l'histoire de Johnston McCulley, The Curse of Capistrano qui venait d'être publiée en 1919. En tout cas, que ce soit Mary Pickford ou son frère Robert qui lui ait donné cette idée, elle va faire prendre un tournant à sa carrière. Le héros des comédies bondissantes des années 20 devient le prototype du héros 'swashbuckler' comme les appellent les américains. Ce premier Zorro de l'écran est une superbe réussite, mélangeant comédie, duel endiablé et acrobaties. Il apporte aux duels une véritable chorégraphie qui deviendra une des marques du genre. Face à lui, on retrouve une jolie brochette de méchants avec en tête Noah Beery, le frère de Wallace, qui était un spécialiste de ce type de rôle au muet. Le film est très bien rythmé, sans passage à vide. On peut en apprécier pleinement les qualités visuelles grâce au nouveau transfer réalisé par Flicker Alley pour le coffret Douglas Fairbanks - A Modern Musketeer. La copie teintée est absolument superbe et est de bien meilleure qualité que la précédente version Kino. De plus, l'accompagnement musical est également supérieur avec le Monte Alto Orchestra (une petite formation de chambre) qui donne un allant et une allégresse au film qui manquait fortement au piano bien ennuyeux de la version Kino. Un formidable Fairbanks.

The Thief of Bagdad 1924

2011-12-21T17:52:00.000+01:00

Le Voleur de Bagdad

Un film de Raoul Walsh avec Douglas Fairbanks, Julanne Johnston, Sojin, Snitz Edwards et Anna May Wong

Ahmed (D. Fairbanks) un voleur des rues de Bagdad s'introduit nuitament dans le palais du Calife où il tombe amoureux de la Princesse, sa fille (J. Johnston). Pour obtenir sa main, il doit entreprendre un périlleux voyage pour devenir digne d'elle...

C'est le film de Douglas Fairbanks le plus célèbre et avec raison. Le travail réalisé sur tous les aspects de la production sont époustouflants. Fairbanks a embauché un jeune décorateur nommé William Cameron Menzies qui va bâtir un Bagdad des mille et une nuit gigantesque et lumineux. S'inspirant tout autant de l'Art Déco que de l'orientalisme, Menzies donne au film une magie qui reste intacte de nos jours. Mitchell Leisen produit des costumes somptueux qui se fondent dans les décors dépouillés et élégants. Mais, tout cela ne serait rien sans la performance superbe de Fairbanks. Il se surpasse dans ce rôle de voleur. Apparaisant d'abord à l'écran allongé le long d'une fontaine, il dérobe négligemment les bourses des buveurs. Torse nu, vêtu d'un léger pantalon de soie qui ondule sous la brise, il est la grâce incarnée alors qu'il s'élance pour monter à une corde ou lorsqu'il escalade le balcon de la princesse. Les cascades sont réalisées avec une telle désinvolture qu'on n'imagine pas le travail qu'elles ont réclamé. Lorsqu'il saute de jarre en jarre pour échapper à ses poursuivants, il s'est par exemple exercé pendant des semaines. Le film est à la fois sous le signe du conte des mille et une nuit et des ballets russes de Diaghilev. Fairbanks n'a jamais semblé aussi proche de la danse que dans ce film. Les effets spéciaux sont également incroyables et gardent leur magie. Il y a une forme de poésie dans l'apparition du cheval ailé, de l'arbre qui prend vie et du vieil homme des mers. Le film réussit à être un grande production gigantesque en proportion tout en conservant un certain intimisme. Raoul Walsh travaille en parfaite harmonie avec Fairbanks, passant probablement un aussi bon moment que lui lors du tournage. J'avais découvert le film vers 1985 au Ciné-Club et j'avais été éblouie par cette superbe production. J'avais vu, sans le savoir, la production Thames Silent avec la partition de Carl Davis. En la revoyant aujourd'hui, je reste tout aussi enthousiaste. La musique de Davis épouse les contours de cette production chatoyante avec la musique de Rimsky-Korsakov et apporte au film un rythme, une couleur et une émotion qui le rendent irrésistible. On se sent soulevé par la musique comme si on était sur le tapis volant qui emporte Fairbanks et la Princesse. Malheureusement, cette superbe version n'est pas disponible en DVD. Mais, elle le fût en LaserDisc dans les années 90. Espérons qu'un jour elle sera en DVD car le film est infiniment plus fort dans cette version.

Le Juif Errant 1926 (III)

2011-12-18T14:31:00.000+01:00

Un film de Luitz-Morat avec Maurice Schutz, Antonin Artaud, Gabriel Gabrio et Jeanne Helbling

Ep. 4 - Le Justicier

Le sinistre M. Rodin (Fournez-Goffard) continue ses manigences pour éliminer les héritiers de la fortune Rennepont. A ce moment-là, une épidémie de choléra se déclanche à Paris. Immédiatement, il décide d'éliminer les deux soeurs Simon en les mettant dans une pièce contaminée. Pour ce qui est de Adrienne de Cardoville et de son fiancé Djalma, un autre héritier, il prépare une mascarade pour pousser celui-ci au meutre...

Le dernier épisode du Juif Errant est une relative déception. Le dénouement est attendu et les différentes péripéties n'apportent pas le suspense que l'on pouvait espérer. Le personnage central est maintenant le sieur Rodin qui met au point les guet-apens les plus infâmes pour se débarrasser des héritiers: assassinat, drogue, prison, choléra... Tout est bon pour mettre fin à leurs jours. L'acteur surjoue son hideux personnage, qui a toujours un sourire grimaçant aux lèvres et qui se frotte les mains avec délectation. Evidemment, une telle infâmie ne peut rester impunie et il mourra lui-même dans d'atroces souffrances du choléra. Malgré cette matière riche, dont un Henri Fescourt ou un Feuillade aurait pu faire un brillant épisode, Luitz-Morat ne produit qu'une illustration bien plate du scénario. Certes, le film bénéficie d'une atmosphère parisienne très réussie avec ses petites rues pavées avec les murs lépreux des maisons tels qu'on les imagine aux XIXème siècle. Intérieurs et costumes sont au diapason pour leur qualité, nullement tapageurs, mais parfaitement dans le ton. Les problèmes principaux restent la lenteur de la narration et l'absence de créativité dans la mise en scène. Au total, ce Juif Errant est un film qui manque de relief.

The Three Musketeers 1921

2011-12-17T14:14:00.006+01:00

Les Trois mousquetaires

Un film de Fred Niblo avec Douglas Fairbanks, Léon Bary, Eugene Pallette, Marguerite de la Motte et Adolphe Menjou

Suivant le succès de son premier film de cape et d'épée, The Mark of Zorro (1920), Fairbanks se lance dans la production d'une adapation du célébrissime roman d'Alexandre Dumas, toujours avec le même metteur en scène, Fred Niblo. Niblo est un bon artisan, sans plus, mais comme toujours, on sent que la tête pensante derrière le projet est bel et bien Douglas Fairbanks, qui en assure l'adaptation. Dans l'ensemble, le scénario reste assez fidèle à Dumas, malgré les quelques entorses habituelles à Hollywood. Il faut d'abord un 'happy end' et Constance Bonacieux n'est pas expédiée dans un monde meilleur par la perfide Milady. De plus, Constance n'est pas mariée; mais elle a un oncle qui espionne pour le compte du cardinal de Richelieu. Les acteurs ont été choisis soigneusement pour chaque rôle. Nigel de Brulier est un Richelieu mince et intrigant, qui caresse son chat constamment, Adolphe Menjou, un Louis XIII au tempérament jaloux, la jolie Marguerite de la Motte, une charmante Constance. On est un peu surpris de retrouver Eugene Pallette dans le rôle d'Aramis. mais, Pallette n'était pas encore devenu le personnage rondouillard des années 30, et il est finalement assez crédible dans le rôle du mousquetaire galant avec les dames. Douglas Fairbanks a toutes les qualités pour faire un d'Artagnan idéal. Animé de la fougue de la jeunesse, téméraire, casse-cou, soupe-au-lait, il bondit, se bat et flirte avec les dames avec un talent ravageur. Il est évident que Gene Kelly a dû étudier son aîné pour son interprétation du gascon en 1948. Fairbanks était une de ses idoles et il lui rend un hommage vibrant dans plusieurs de ses films. Ce qui m'a empêché d'apprécier pleinement le film, c'est malheureusement les nombreux défauts du DVD Kino, qui est pourtant le meilleur sur le marché. D'abord la copie est assez médiocre, sans grande finesse et grisâtre. Puis, la vitesse de projection est beaucoup trop rapide. Les acteurs galopent à 24 im/sec et c'est vraiment dommage sur un film où les mouvements de Fairbanks sont toujours si gracieux et bien conçus. Et pour finir, il y a une bande-son réalisée avec un synthétiseur qui est particulièrement horripilante; elle reprend la partition originale de L.F. Gottschalk, qui n'est guère qu'une compilation assez médiocre, avec une sonorité de casserole. Espérons qu'un jour une meilleure copie de ce film permettra d'apprécier le travail du grand Arthur Edeson derrière la caméra.

Victor Sjöström 1981

2011-12-17T11:02:00.003+01:00

Documentaire de Gösta Werner

Sur le DVD Kino des Proscrits (Berg-Ejvind och hans hustru, 1918), on trouve en supplément un documentaire suédois assez ancient qui fait la part belle aux extraits de films avec Sjöström acteur et réalisateur. Ce documentaire ne recherche qu'une chose: nous montrer un maximum d'extraits de films. Et je peux dire que j'ai été à la fête avec des extraits de certains Sjöströms que je n'ai encore jamais vu comme: La Voix des ancêtres (Ingmarssönerna, 1919), La Montre brisée (Karin Ingmarsdotter, 1920) tous deux adaptés de Selma Lagerlöf et L'Epreuve du feu (Vem dömer, 1922). Le documentaire est complété par une émouvante interview d'Ingmar Bergman qui parle de sa collaboration avec le grand Victor en tant qu'acteur de deux de ses films. Il est d'ailleurs fascinant de voir le grand Victor passer du cinéma muet au cinéma parlant sans aucune difficulté. Bergman reconnaît qu'il lui a fallu des années pour réaliser quel grand acteur était Sjöström. Il trouvait qu'il surjouait. Mais, avec le recul des années, il reconnaît s'être trompé. Voilà un documentaire qui m'a donné envie de voir tous les films de Sjöström ! Aucun effet de manche dans la réalisation, juste un grand choix d'extraits. Du bonheur.

Silent Britain 2006

2011-12-16T17:31:00.004+01:00

Documentaire BBC réalisé par David Thompson et écrit par Matthew Sweet

Ce documentaire produit par la BBC, et publié par le BFI, a pour but affiché de tordre le cou aux préjugés tenaces qui perdurent sur le cinéma muet britannique. Ayant déjà vu quelques grands films de l'époque muette réalisé en GB, je ne fais pas partie de ceux qui pensent que les anglais ne savaient pas faire du cinéma. Par contre, il est vrai qu'ils ont toujours souffert de manques de moyens et de la compétition des USA qui leur prennaient leurs meilleurs talents. Le présentateur et auteur du documentaire, Matthew Sweet, utilise constamment des phrases toutes faites pour nous convaincre que le cinéma anglais des origines a tout inventé avant les autres. Malheureusement, ses démonstrations sont dépourves de preuves tangibles. Nous harpentons avec lui les rues de Londres à la recherche des premiers studios des pionniers. Ensuite, la réalisation se contente de filmer le narrateur face à l'écran de son ordinateur visionnant des extraits de films. Si je mentionne cela, c'est que la réalisation de ce documentaire aurait certainement convenu à un programme de bricolage, mais pour un documentaire qui se veut sérieux sur l'histoire du cinéma, c'est vraiment le degré zéro de la réalisation. Heureusement, le documentaire contient nombres d'extraits de films qui sont très intéressants. Le présentateur omet souvent le nom des réalisateurs. Il faut dire que sa belle théorie sur le '100% British cinema' est mise à mal par le fait que les studios grand-bretons de la fin des années 20 rengorgeaient de metteurs en scène allemands (comme E.A. Dupont et Arthur Robison) et de stars étrangères: Lars Hanson, Ugo Henning, Lia de Putty, Any Ondra, etc. Au total, une grosse déception en terme de qualité de la narration et de la réalisation. Nous sommes dix coudées en-dessous de Cinema Europe (1996, K. Brownlow et D. Gill) qui en un seul épisode de 60 min nous en apprend plus sur le cinéma anglais que les 90 min de celui-ci, et qui, surtout, offre bien plus d'extraits de films (et qui bizarrement contient les mêmes interviews d'archive). Ceci dit, j'ai repéré plusieurs films fort alléchants comme The Lure of Crooning Water (1920) et The Informer (1929, A. Robison), première version avant celle de Ford qui j'espère trouveront leur place un jour en DVD.

Le Juif Errant 1926 (II)

2011-12-16T16:41:00.002+01:00

(Gringalet: Antonin Artaud)

Un film de Luitz-Morat avec Maurice Schutz, Antonin Artaud, Gabriel Gabrio et Jeanne Helbling

Prologue - Ep. 2 : Monsieur Rodin - Ep. 3 : La nuit du 13 février

Résumé du prologue: En Palestine, Jésus sur la croix est insulté par un savetier nommé Ahasvérus (André Marnay). Il est condamné à marcher éternellement. En 1682, dans le ghetto de Varsovie, Marius Rennepont (Jean Peyrière), un riche protestant français, est victime des persécutions de la secte des Ardents qui veut lui prendre sa fortune. Ayant trouvé refuge dans sa belle-famille juive, il est retrouvé et assassiné ainsi que sa femme. Son enfant est sauvé par Ahasvérus qui l'emporte ainsi que le testament de Marius, qui ne devra être ouvert que 150 ans plus tard.

Ep. 2 et 3: 1832, La secte des Ardents poursuit ses manoeuvres pour s'accaparer la fortune Rennepont. Chaque héritier est pourchassé avec méthode par l'éminence grise de la secte, M. Rodin. Il a prêté de l'argent à Jacques Rennepont (alias Couche-tout-nu) qui passe son temps à faire la fête. Le malheureux se retrouve emprisonné pour dettes. La date fatidique du 13 février, jour d'ouverture du testament approche. Seul l'abbé Gabriel est là chez le notaire. Mais contrairement aux espoirs des Ardents, le testament ne contient pas le texte espéré. Il met en garde l'héritier contre les Ardents. Ahasvérus apparaît alors et produit un codicille au testament...

J'ai découvert le prologue du film après la projection des 3 premiers épisodes. Ce n'est guère commode de suivre un film en épisodes de cette façon, mais je n'ai guère eu le choix vu que la Cinémathèque a oublié le prologue. Ce prologue contient d'ailleurs les scènes les plus chargées d'atmosphère de tout le film. Les séquences bibliques ne déparerait pas un film de Cecil B. DeMille pour la qualité de la reconstitution. De même, les scènes du ghetto de Varsovie au XVIIème siècle sont superbement éclairées. Si le film pêche, c'est pas la longueur des épisodes qui approchent des 90 min. Pour tenir une telle longueur, il faut un souffle épique remarquable comme dans Les Misérables (1925) d'Henri Fescourt. Hélas, Luitz-Morat n'a pas les qualités de metteur en scène de ce dernier. Il faut dire aussi que la Cinémathèque a eu l'idée saugrenue de passer deux épisodes simultanément, ce qui a résulté par une séance de 2h40... au lieu des 1h50 prévues sur le programme. La copie est absolument superbe dans l'ensemble. Il semble que du matériel original ait été utilisé pour cette restauration. Si le récit est trop lent et manque de créativité, en tout cas, c'est un vrai plaisir pour les yeux. La suite bientôt....

L'Auberge Rouge 1923

2011-12-16T15:42:00.003+01:00

Un film de Jean Epstein avec Léon Mathot, Gina Manès et David Evremond

1825, M. Herrmann, un riche hollandais, organise un dîner entre amis. On lui demande de raconter une histoire qui fait peur et il leurs conte ce qui est arrivé dans une auberge d'Alsace en 1790. Deux étudiants en médecine, Prosper Magnan (L. Mathot) et Frédéric Taillefer (D. Evremond) se sont arrêtés dans une auberge par une nuit de tempête. Ils obtiennent avec beaucoup de mal une chambre pour passer la nuit. Un courtier en diamants arrive et ils décident de partager leur chambre avec lui. Le lendemain, ce dernier est découvert égorgé le lendemain matin, et Prosper est accusé du meurtre...

En 1923, la société Pathé-Consortium commande à Jean Epstein une adaptation d'une nouvelle de Balzac. Le jeune metteur en scène qui se veut à pointe de l'innovation technique au cinéma, va utiliser tous les procédés en cours à l'époque. Avec cette histoire de meurtre (dont le scénario est très différent de celui d'Aurenche et Bost pour le film d'Autant-Lara), il a affaire à un morceau de choix riche en atmosphère. Mais, malheureusement, comme souvent chez Epstein, la structure du récit et le développement des personnages n'est pas vraiment convaincant. Comme le fait remarquer avec justesse son contemporain, le metteur en scène Henri Fescourt: "On put reprocher à cette bande des déséquilibres. Les moyens dramatiques n'atteignent pas toujours l'effet souhaité." Les deux cinéastes qui inspirèrent le plus Epstein sont Marcel L'Herbier et Abel Gance. Il réutilise leurs innovations au niveau du montage, de la caméra subjective ou mobile. Mais contrairement, à ses deux confrères, Epstein n'insère pas très bien ces effets dans son récit, ce qui a pour effet de mettre en exergue des scènes plutôt que d'assurer la continuité du récit. Quant à la direction d'acteur, ce n'est certainement pas le fort de Epstein. Le vétéran Léon Mathot, qui est déjà au cinéma depuis une décennie, semble passablement figé. Et il n'exploite guère la sensualité de la belle Gina Manès, qui sera bien mieux exploitée par Abel Gance dans Napoléon (1927) ou par Jacques Feyder dans Thérèse Raquin (1928) (si on en croit les critiques de l'époque car le film est perdu). Ceci dit, malgré sa trame assez lâche, le film conserve un certain attrait. Epstein nous faire voyager dans les pensées meurtrières de Prosper avec force caméra subjective. La construction avec une série de flash-back n'est pas vraiment nouvelle. L'Herbier l'a déjà utilisée par exemple dans L'Homme du Large (1920) avec plus de bonheur d'ailleurs. Il est difficile d'apprécier pleinement la cinématographie avec une copie contretypée assez floue dans toutes les scènes en soft-focus. Epstein est un théoricien du cinéma qui avait du mal à mettre en pratique ses idées sur un récit.

The Private Life of Don Juan 1934

2011-12-16T14:15:00.004+01:00

Un film d'Alexander Korda avec Douglas Fairbanks Sr., Merle Oberon, Benita Hume et Melville Cooper

Don Juan (D. Fairbanks) est adoré unaniment par toutes les femmes de Séville. Mais, elles ignorent qu'un jeune homme se fait passer pour lui. De son côté, Don Juan a vieilli et il est poursuivi par ses créanciers et une épouse tenace (B. Hume)...

Ce film de 1934 fut le chant du cygne de Douglas Fairbanks. Il était déjà une légende de son vivant et le scénario utilise habilement la personnalité de Doug pour le personnage de Don Juan. Je ne m'attendais pas à grand chose en regardant ce film d'Alexander Korda qui ne fut pas un succès à sa sortie. En fait, j'ai été très heureusement surprise par le ton décalé et l'utilisation du mythe de Don Juan. Le scénario est signé de Frederick Lonsdale, un excellent auteur anglais de comédies, et de Lajos Biro, un des collaborateurs habituels de Korda. Nous suivons les aventures d'un Don Juan qui a maintenant les tempes grisonnantes, quelques rides et qui doit faire attention à sa ligne. Lorsqu'il tente de séduire une jeune demoiselle, celle-ci lui fait remarquer qu'il pourrait être son père. Finalement, il est prisonnier de l'image qu'il a donné dans le passé. Les femmes sont amoureuses d'une certaine image de Don Juan telle qu'elle a été véhiculée par le théâtre et la littérature. Et le pauvre Don Juan n'arrive pas à être à la hauteur de son mythe. A cette époque-là, Douglas Fairbanks est également sur la touche. Bien qu'il ait fait quelques films parlants, aucuns d'entre eux ne lui a permis de retrouver son succès de l'époque du muet. Toujours athlétique, il est lui aussi obsédé par son physique et l'idée de rester 'jeune'. Le scénario ne manque pas de se moquer de cette obsession alors qu'il reçoit force massages. Dans sa vie privée, les choses ne vont guère mieux. Son mariage avec Mary Pickford part à vau-l'eau. Ils vont divorcer au moment de la sortie du film. Le film est donc à la fois un regard nostalgique sur une des plus grandes stars du cinéma ainsi qu'un hommage luxueux et humoristique. Le film est un écrin somptueux grâce aux superbes décors de Vincent Korda et à la cinématographie du français Georges Périnal qui se surpasse dans la beauté et la sophistication. Une volée de superbes créatures, toutes superbement photographiées parent le film, en particulier Merle Oberon dont l'étoile était en ascendance. Fairbanks montre son flair pour la comédie, un genre dans lequel il avait débuté avant de créer de toutes pièces le film de cape et d'épée. C'est d'ailleurs probablement pour cela que le public fut dérouté. Il s'attendait à retrouver le Fairbanks virevoltant de Zorro plutôt que ce héros désorienté face aux femmes. Une très heureuse surprise.

Le Juif Errant 1926 (I)

2011-12-04T10:20:00.006+01:00

Un film de Luitz-Morat avec Maurice Schutz, Antonin Artaud, Gabriel Gabrio et Jeanne Helbling

Ep. 1 - Les Ardents

Une société secrète et criminelle, Les Ardents, dirigée par le sinistre M. d'Aigrigny (M. Schutz), souhaite capter l'héritage fabuleux de M. Rennepont. Pour ce faire, il faudra empêcher les héritiers d'arriver au rendez-vous fixé à Paris pour le 13 février 1832...

Cette production Ciné-Romans a été produite par Louis Nalpas, alors en charge de la production. Cette société se spécialisait dans les adaptations de romans célèbres sous forme de films en épisodes. Le Juif Errant commençait par un prélude biblique qui introduisait le personnage d'Ahasvérus, le juif errant. Malheureusement, la copie présentée hier ne comportait pas ce prologue, ni d'ailleurs les premières scènes qui montraient la mort de Marius Rennepont au XVIIè siècle. Il semble qu'on ait tout simplement oublié de nous les projeter (!) Enfin, le récit commençait par la présentation de cette pseudo-société philantropique, Les Ardents, qui ne cherche en fait qu'à s'accaparer une fortune promise en héritage. Pour ce faire, tous les moyens sont bons. Il faut qu'un seul des héritiers puisse arriver au rendez-vous pour toucher les 100 millions. Ce seul héritier est un prêtre naïf qui ne se rend pas compte qu'il est manipulé par Les Ardents. Puis, nous faisons connaissance avec les autres héritiers qui sont en route vers Paris. Il y a les deux petites filles, Rose et Blanche Simon qui traversent l'Allemagne avec comme garde du corps, le vieux Dagobert (G. Gabrio) qui était l'ordonnance de feu leur père. Dans une auberge de Leipzig, un certain Morock va tuer leur cheval avec sa panthère, puis tenter de les faire arrêter par le bourgmestre. Làs, il n'arrivera pas à ses fins. Pendant ce temps, en France, une autre héritière, Adrienne de Cardoville (J. Helbling) recueille des jeunes orphelines dans son chateau au bord de la mer. Les jeunes filles s'ébattent dans le parc vêtues comme des danseuses de la troupe d'Isadora Duncan. Cette fois-ci, Les Ardents ont une autre tactique. Ils vont essayer de faire interner la jeune femme avec un médecin marron qui la déclarera folle. Ce premier épisode offre une entrée en matière assez riche, malgré l'absence plus que regrettable du Prologue et des premières scènes. Le metteur en scène Luitz-Morat était un ancien acteur. Et on peut lui reconnaître une certaine habilité dans la direction de ses acteurs. Aucun d'eux ne surjoue et chaque personnage est campé avec justesse. Les décors sont riches et offrent une belle atmosphère. J'attends la suite avec impatience. La copie présentée semblait être une reconstitution assez récente, teintée et de belle qualité. On pouvait apprécier au mieux les contrastes remarquables de la pellicule orthochromatique.

Q Planes 1938

2011-11-29T10:35:00.004+01:00

Armes Secrètes

Un film de Tim Whelan (& Arthur Woods) avec Ralph Richardson, Valerie Hobson et Laurence Olivier

Charles Hammond (R. Richardson) est un agent secret chargé de retrouver la trace de prototypes d'avions qui ont disparu mystérieusement en mer. Il se rend à la société Barrett où un nouveau prototype va bientôt être testé ...

Ce film britannique réalisé par l'américain Tim Whelan, ancien gagman de Harold Lloyd, est une petite merveille de drôlerie. J'ai été stupéfaite de reconnaître un rythme étourdissant, proche de la 'screwball comedy', dans un film anglais de cette époque. Les trois acteurs principaux s'en donnent à coeur joie dans ce pré-James Bond des années 30 qui doit certainement beaucoup à son réalisateur. Mais, c'est Ralph Richardson qui crève l'écran avec une performance comique et décalée qui montre un sens comique absolument formidable. Apparemment, son personnage d'espion élégant avec chapeau melon et parapluie inspira (bien plus tard) les créateurs de John Steed dans The Avengers (Chapeau melon et bottes de cuir). En tout cas, il porte le film avec finesse et détachement, avec un gag récurrent. On le voit téléphoner précipitamment à sa petite amie Daphne pour lui dire qu'il ne sera au rendez-vous, tandis que celle-ci essaie de lui dire quelque chose qu'il n'a pas le temps d'entendre. De son côté, la géniale Valerie Hobson est la soeur de Richardson, qui travaille dans le journalisme et enquiquine quelque peu son cher frère. Elle est insolente, élégante et formidable. Laurence Olivier est un peu en retrait par rapport à ses deux comparses en pilote d'essai casse-cou. Il faut ajouter que le film comporte quelques scènes qui annoncent les futurs James Bond avec le 'harponnage' en plein vol d'avions qui sont ensuite chargés sur un cargo. Ce qui pourrait être un film de propagande sans intérêt devient un soufflé léger et euphorisant. Absolument délicieux.

Love is a Racket 1932

2011-11-16T17:15:00.001+01:00

Un film de William A. Wellman avec Douglas Fairbanks Jr., Frances Dee, Ann Dvorak, Lee Tracy, Lyle Talbot et André Luguet

Jimmy Russell (D. Fairbanks Jr.) est un journaliste spécialisé dans les potins à Broadway. Il côtoie les racketeurs et les chorus girls toute la journée. Il est très amoureux de la belle Mary Wodehouse (F. Dee), une apprentie comédienne qui cherche à percer. Mais, elle a des dettes et celles-ci sont rachetées par un racketeur notoire, Eddie Shaw (Lyle Talbot)...

Ce pre-code signé Wellman se déroule dans le milieu interlope de Broadway. On y croise racketeurs, bootleggers, producteurs, jeunes starlettes et le journaliste Jimmy Russell qui vit en immersion dans ce milieu pour alimenter ses chroniques en commérages croustillants. Il n'a rien d'un héros et c'est sans aucun doute un homme à femmes qui passe de l'une à l'autre à grande vitesse. Il va néanmoins tomber de haut en s'amourachant de Mary Wodehouse, une jeune starlette. Celle-ci se refuse à lui, mais il persiste. Et il va aller très loin pour la sortir d'un mauvais pas. Ses chèques sans provision ont été rachetés par un racketeur qui souhaite l'ajouter à son tableau de chasse. Finalement, il sera tué et Jimmy couvrira le meurtre en le maquillant en suicide. Malgré tout, Mary le laissera tomber pour un homme plus riche qui peut lui assurer une carrière à Broadway. Ce film de 70 min est très bien joué par un Douglas Fairbanks Jr. comme un poisson dans l'eau en journaliste fouineur et la délicieuse Frances Dee joue de sa séduction avec habilité. Un bon petit Wellman.

Stage Struck 1925

2011-11-16T17:03:00.003+01:00

Vedette

Un film d'Allan Dwan avec Gloria Swanson, Lawrence Gray, Gertrude Astor et Ford Sterling

Jennie Hagen (G. Swanson) est serveuse dans un petit restaurant minable. Elle est follement amoureuse de Orme Wilson (L. Gray) qui prépare les crêpes. Hélas, il ne s'intéresse qu'aux actrices. Jennie songe à en devenir une pour lui plaire...

Cette comédie signée Allan Dwan a la particularité de contenir plusieurs séquences en Technicolor bichrome, au début du film et à la fin. Le film joue de l'image de Gloria Swanson telle qu'elle avait été véhiculée par les films de DeMille. Le début du film introduit d'une manière tonitruante une grande actrice vêtue de tenues totalement extravagantes, le tout en Technicolor. Alors que l'actrice se lance dans une interprétation de Salomé et attrape le plateau d'argent où repose la tête de Saint Jean-Baptiste, nous retombons sur terre. La serveuse Jennie Hagen est là, le plateau à la main, en train de se faire houspiller. Tout ce que nous avons vu n'était qu'un beau rêve éveillé de Jennie. Le Technicolor disparaît remplacé par le sépia. Gloria Swanson est mise à rude épreuve dans ce film, comme dans Manhandled (1924, A. Dwan). Elle se débat au milieu d'une salle de restaurant bondée où elle tente tant bien que mal de servir les tables face au flot de clients qui l'envahissent. Vêtue d'une robe informe et à peine coiffée, elle ne projette que fort peu de sex-appeal. Il n'est guère étonnant que Lawrence Gray ne la remarque pas, dans sa chambre tapissée de photos de stars de cinéma. Je n'ai pu m'empêcher de penser au chef d'oeuvre comique de King Vidor The Patsy (1928) où Marion Davies a aussi beaucoup de mal à attirer l'attention du même Lawrence Gray en parodiant de grandes stars d'Hollywood. Ici, dans une courte scène, Gloria fait de même, trois ans avant le film de Vidor. Jennie suit des cours par correspondance pour devenir actrice, une des excroqueries typiques de ces années 20. Puis, elle se retrouve face à une rivale féroce, jouée par avec talent par Gertrude Astor, une actrice d'un show-boat. Elle change son apparence en singeant le style de sa rivale, puis se fait engager par le patron du show-boat pour un match de boxe ! Jennie arrivera finalement à capturer le coeur de son Orme après bien des péripéties. Dans ce film, Gloria semble retourner à ses débuts à la Keystone et à son slapstick tonitruant. Elle s'en sort bien. Mais, finalement, elle était plus attachante dans Manhandled qui offrait plus d'humour et moins de chutes. Une comédie sympathique.

La Terre Promise 1924

2011-11-05T10:51:00.004+01:00

Un film de Henry Roussel avec Raquel Meller, Max Maxudian, Tina de Izarduy, Pierre Blanchar, Albert Bras et André Roanne

En Bessarabie, dans un ghetto juif, la famille Sigoulim célèbre la Pâques juive. Samuel Sigoulim (A. Bras) est un rabbin pieux qui vit selon la tradition talmudique alors que son frère Moïse (M. Maxudian) lui s'est lancé dans les affaires. Moïse fait fortune dans le pétrole et part pour Londres emmenant ses deux jeunes nièces Lia (R. Meller) et Esther (T. de Izarduy)...

Henry Roussel est une figure oubliée du cinéma muet français. Il mériterait pourtant d'être redécouvert car il est l'un des rares metteurs en scène de cette époque qui pouvait être aussi appelé un 'auteur' avant même que ce terme ait été créé. En effet, Henry Roussel, en plus d'être un excellent acteur, écrivait lui-même les scénarios de ses films et ceux-ci n'étaient pas de simples adaptations de romans ou de pièces de théâtre, mais des scénarios entièrement originaux. Ayant déjà pu voir plusieurs films d'Henry Roussel, j'ai toujours été conquise par sa capacité à faire vivre ses personnages dans leur milieu naturel, quel qu'il soit: dans L'Ile enchantée (1927), nous sommes en Corse où la tradition affronte la modernité alors qu'un barrage hydroélectrique est en construction, dans Violettes Impériales (1923), déjà avec Raquel Meller, une petite bouquetière de Séville devient la coqueluche de Paris sous le Second Empire et dans La Valse de l'adieu (1928), Chopin se souvient de sa jeunesse en Pologne. (Il faut d'ailleurs préciser que Violettes Impériales est bel et bien un scénario original de Roussel qui ne sera transformé en opérette qu'en 1948 par Vincent Scotto.) La variété des sujets abordés tranche avec les mélos mondains qui abondent dans le cinéma français des années 20. Avec cette Terre Promise, il nous fait revivre les ghettos juifs d'Europe de l'est, en Bessarabie (qui est maintenant la Moldavie). Avec un talent remarquable, il nous dresse le portrait de cette communauté qui vit dans le dénuement. Bien loin de recréer les stéréotypes juifs, les personnages sont complexes. D'un côté le rabbin Samuel vit au milieu de son peuple dans le dénuement, dans le plus grand respect des traditions, et de l'autre Moïse qui trouve que ces traditions sont surrannées et veut faire fortune coute que coute. Les deux filles du rabbin, l'aînée Esther et la cadette Lia sont également partagées dans leur acceptation des traditions. Esther aime la belle vie qu'elle découvre à Londres et se détourne du passé, alors que la plus jeune elle reste fidèle aux principes de justice de son père. Mais, Lia est amoureuse d'un 'gentil', André (A. Roanne), un fils d'aristocrate, qui n'appartient pas à la communauté. Elle devra faire un choix cornélien entre rester fidèle à sa famille ou partir pour toujours pour suivre l'homme qu'elle aime.
Les deux soeurs sont jouées par Raquel Meller et sa soeur Tina (créditée sous le nom de Tina de Izarduy) ce qui renforce la crédibilité de leur affrontement. En effet, elles sont toutes deux amoureuses du même homme, et Esther ne reculera devant rien pour se venger de sa soeur et de sa communauté. Le film culmine alors que les travailleurs des champs pétrolifères décident de mettre le feu aux puits. Esther les incite à la violence raciale en attisant les rancoeurs entre juif et non-juif. Henry Roussel montre une grande habilité à la construction de son récit entre rivalité amoureuse et histoire sociale. Il est aussi un metteur en scène habile qui sait créer une atmosphère aussi bien pour une scène intime que pour une émeute. Il y a une superbe séquence sous une pluie battante où André va partir, désespéré d'être abandonné par celle qu'il aime. Il est rejoint par Esther qui se jette à son cou, lui avouant ses sentiments longtemps refoulés. Esther dégage exactement la sensualité rebelle de son personnage, accentuée par l'averse. Le début du film nous montre la cérémonie de la Pâques juive où un verre de vin est servi pour le Prophète Elie. Puis, on ouvre symboliquement la porte pour le laisser entrer. La petite Lia, qui va ouvrir cette porte au début, se méprend en voyant un petit garçon tout de blanc vêtu dans la rue et le prend pour le prophète. La cérémonie se répète 13 ans plus tard, Lia ouvre la porte, le petit garçon est maintenant André, son amoureux qui l'attend dehors. Elle va lui rendre sa bague, lui signifiant qu'elle ne peut quitter le giron familial. On ne peut que louer les interprètes du film, des soeurs Meller, à leur meilleur, à un jeune Pierre Blanchar qui joue un rôle secondaire en jeune frère destiné au rabbinat. L'opérateur Jules Kruger fait merveille avec de superbes intérieurs contrastés. La copie restaurée en 1987 semble malheureusement incomplète. Il semble que le prologue était nettement plus long que ce qu'il en reste, si on en croit les synopsis d'époque. Néanmoins, cette Terre Promise reste un film passionnant.

Treasures V: The West (III)

2011-10-24T14:13:00.002+01:00

Passing from the Oklahoma Outlaw (1915, William Tilghman & James Bennie Kent) avec William Tilghman - Prod. Eagle Film Co.

Ce film étonnant est l'oeuvre du Frontier Marshal Tilghman. Il ne reste que quelques fragments de ce film de 6 bobines. il a été écrit, réalisé et joué par le Marshal lui-même et nous le montre en train de rechercher et de débarrasser l'ouest de ses hors-la-loi. Tilghman était un héros véritable qui venait de passer 30 ans à éliminer ceux-ci. Comme il désapprouvait fortement les films d'Al Jennings qui donnait une image romantique des hors-la-loi, il décida lui aussi de donner sa version des choses en créant sa propre société de production, La Eagle. Il recrée donc pour la caméra les différentes violentes fusillades qui l'opposèrent aux gangs de l'Oklahoma. Comme pour le film de Jennings, mais sous un angle différent, nous retrouvons un ouest reconstitué par ceux qui l'ont vécu. Tilghman était une légende de l'ouest. Il avait capturé un des frères Doolin du gang Doolin-Dalton. Apparemment toujours en activité, il arrêta le tournage de ce film pour partir à la recherche d'un malfaisant. On a le sentiment de regarder un documentaire face à ces fragments stupéfiants.

Legal Advice (1916, Tom Mix) avec Tom Mix et Victoria Forde - Prod. Selig Polyscope Co.

Cette comédie de Tom Mix avec Tom Mix est assez typique des films de ce cow-boy qui fut une superstar du genre. Plus tourné vers les cascades et les situations comiques, il ne cherche pas à créer des personnages réels, comme le ferait un William S. Hart, mais à donner au public un bon divertissement. Champion des cascades à cheval, il est ici un cow-boy maladroit qui tente de plaire à une jolie avocate venue s'installer dans l'Ouest sauvage. Je n'ai jamais vraiment accroché aux films de Mix qui m'a toujours paru être un cow-boy d'opérette ou de cirque. Ce petit court-métrage sans prétention est agréable sans plus.

The Girl Ranchers (1913, Al Christie) avec Marie Walcamp et Ramona Langley - Prod. Nestor Film Co.

Cette comédie a une réalisation assez sommaire, ainsi que ses éclairages. Elle se moque de jeunes femmes téméraires qui héritent d'un ranch et décident de le diriger elles-mêmes. Nous avons droit aux bons gros clichés sexistes sur ces dames en jupons qui viennent diriger des cow-boys virils et moustachus. Elles seront sauvées de l'attaque des indiens par ces mêmes hommes dont elles voulaient raser la moustache. Tout cela est assez faible, mais probablement représentatif d'une certaine veine de courts-métrages de l'époque.

Treasures V: The West (II)

2011-10-22T16:14:00.005+01:00

The Better Man (1912, Rollin S. Sturgeon) avec George Stanley et Anne Shaefer - Prod. Vitagraph Co. of America

La compagnie Vitagraph était la principale rivale de la Biograph dans les années 10. Malheureusement, seule une toute petite fraction de sa production a survécue alors que la Biograph est superbement conservée au MoMA. Ce Better Man se révèle être un excellent petit western, rondement mené et très bien joué. Une femme est seule avec son enfant malade dans une maison isolée quant un bandit mexicain arrive. Il meurt de faim et mange goulument du pain. La femme le supplie d'aller chercher un médecin car son enfant est gravement malade. Son époux lui préfère jouer dans les saloons. Le bandit se dévoue et au péril de sa vie, ramène le médecin. L'époux de la femme va ensuite tenter de donner ce bandit pour toucher une récompense. Sa femme le retient en lui faisant remarquer que ce bandit est un 'homme meilleur' que lui et lui demande de partir. Un excellent montage parallèle couronne le final.

Bronco Billy and The Schoolmistress (1912, Gilbert M. Anderson) avec G.M. Anderson - Prod. Essanay Film Manufacturing Co.

Cette comédie sur fond de western comporte comme personnage central, une femme. Dans cet ouest masculin, certaines figures féminines deviennent incontournables telle la maîtresse d'école. Gilbert M. Anderson était sans aucun doute un des tous premiers cow-boys de l'écran dans The Great Train Robbery (1903). Dans les années 10, il est célèbre sous le nom de Bronco Billy. Il dirige une énorme quantité de courts-métrages avec ce personnage pour la Essanay (S and A) dont il est un des fondateurs. Dans ce film, il joue un cow-boy amoureux d'une maîtresse d'école qui n'a pas froid aux yeux. La dame sort seule le soir avec un révolver dans sa poche. Quand on tente de lui faire peur en imitant un hold-up, elle se rebiffe. Et elle arrive même à démasquer le malfaisant qui a tenté de descendre Bronco Billy lors de la fausse attaque. Pas un grand film, mais une comédie sympathique.

Over Silent Paths: A Story of the American Desert (1910, D.W. Griffith) avec Marion Leonard, Dell Henderson, W. Chrystie Miller - Prod. Biograph Co.

Ce superbe court-métrage de D.W. Griffith photographié par Billy Bitzer a été tourné en Californie. Contrairement aux hideuses copies des courts-métrages Biograph qui sont disponibles sous diverses étiquettes, nous avons ici accès à une copie tirée du négatif original conservée au Museum of Modern Art. On peut donc y apprécier pleinement le travail de profondeur de champ et de composition de Bitzer. L'intrigue est superbement construite. Un chercheur d'or et sa fille décide de quitter le désert. Mais, un vagabond arrive et tue le vieil homme et s'empare de son or. Seule, la fille repard et chemin faisant trouve un homme inanimé dans le désert. Elle vient à son secours et tombe amoureuse de lui tout en ignorant qu'il est le meurtrier de son père. Mais, lorsqu'elle découvrira la vérité, elle le livrera au shérif. Marion Leonard fait une saisissante composition de femme forte dans un milieu hostile. Il faut la voir enlacer l'homme dont elle va prendre le révolver. Chaque plan est composé avec un soin remarquable, utilisant les extérieurs avec soin. Un très beau Griffith.

Treasures V: The West (I)

2011-10-22T14:38:00.005+01:00

The Tourists (1912, Mack Sennett) avec Mabel Normand - Prod. Biograph Co.

Dans les années 10, les passagers des Santa Fe Railways s'arrêtaient à Albuquerque (Nouveau Mexique) pour aller faire un tour dans un village indien typique et pour acheter des poteries faites par les indiens du coin. Mack Sennett, qui ne va pas tarder à créer la Keystone, tourne cette petite comédie sur place à Albuquerque en se moquant de ces touristes qui passent en coup de vent pour faire du shopping. Trixie (M. Normand alors âgée de 19 ans) y flirte avec un chef indien avant de se faire chasser par des 'Suffragettes' indiennes! Le film a le style trépidant typique des comédies de Sennett qui ne cherchent en aucune façon à créer des personnages crédibles. Néanmoins, on rit bien en voyant ces touristes pressés des années 10 qui ne sont guère différents de ceux de maintenant.

The Sergeant (1910, Francis Boggs) avec Hobart Bosworth et Iva Shepard - Prod. Selig Polyscope Co.

Ce court-métrage a été produit par la Selig Polyscope Company qui fut la première société de production installée à Hollywood en 1909. Le film a été tourné au parc national de Yosemite et chaque carton d'intertitre nous détaille le lieu remarquable où chaque scène a été tournée. Sur une trame assez simple, le film en profite pour nous faire découvrir les plus belles cascades de Yosemite. Un sergent est amoureux de la fille de son officier supérieur. Partis en promenade, leurs chevaux sont dérobés par des indiens rebelles. Déchu de son grade, il ne le recouvrera qu'après un acte de bravoure. Ce film Selig a été redécouvert récemment et permet de se faire une idée du travail de Francis Boggs dont presque tous les films ont disparu. Ce court-métrage tient la route grâce à la composition visuelle et son rythme.

Last of the Line (1914, Jay Hunt) avec Sessue Hayakawa, Joe Goodboy et Tsuru Aoki - Prod. Thomas H. Ince/NY Motion Picture Corp.

Voici une des perles du coffret Treasures V. Ce western de deux bobines produit à Inceville, le studio de Thomas H. Ince, a été tourné avec de vrais Indiens Sioux, avec un des leurs dans le rôle principal, crédité sous le nom de Joe Goodboy. L'année précédente, le japonais Sessue Hayakawa qui étudiait à Chicago avait signé un contrat avec Ince, bien qu'il n'ait eu aucune expérience professionnelle en tant qu'acteur. On retrouve aussi au générique la japonaise Tsuru Aoki, qui était l'épouse de Sessue. Dans ces années-là, les westerns de Ince bénéficie de son immense ranch qui lui sert de studio et de la présence de vrais indiens, qui venaient des spectacles de cirque. Sessue Hayakawa y est le fils du chef Sioux Grey Otter (loutre grise), parti étudier chez l'homme blanc. Son père attend impatiemment le retour de son fils unique, le dernier de sa lignée. Hélas, celui-ci est devenu un vaurien qui se soûle en permanence. Puis, celui-ci attaque une diligence avec des Indiens renégats. Son père, qui a signé un traité de paix avec l'armée des hommes blancs, tue son propre fils avant de déplacer le corps vers ceux des victimes pour qu'il recoive la sépulture d'un héros. L'intrigue est incroyable riche et bien menée pour un film de 26 min et aurait pu certainement donné un film de long métrage. Mais, le rythme et la beauté de la composition visuelle en font un bijou artistique qui annonce les dizaines de westerns classiques qui fleuriront dans les années 40. Hayakawa y est un fils d'Indien convaincant face au superbe Joe Goodboy en père déchiré. Le film est superbement accompagné par Stephen Horne au piano et la flûte.

The Lady of the Dugout 1918

2011-10-21T10:11:00.002+01:00

Un film de W.S. Van Dyke avec Al Jennings, Frank Jennings et Corinne Grant

Deux journalistes dans un hôtel de Beverly Hills rencontrent l'ancien hors-la-loi Al Jennings (lui-même). Ce dernier entreprend de leur raconter un épisode de sa vie et comment il a organisé son premier hold-up avec son frère Frank...

De toute la collection de films dans Treasures V, ce Lady of the Dugout est le plus étonnant et le plus proche du documentaire sur ce qu'était réellement le Vieil Ouest. Loin de tout glamour hollywoodien, les deux héros sont deux hommes affamés qui deviennent hors-la-loi presque par accident et nécessité. Le scénario a été écrit par Al Jennings lui-même qui joue son propre rôle. Il a quitté sa vie de bandit, après avoir été grâcié par le Theodore Roosevelt, pour devenir une figure du circuit évangélique. Puis, il travaille dans le cinéma dès 1908. Le réalisateur Woody S. Van Dyke est encore un débutant en cette année 1918. Avec cette histoire racontée en double flash-back, nous découvrons que la migration vers l'ouest n'apporte que rarement la fortune aux fermiers. Nos deux hors-la-loi, après avoir volé une banque se retrouvent dans la prairie immense et désertique. Ils n'ont pas mangé depuis deux jours. Puis, ils tombent sur une pauvre habitation creusée à même la terre de la prairie, un dugout qui dépasse à peine de la surface de la terre avec une misérable cheminée. Dans ce logis insalubre, une femme, Mary, attend avec son jeune enfant le retour de son vaurien de mari. Elle n'a aussi plus rien à manger depuis plusieurs jours. Sa situation émeut les deux hors-la-loi et l'un d'eux part tout de suite pour aller chercher quelques subsistances au voisin le plus proche, situé à des dizaines de kilomètres de là. Mary leur raconte alors comment elle a quitté son Est natal avec l'homme qu'elle avait épousé contre l'avis de ses parents. Elle s'est retrouvée dans la misère. Devenus des Robins des Bois, ils décident d'attaquer une autre banque pour assurer le confort matériel de cette femme et de son fils. Si le ton du scénario est moralisateur et évangélique, le récit lui est sec et sans concession. Tourné avec un budget minuscule, le film est réalisé dans une petite ville de Californie pour réduire les coûts. Le film a un réalisme qui en fait presque un documentaire. Les frères Jennings attaquent une banque en respectant le protocole qu'ils utilisaient. Pendant que l'un fait le guet, l'autre s'introduit dans la banque et braque les employés. Pour s'échapper, ils 'nettoient' les rues en tirant dans tous les sens pour faire fuir tout le monde. Ce film est un document précieux pour tout amoureux du western qui permet de recadrer l'idée que l'on se fait de l'Ouest dans le western traditionnel. Malheureusement, ce film n'a survécu que sous la forme d'une copie 16mm contretypée. Si la qualité des images est assez médiocre, le film lui-même est suffisamment passionnant pour nous captiver.

La Parade est passée... de Kevin Brownlow (I)

2011-10-19T10:01:00.003+01:00

La première édition française de ce livre essentiel sur l’histoire du cinéma muet américain sort aujourd’hui en librairie. Je suis particulièrement fière de la publication de ce livre car j’en suis la traductrice. Si vous vous intéressez au cinéma muet - ou même au cinéma tout court - ce livre est pour vous. Vous entrerez de plein pied dans l’univers du cinéma des années 10 et 20 grâce aux interviews de nombreux metteurs en scène, acteurs et techniciens qui parlent avec enthousiasme de leurs débuts dans le métier. Loin de tout jargon universitaire, le livre est écrit dans un style alerte qui fait revivre cette période d’expérimentation et d’innovation.
Si vous voulez en savoir plus sur l’auteur de l’ouvrage, vous pouvez lire l’interview que j’avais réalisée en 2008 sur ce site. N’hésitez pas à laisser vos commentaires sur le livre si il vous a plû. Bonne lecture !

Revue de presse maintenant disponible ici.

Womanhandled 1925

2011-10-17T13:00:00.006+01:00

Un film de Gregory La Cava avec avec Esther Ralston, Richard Dix et Edmund Breese

Dans un parc de Manhattan, Bill Dana (R. Dix) se jette dans quelques dizaines de cm d'eau pour sauver le neveu de la belle Molly Martin (E. Ralston). Celle-ci se révèle être une fan de l'Ouest sauvage, ne jurant que par les westerns et les romans tels que 'North of 36' d'Emerson Hough. Bill lui raconte qu'il est lui-même un vrai cowboy endurci pour lui plaire. Il part pour le Texas pour s'endurcir. Mais, le ranch de son oncle ne ressemble en rien à ce qu'il imaginait...

Cette parodie de western nous est parvenue malheureusement incomplète. Il reste seulement 55 min des 75 min initiales. Néanmoins, les extraits sont suffisamment longs pour que l'on puisse apprécier cette amusante comédie. Dès les années 10, le mythe du cowboy avait déjà fait les frais de la parodie avec le formidable Wild and Woolly (1917, J. Emerson) où Fairbanks jouait un new-yorkais obsédé par l'ouest sauvage. La Cava continue dans cette veine avec le Bill Dana de Womanhandled. C'est un joueur de polo distingué qui n'a jamais fréquenté l'ouest le moins du monde, mais qui va faire de son mieux pour faire croire à sa belle qu'il est un cow-boy viril. Il est d'abord victime de l'effroyable garnement qu'est le neveu de Molly. Une vrai teigne qui lui tire sur sa chemise, lui tape sur les pieds et lui enlève ses chaussures. Mais, il supporte tout pour rester près de Molly. L'arrivée au ranch de son oncle est l'occasion de grands éclats de rire lorsqu'il découvre que les garçons vachers sont en fait des petits gars à l'accent de Brooklyn qui rassemblent le bétail avec des voitures. Il ne sont jamais montés sur un cheval de leur vie et Bill doit leur enseigner les rudiments de l'équitation. Tout cela va tourner à la franche rigolade lors de l'arrivée de Molly. Son garnement de neveu s'empare de son révolver et tire, provoquant la panique parmi les cavaliers débutants qui tombent comme des mouches de leurs destriers. Richard Dix était lui-même une star des westerns avec les superbes The Vanishing American (1925, G.B. Seitz) et Redskin (1929, V. Schertzinger). Mais, ici il montre suffisamment d'humour pour se moquer des clichés du western. Il a face à lui la belle Esther Ralston en new-yorkaise crédule. Voilà une comédie très sympathique qui est excellemment accompagnée par le superbe Stephen Horne.

Mantrap 1926

2011-10-17T12:15:00.003+01:00

Un film de Victor Fleming avec Clara Bow, Ernest Torrence, Percy Marmont et Eugene Pallette

A New York, l'avocat Ralph Prescott (P. Marmont) ne supporte plus ses nombreuses clientes en cours de divorce. Il accepte de suivre son ami Woodbury (E. Pallette) pour des vacances dans le nord Canadien. Là-bas, il fait la connaissance de la très jolie Alverna (C. Bow) qui a épousé le grand et fruste Joe Easter (E. Torrence)...

Cette délicieuse comédie a été réalisée pour mettre en valeur la plus grande star de la Paramount de l'époque: Clara Bow. Elle était la quintessence de la 'flapper' des années 20, délurée, amusante et émancipée. La Paramount engrangeait des profits énormes grâce à cette actrice qu'ils faisaient travailler sans relâche. Sur un scénario assez mince, qui pourrait être résumé sur un ticket de métro, Victor Fleming réalise un film plein de charme et de fantaisie. Clara Bow est une manucure de Minneapolis qui accepte d'épouser un grand gars pas très futé joué par Ernest Torrence, qui se faisait une spécialité des rôles de grandes brutes. On se retrouve avec le couple le plus improbable de l'histoire du cinéma muet: la petite Clara vive et sensuelle face à cette homme des cavernes au visage taillé à la serpe. Mais, comme le ton du film est totalement humoristique, y compris dans les cartons rédigés par George Marion Jr., on avale la pilule assez facilement. Clara se retrouve dans un petit bled paumé, Mantrap, où elle s'ennuit rapidement. L'arrivée de l'avocat new-yorkais va apporter un changement bienvenu. Celui-ci se méfie des femmes. Ils les côtoient toute la journée sous la forme de créatures rapaces qui cherchent à obtenir une bonne pension alimentaire. Evidemment, Clara va déployer tout son charme, qui n'est pas mince, pour le séduire. Le film a été tourné près du Lac Arrowhead, situé à une centaine de km d'Hollywood. Le génial James Wong Howe est derrière la caméra et utilise au mieux les paysages sauvages tout en donnant à Clara Bow tout le glamour nécessaire dans ses gros plans. Cette délicieuse comédie est accompagnée de mains de maître par le pianiste Stephen Horne qui donne le ton exact des années 20 et de son jazz étourdissant. Un délicieux bonbon.

Salomy Jane 1914

2011-10-16T15:59:00.006+01:00

Un film de George E. Middleton & William Nigh avec Beatriz Michelena, House Peters, Matt Snyder et William Nigh

En 1849, durant la ruée vers l'or en Californie, Salomy Jane Clay (B. Michelena) et son père Maddison Clay (M. Snyder) arrivent dans une ville champignon, Hangtown. Le vieux Clay est poursuivi la haine tenace d'un ennemi de sa famille. De son côté, la belle Salomy est convoitée par trois soupirants...

En cette année 1914, le western long-métrage est devenu commun sur les écrans américains avec The Bargain (1914, R. Barker) et The Spoilers (1914, C. Campbell). Contrairement aux deux films précédemment cités, ce Salomy Jane a été produit par une petite compagnie de production nommée la California Motion Picture Corp. qui est implantée à San Francisco. C'est donc dans la région de San Francisco, dans la forêt de séquoias géants, que le film est tourné. Ce film remet en question la dominance des grands studios sur la production de l'époque. En effet, ce Salomy Jane n'a vraiment pas à rougir face aux productions de T.H. Ince. Il réussit à combiner une beauté visuelle et une complexité des intrigues que l'on aurait pas soupçonné pour une telle production. Le scénario est une adaptation d'un roman de Bret Harte, un romancier américain fréquemment adapté au cinéma pour sa description du Far-West de The Half-Breed (1916, A. Dwan) avec Douglas Fairbanks à Tennessee's Partner (1955, A. Dwan) avec John Payne. L'héroïne, Salomy Jane, est interprétée par une star du théâtre d'origine vénézuelienne, Beatriz Michelena. C'est son premier film, mais son nom est en vedette sur tous les cartons. A côté d'elle, on retrouve le Britannique House Peters, une des stars du cinéma des années 10. La structure narrative du film est déjà incroyablement complexe pour un film de 1914. Nous sommes dans une de ces villes champignon où les posses partent à la recherche des bandits avant de les pendre haut et court, sans autre forme de procès. Un bon à rien de Hangtown (un nom tout à fait approprié !) attaque la diligence. Une posse par à ses trousses ainsi qu'à celles de son complice. Pendant ce temps, un vieux bonhomme tente d'assassiner le père de Salomy suite à une rivalité ancestrale. Là-dessus se greffent les rivalités entre les hommes de la ville qui convoitent tous la belle Salomy. Celle-ci est une créature qui n'a pas froid aux yeux et refuse chacun de ses soupirants qu'elle trouve trop fades. Mais, lorsque l'un deux (Baldwin) tente d'abuser d'elle, elle demande à Rufe Waters (W. Nigh) de le tuer. Sur ces entrefaites, arrive un homme (House Peters) qui recherche le dénommé Baldwin, qui a abusé de sa soeur. C'est cet homme étranger qui va le tuer. Le film exploite d'une manière spectaculaire les extérieurs californiens qui vont de la forêt de séquoias jusqu'aux bords escarpés d'un fleuve qui sont l'occasion de cascades spectaculaires. Le film se termine par une poursuite haletante sur les eaux du fleuve. L'héroïne et le héros sont sur une barque alors que les chevaux de la posse fonce vers eux dans le lit du fleuve. La composition des images montre un sens artistique évident. Apparemment, le grand Hal Mohr, le futur cameraman de The Wedding March (1928, E. von Stroheim) a travaillé sur le film. Il faut aussi donner un grand coup de chapeau au musicien Stephen Horne qui accompagne d'une manière exemplaire ce film sur le DVD de du nouveau coffret Treasures V: The West (1898-1938). Utilisant le piano et la flûte, il sait exactement doser le rythme et l'atmosphère de chaque scène. En plus d'être un pianiste de grand talent avec une large palette de couleurs, il apporte au film un élan et un romantisme tout à fait irrésistible. Formidable !

Les Grands 1924

2011-10-14T13:12:00.004+01:00

Un film d'Henri Fescourt avec Max de Rieux, Jeanne Helbling, Georges Gauthier et Henri Debain

Dans un pensionnat de province, un petit groupe d'élèves restent au collège durant les vacances de Pâques, parmi eux, Jean Brassier (M. de Rieux) et le petit Bezou (P. Colligé) qui est constamment harcelé par Surot (Fabien Haziza), un cancre malfaisant. Or Jean Brassier est amoureux de la femme du principal (J. Helbling). En l'absence de son mari, il s'introduit dans son appartement...

Henri Fescourt est un oublié du cinéma français malgré ses nombreuses réalisations prestigieuses durant la période muette. Ses Misérables (1925) et son Monte-Cristo (1928) sont à ranger parmi les plus grandes adaptations de Hugo et de Dumas. Avec Les Grands, un film intime, il montre son habilité à diriger les acteurs et à rendre cette histoire simple et humaine. Nous sommes dans un pensionnat pour jeunes garçons qui vivent en vase clos, rêvant de liberté et d'aventures. Jean Brassier, joué avec talent par Max de Rieux, qui fut la même année Le Petit Chose (1924, A. Hugon), est un jeune garçon qui aspire à 'être grand' et à être considéré comme tel. Il est secrètement amoureux de la femme du principal. Et cette infatuation va le mettre dans une situation difficile. Il est allé, la nuit, voir la femme du principal alors que le cancre Surot fracturait le bureau du principal pour voler 500 francs. Jean décide de s'accuser du vol pour protéger l'honneur de la femme qu'il aime. Il se retrouve dans une situation impossible: il va être renvoyé du collège et sermonné violemment par son père. Mais, il se refuse à dire la vérité. Il considère son sacrifice comme un signe qu'il est maintenant 'grand'. De son côté, le petit Bezou, un pauvre gosse abandonné par des parents en plein divorce, va oeuvrer pour aider son ami Jean. Il a deviné que Surot était le vrai coupable à cause de son attitude. Il fouille ses affaires et découvre les billets volés. Mais au lieu de le dénoncer lui-même, il le pousse à le faire de son propre chef. On ne peut que louer le jeu des différents acteurs dans les rôles secondaires comme Henri Debain, en économe dégingandé à pince-nez et Paul Jorge en portier compatissant. La copie est de très bonne qualité et met en valeur le travail des opérateurs. Un Fescourt de très bonne facture.

The Great White Silence 1924

2011-10-03T11:37:00.004+01:00

Un film d'Herbert G. Ponting

Ce documentaire exceptionnel a été réalisé par un photographe. Herbert G. Ponting n'avait pas encore réalisé de films lorsqu'il se joignit à l'expédition du Capitaine Scott, en Antarctique, en 1910-1912. Mais, il est évident qu'il avait un talent inné pour la réalisation en voyant ses fantastiques images superbement composées. Herbert G. Ponting rencontre la capitaine Scott en 1909 et en 1910, il rejoint l'expédition en Nouvelle-Zélande pour le départ vers le Grand Sud sur le Terra Nova. Il va filmer la traversée de Nouvelle-Zélande vers l'Antarctique et le début de l'expédition se concentrant sur les animaux et la vie des hommes. En février 1912, il remonte à bord du navire Terra Nova et ne sera pas présent lors de la fin de l'expédition qui verra la mort de Scott et de ses compagnons. Dans un premier temps, il utilisera ses nombreuses photos et ses films pour illustrer des conférences. Mais, c'est seulement en 1924 qu'il assemble tout son matériel pour en faire un film. Le film sera à nouveau retravaillé au parlant pour en faire 90° South (1933). Le BFI vient de réaliser un superbe travail de restauration du film de 1924 à partir du négatif original. Le film a été soigneusement remonté, teinté et viré. Les intertitres ont été également recréés dans le style de l'époque sur pellicule 35 mm pour éviter les cartons numériques flagrants.

Herbert G. Ponting part avec deux caméras et réalise aussi une énorme quantité de clichés sur plaques de verre. Encore maintenant, ses clichés de l'Antarctique conservent leur beauté plastique et provoquent tout autant la sidération du spectateur que dans les années 10. Il va filmer la vie des hommes de cette expédition hors-normes qui vise à atteindre le Pôle Sud. Ponting ne s'intéresse pas à l'aspect compétition de cette 'conquête' du pôle. Il va filmer pour la première fois des pingouins, des phoques et des baleines tueuses dans leur milieu naturel. Nous sommes maintenant saturés d'images de tous ces animaux, mais, en 1910, c'est la première fois qu'un homme va filmer la vie des pingouins. Et il le fait d'une manière remarquable. Nous assistons à l'éclosion d'un oeuf, à la croissance rapide des petits et nous observons la vie en société de ces animaux et de leurs prédateurs, les mouettes skua. Il filme aussi l'attaque brutale d'une bande de baleines tueuses qui cherchent à attraper un bébé phoque. On est étonné par la rapidité et la réactivité de ce photographe qui utilise un matériel lourd et encombrant, en plus des conditions polaires glaciales qui rendent le travail épuisant. A bord du Terra Nova, il va se faire construire une plate-forme qui dépasse de 3 m sur le côté tribord pour filmer la proue qui brise la glace lors de leur progression vers l'Antarctique. La traversée vers l'Antarctique n'est pas de tout repos avec une mer démontée en permanence. Ponting a le mal de mer, des animaux meurent durant la traversée et des membres d'équipages sont blessés. Arrivés en Antarctique, nous assistons au débarquement du matériel, des poneys et des chiens sibériens. Ponting filme l'équipage qui danse, s'amuse ou les poneys ivres de joie qui se roulent dans la neige après la longue et difficile traversée. Il réussit à capturer l'instant avec autant d'acuité en filmant qu'avec ses photos. Il a un oeil d'esthète lorsqu'il filme la formation de la glace à la surface de l'océan. On voit des formations de glace telles des feuilles de nénuphar qui flottent à la surface avant de s'agglomérer. Il a su capter la beauté de ce paysage antarctique avec un talent d'artiste inégalé. Mais, si le film conserve un pouvoir émotionnel certain, c'est sans aucun doute à cause de l'histoire humaine qui est racontée. Le capitaine Robert Falcon Scott a été envoyé en Antractique pour atteindre le premier le pôle Sud, au nom de l'Empire Britannique, avant ses compétiteurs norvégiens, l'expédition d'Amundsen. Scott atteindre la pôle 34 jours après Amundsen et il mourra avec ses compagnons sur le chemin du retour, affamé et perdu dans le blizzard. Bien qu'il n'ait pas participé à la dernière partie de l'expédition, Ponting nous raconte comment Scott avec ses quatres compagnons partirent en tirant eux-mêmes leurs traîneaux sur des terrains dangereux et accidentés. On les retrouvera morts sous leur tente. Scott avait laissé un journal détaillant leur dernier voyage. Il est évident que Ponting a été profondément affecté par la mort de ces hommes qu'il connaissait bien et qu'il appréciait. Et cela se ressent dans les images qu'il nous montre de la troupe joyeuse qui se prépare au grand départ. En plus d'être un document tout à fait exceptionnel, le film de Ponting est authentiquement une oeuvre d'art.

La restauration est fabuleuse. Mais, il y a cependant un bémol. La musique choisie pour accompagner le film est un ratage total. Le BFI a engagé un musicien, Simon Fisher Turner qui a réalisé une illustration sonore décousue et irritante. Sa musique électronique utilise parfois des fragments de Madame Butterfly ou autres voix. Il semble incapable de soutenir la qualité esthétique et cinématographique fabuleuse de Ponting. J'ai terminé de regarder le film en silence. Une responsable du BFI nous explique qu'un tel film ne peut être accompagné d'un orchestre ou d'un piano. On se demande bien pourquoi....!

Das Weib des Pharao 1922

2011-09-30T16:57:00.004+01:00

La Femme du pharaon

Un film d'Ernst Lubitsch avec Emil Jannings, Paul Wegener, Harry Liedtke, Dagny Servaes et Albert Bassermann

Théonis (D. Servaes), une esclave grecque, est enlevée par Ramphis (H. Liedtke). Mais, tous deux sont capturés par les soldats du pharaon, Amenes (E. Jannings) pour avoir approché son nouveau palais du trésor. Amenes, tombé follement amoureux de Théonis, lui demande de l'épouser en échange de la libération de Ramphis...

C'est l'avant-dernier film d'Ernst Lubitsch réalisé en Allemagne avant son départ pour Hollywood. Pour cette production colossale, on lui a donné de grands moyens humains (des centaines de figurants) et des décors gigantesques qui pourraient rivaliser avec une production biblique de C.B. DeMille. Comme dans la plupart des grandes productions historiques allemandes de Lubitsch, les acteurs pratiquent un cabotinage particulièrement outrancier. Emil Jannings roule des yeux et s'agite ; Paul Wegener nous fait des grimaces sous sa perruque bouffante et son maquillage noir ; Harry Liedtke bat l'air de ses bras. Quant à l'héroïne, Dagny Servaes, elle se contente de regarder le ciel en croisant les mains avec un air douloureux. Il est évident qu'Ernst Lubitsch leur a demandé spécifiquement de jouer leur rôle de cette manière théâtrale et outrée. Si vous regardez Sumurun (1920, E. Lubitsch), le grand Ernst y joue également de cette manière, probablement héritée du théâtre de Max Reinhardt. Ce n'est que bien plus tard, en Amérique, qu'il adoptera un style de jeu plus épuré pour ses acteurs. Le scénario signe Hans Kräly (un des grands complices de Lubitsch) et Norbert Falk contient les clichés habituels du péplum égyptien, un peu entre Aïda et Die Sklavenkönigin (1924, M. Kertész alias Curtiz). Cependant, on suit l'histoire de cette belle esclave qui fait des ravages dans le coeur des hommes avec intérêt. Tout d'abord, il y a la superbe cinématographie de Theodor Sparkuhl qui joue de l'ombre et de la lumière avec raffinement. Il travaillera plus tard avec Renoir pour La Chienne (1931) et à la Paramount. La nouvelle restauration est un vrai festin pour les yeux avec ses teintages et virages chatoyants. Et puis, il y a la superbe partition originale d'Eduard Künneke qui a été reconstituée par Frank Strobel. La musique allemande des années 20 est celle du post-romantisme chatoyant et flamboyant de Richard Strauss. Künneke offre un écrin luxueux à cette histoire égyptienne en donnant à chaque personnage des thèmes et des couleurs qui leur apportent une vie intérieure qui serait invisible sans la musique. La flamboyance de la musique est en parfaite harmonie avec le jeu 'opératique' des acteurs. Je crois bien que sans elle, j'aurais pouffé de rire plus d'une fois. Au total, une super-production de luxe qui se laisse regarder avec plaisir.

La Croisière Noire 1926

2011-09-19T09:21:00.003+01:00

Un film de Léon Poirier

En 1924, André Citroën organise une traversée du continent africain, par les colonies françaises, sur huit autochenilles. Cette expédition, nommée Haardt Audoin-Dubreuil, a une portée plus politique et coloniale qu'une simple publicité pour la robustesse des voitures Citroën. Lors du départ, on embarque le cinéaste Léon Poirier avec son opérateur, Georges Specht. Ce dernier est un vétéran du cinéma. C'était l'un des collaborateurs favoris de Léonce Perret à la Gaumont dans les années 10. Durant huit mois, ils vont traverser les déserts, la brousse et la forêt tropicale. Dans ces années 20, la France coloniale est à son apogée et elle veut montrer au grand public l'immensité de son empire ainsi que la (soit-disant) puissance civilisatrice qu'elle apporte aux africains. Le film est certainement teinté du paternalisme et des préjugés raciaux de l'époque. On part découvrir des 'peuplades étranges' ainsi que les animaux qui peuplent les plaines et les forêts. Le film est dédié à la 'jeunesse française', ce qui en dit long sur les intentions des commanditaires. Néanmoins, le cinéaste fait l'effort de filmer toutes les tribus dans chaque ville, village ou forêt. On nous montre leurs danses rituelles en utilisant parfois le ralenti pour nous permettre d'apprécier la grâce du mouvement des femmes. Ce n'est pas vraiment encore de l'ethnologie car le regard est vraiment condescendant. Le voyage lui-même est impressionnant par sa longueur, par la variété des terrains et des paysages rencontrés. On passe du désert du Sahara, de sable ou de pierre, pour arriver au fleuve Niger. On descend alors le fleuve jusqu'à Niamey avant de partir vers le Lac Tchad à l'est. Ce lac ressemble à une mer intérieure par sa dimension. Après une traversée du Congo belge, ils partent vers le Mozambique, à travers une dense forêt tropicale, d'où ils prennent le bateau vers Madagascar (une carte détaille ici leur voyage). L'ensemble des colonies françaises a donc été couvertes par ce voyage. Chaque arrivée dans une ville est soigneusement mise en scène avec déploiement de troupes au grand complet. En chemin, on organise des safaris où on tue, sans retenue, gazelles, lion, hippopotame, girafes... Des scientifiques sont embarqués pour ramener des échantillons au Museum d'Histoire Naturelle. La conception de la connaissance animale de l'époque semble se limiter à tuer et dépecer. On tue aussi des gazelles pour nourrir les gens de l'expédition. Quant au regard sur les africains eux-même, il est assez proche de celui que l'on réserve à une espèce différente des européens. La rencontre avec une tribu pygmée est particulièrement impressionnante. Un petit homme, d'une agilité incroyable, se meut parmi les lianes et les arbres. Je n'ai pu m'empêcher de songer au Mowgli du Livre de la Jungle. On découvre leur habitat en feuilles sous l'épaisse canopée de la forêt tropicale. Une autre tribu, en Afrique de l'est (probablement une colonie anglaise), a conservé un style vestimentaire et décoratif sur leurs huttes qui rappellent les motifs de l'ancienne Egypte. Le massacre des hippopotames dans l'eau est également hallucinant. On leur tire dessus, ils coulent. Il faut attendre le lendemain matin que leurs cadavres ré-émergent pour pouvoir les sortir de l'eau avant de les tronçonner avec une scie et une hache ! Au total, même si la réalisation de Léon Poirier n'est guère imaginative, le documentaire se voit avec beaucoup d'intérêt. Mais, il lui manque la qualité narrative et de suspense que savent apporter Merian C. Cooper et Ernest B. Schoedsack à Grass (1925). En tous cas, c'est un film qui mérite d'être étudié pour connaître cette France colonialiste des années 20.

Intruder in the Dust 1949

2011-09-02T14:29:00.004+01:00

L'Intrus

Un film de Clarence Brown avec Juano Hernandez, Claude Jarman Jr., David Brian et Elizabeth Patterson

Dans une petite ville du Mississippi, Lucas Beauchamp (J. Hernandez), un fermier noir, a été arrêté pour le meurtre d'un blanc. Toute la population se rassemble autour de la prison pour organiser son lynchage. Mais, le jeune Chick Mallison (C. Jarman Jr.) va trouver Lucas avec son oncle avocat John Stevens (D. Brian). Il part la nuit pour déterrer le cadavre du mort et récupérer la balle qui l'a tué...

Avec cet Intruder in the Dust, Clarence Brown rappelle à ceux qui l'aurait oublié qu'il est bien plus qu'un simple 'studio director'. Embauché à la MGM en 1926, il est le réalisateur des stars maisons telles que Garbo et Crawford. Mais, en 1949, avec l'arrivée de Dory Schary comme producteur, les films MGM deviennent progressivement plus sensibles aux problèmes raciaux et sociaux de l'Amérique. Clarence Brown produit et réalise un plaidoyer anti-raciste sur un scénario de William Faulkner qui tranche avec ses films de pure divertissement. Le film est entièrement tourné à Oxford (Mississippi) la ville où habite William Faulkner. Il y a un désir d'authenticité et de sobriété remarquable à tous les niveaux dans ce film. Tout d'abord, il y a le personnage central Lucas Beauchamp, interprété avec dignité et charisme par le portoricain Juano Hernandez. Le cinéma américain de l'époque ne nous a pas habitué à voir un homme noir qui montre une telle fierté dans l'adversité. Alors qu'il est amené menottes aux poignets jusqu'à la prison devant une immense foule d'hommes blancs, il conserve sa dignité et toise du regard cette foule hostile. Il secoue même la poussière de son chapeau tombé à terre avant de la remettre. Vêtu comme un gentleman farmer, Il s'avance ignorant les regards haineux. Il possède une propriété et cultive sa propre terre et n'a pas l'intention de se laisser humilier. Cependant, il sait que ses chances de prouver son innocence sont faible. Aux yeux de la population, il est noir et forcément coupable. C'est sans compter le jeune Mallison (un Claude Jarman Jr. à l'air de petit oiseau effrayé) qui va tout faire pour l'aider. Les rapports en Mallison et Beauchamp sont d'ailleurs teintés d'une ambiguité étonnante. Il a rencontré Lucas après être tombé dans un trou d'eau gelé et celui-ci lui a offert l'hospitalité. Il a refusé toute aumône après ce beau geste. On sent un mélange de crainte et de gratitude chez cet adolescent blanc, élevé dans une famille du cru. Il va partir dans une expédition dangereuse la nuit tombée en compagnie du fils noir d'une domestique et d'une vieille dame excentrique Miss Habersham, jouée par la vétérante Elizabeth Patterson. Partis pour déterrer le cadavre de la victime, ils trouvent une tombe vide. A partir de ce moment-là, son oncle avocat commence à croire à l'innocence de Lucas. Ce bled perdu du Mississippi est rempli de personnages illettrés et racistes qui tueraient père et mère pour de l'argent. Le vieux Ned Gowrie (Porter Hall) est manchot, mais il a un pistolet caché dans sa chemise qu'il reboutonne systématiquement après l'avoir rangé. Il est le père du mort, lui aussi à la recherche du meurtrier. Tout ce petit monde nous replonge dans cette Amérique du sud profond qui vit encore comme au siècle dernier. Clarence Brown choisit une sobriété totale dans ce récit, sans jamais chercher d'effets de manche. Mais, les images en disent plus qu'un long discours. Il suffit de voir la cohue des voitures qui convergent vers la ville dans l'attente du lynchage qui apportera un 'divertissement' bienvenu, comme une sorte de fête foraine. La vieille Miss Habersham réussira à empêcher le lynchage de Lucas en se plantant devant la prison avec son tricot. Les forcenés reculent face à sa détermination. Brown évite toute sensiblerie ou sermon. Il montre simplement la couardise de ces 'justiciers'. Lucas sera finalement innocenté. Et il tiendra encore à payer son avocat, même une somme symbolique, pour conserver sa dignité d'homme. Il faut ajouter un mot sur la très belle photo noir et blanc de Robert Surtees, que l'on associe pas forcément au cinéma de Brown, mais qui se révèle un excellent collaborateur. Voilà un très grand film de Brown qui prédate de plus de treize années To Kill a Mockingbird et qui est, à mon avis, bien supérieur au film de Mulligan, par son propos et sa mise en scène. Le film est maintenant disponible dans une copie restaurée de toute beauté chez Warner Archive, sans ST. Attention, l'accent traînant du sud n'est pas toujours facile à comprendre. Mais, le film mérite qu'on fasse un effort.

Gribiche 1926

2011-08-31T11:11:00.004+01:00

Un film de Jacques Feyder avec Jean Forest, Françoise Rosay, Cécile Guyon et Rolla Norman

Le petit Gribiche (J. Forest) restitue à une riche américaine, Mme Maranet (F. Rosay) son sac qu'elle avait égaré. Il refuse toute récompense. L'enfant vit avec sa mère (C. Guyon) qui est veuve. Mme Maranet décide de l'adopter pour lui donner une éducation à sa juste valeur. L'enfant accepte de la suivre car il croit qu'il est un obstacle au bonheur de sa mère...

C'est Françoise Rosay, l'épouse de Jacques Feyder, qui a trouvé le sujet de ce film dans un roman de Frédéric Boutet. A cette époque, elle assiste son époux sur les tournages comme sur Visages d'enfants (1923) ou elle est figurante dans certains de ses films comme Crainquebille (1922). On ne la trouve pas assez photogénique. Mais, elle a l'idée de s'éclaircir les cheveux en y mettant des paillettes argentées. Soudain, les opérateurs la remarquent, dit-elle ! En tous cas, ce film sera le premier de nombreux rôles principaux sous la direction de Feyder. Le petit garçon du film est Jean Forest, un gamin de Montmartre découvert par Feyder sur la Place du Tertre. Il a déjà brillé dans Crainquebille et surtout dans Visages d'enfants, une des plus belles interprétations d'un enfant au cinéma. Gribiche est le premier d'une série de trois films que Feyder va réaliser pour la société Albatros. Il va y faire la connaissance du génial décorateur Lazare Meerson qui deviendra un des ses collaborateurs les plus fidèles. L'empreinte de Meerson est visible dans tous les intérieurs finement choisis de ce film. Il contraste admirablement le buffet néo-renaissance (très en vogue dans les années 20) de la mère de Gribiche avec le style Art Déco épuré et chic de Mme Maranet. En une image tout est dit, nous sommes immédiatement au fait de la différence de classe sociale entre le petit Gribiche issu de la petite bourgeoisie inpécunieuse et la grande bourgeoise richissime. Le petit garçon ne vit pas dans la misère, loin de là, mais sa mère, veuve de guerre, doit travailler pour subvenir à leurs besoins. Madame Maranet est une veuve américaine avec des principes strictes d'hygiène. Elle pratique la charité avec une rigueur quasi-clinique.
Le petit Gribiche lui semble avoir une nature d'élite (à cause de sa probité en rendant le sac intact) et elle pense pouvoir lui donner une éducation digne de ses qualités. En fait, ses bonnes intentions se révèlent être un désastre. L'enfant passe de domestiques en précepteurs avec une régularité d'horlogerie. Nous ne sommes pas loin ici de Poor Little Rich Girl (1917, M. Tourneur) où Mary Pickford vit un calvaire quasiment identique. De plus, il n'a pas le droit de jouer avec des enfants de son âge et les repas collet monté avec Mme Maranet sont un calvaire pour lui. Il devient un objet qu'elle exhibe face à ses invités où elle raconte à plaisir comment elle l'a sauvé de la pauvreté extrême. Elle enjolive son récit pour en faire un mélo sordide et caricatural. Finalement, l'enfant s'enfuit un 14 juillet. Il retrouve la rue et les petits bals populaires où il peut s'acheter une glace entre deux gauffrettes. Le paradis après l'univers strict de Mme Maranet ! Cette fable moderne montre l'enfant qui retourne chez sa mère où il est bien plus heureux et finalement, Mme Maranet décide de continuer à pratiquer sa générosité mais différemment. Elle a compris qu'on ne pouvait pas changer la nature d'un enfant. Françoise Rosay montre son immense talent en maîtresse-femme habillée de luxueuse robe haute couture. Elle réussit à ne pas être caricaturale dans un rôle qui pourrait l'être. Le petit Jean Forest est excellent en gamin des rues transformé en petit pingouin intelligent pratiquant le baise-main. Si le film n'est pas aussi bon que Visages d'enfants, c'est que l'histoire de cette adoption temporaire n'a pas la crédibilité et la beauté de ce dernier. Néanmoins, il contient de superbes scènes tournées dans le Paris de l'époque. Feyder utilisera Paris encore mieux dans Les Nouveaux Messieurs (1928), annonçant le réalisme poétique d'un Carné qui y travaille comme assistant. Les différences sociales et d'attitude sont illustrées par quelques détails subtils tels que la position d'une serviette de table. Gribiche l'a toujours mise dans son col et il apprend chez Mme Maranet qu'il faut la mettre sur ses genoux. A son retour dans sa famille, il comprend que la serviette n'est pas un objet de classe, mais simplement un moyen d'éviter de se salir. C'est sur cette conclusion optimiste que le film se clôt.
La nouvelle copie restaurée et teintée de 2010 est de toute beauté. J'avais vu en 2008 la précédente restauration en noir et blanc qui n'avait pas ce niveau de qualité. Mais, j'ai constaté qu'une scène manquait dans cette copie. Lors de sa fugue le 14 juillet, Gribiche rencontrait un clochard sous le métro aérien de Grenelle et buvait du vin avec lui. Cette scène est absente de cette copie. Pour ce qui est de la musique proposée avec cette restauration, elle m'a semblé fort ennuyeuse et souvent hors-sujet. Le pianiste pratique une série de thèmes minimalistes en boucle, ignore toutes les scènes comiques, et son compère percussionniste s'amuse à aligner les sons sans se préoccuper de la scène à illustrer. Pour un film aussi vivant et humain, il aurait fallu un accompagnement avec une toute autre sensibilité.

Babbitt 1934

2011-08-30T15:34:00.004+01:00

Un film de William Keighley avec avec Guy Kibbee, Aline MacMahon, Alan Hale, Claire Dodd, Minna Gombell

George F. Babbitt (G. Kibbee) est un agent immobilier réputé de la petite ville de Zenith, dans le Middle-West. Il fait partie des clubs exclusifs des notables locaux. Un jour, il accepte d'acheter, illégalement, en sous-main, des terrains qui seront bientôt achetés par la ville pour construire un aéroport...

Babbitt est un roman de 1922 de Sinclair Lewis, un des plus grands romanciers américains du XXème siècle. Le nom de Babbitt est d'ailleurs entré dans le vocabulaire courant pour désigner un homme d'affaire d'âge moyen obsédé par ses poursuites matérialistes. Sinclair Lewis a chroniqué la vie des américains moyens du Middle-west avec plus d'accuité que tout autre. Il dénonce les travers de la société de consommation et l'obsession de la réussite pécuniaire avec une grande férocité. Malheureusement, cette adaptation produite par la Warner semble avoir échangé le vitriol pour de la saccharine. L'esprit de Sinclair Lewis n'est absolument pas présent dans cette vision dolente et sans ressort. Pourtant, la distribution utilise le talent de nombres de 'characters actors' tels que Guy Kibbee ou Aline MacMahon. Mais, William Keighley se contente d'illustrer platement un scénario déjà assez amorphe. Il ne reste de la critique virulente de la société de Lewis que quelques personnages tels que le couple Reisling (bien joué par Minor Watson et Minna Gombell) qui se querelle constamment. Il a renoncé aux poursuites matérielles pour la musique et son épouse, une véritable harpie, ne cesse de le harceler pour le lui reprocher avec violence. Un jour, excédé, il la tue. Quant au personnage de Babbitt, il reste bizarrement assez en retrait par rapport à son épouse qui le sort d'un mauvais pas avec brio. Il reste quelques touches ici et là de critique sociale, mais, elles sont tellement atténuées qu'elles sont quasiment invisibles. Le tout est bien qui fini bien final est également plus proche d'un film familial Warner que de Lewis. Une grosse déception et une mise en scène quasi inexistante.

From Headquarters 1933

2011-08-30T14:01:00.004+01:00

Un film de William Dieterle avec George Brent, Eugene Pallette, Margaret Lindsay et Henry O'Neill

Un play boy de Park Avenue, Gordon Bates (Kenneth Thomson) a été assassiné. Au quartier général de la police criminelle, le lieutenant Stevens (G. Brent) et le Sergent Boggs (E. Pallette) enquètent avec l'aide de la police scinetifique. De nombreux suspects se font jour car Bates était un satyre, un maître-chanteur et un drogué...

Au début des années 30, William Dieterle a réalisé une série de films remarquables pour la Warner. Ce sont des films rapides, rythmés et superbement mis en scène. Celui-ci en est un très bel exemple. Il utilise l'unité de lieu, de temps et d'action avec un sens visuel remarquable. Nous suivons en temps réel une enquête sur un meurtre. Au sein du commissariat, nous assistons aux conférences entre les différents policiers, aux travaux de la police scientifique de l'époque et aux interrogatoires. En voyant ce film de 64 min au format compact et sans bavure, je n'ai pu m'empêcher de penser aux séries télévisées contemporaines qui ont une structure similaire. Les scènes sont courtes et efficaces avec de délicieux bons mots qui donnent à un ensemble croustillant à souhait. Dieterle utilise la caméra subjective avec fluidité pour tous les interrogatoires où nous voyons la scène telle que la raconte le suspect. La faune des commissariats américains est aussi superbement croquée. On y rencontre des reporters sans scrupules qui fabriquent leur papier sans se déplacer (ou qui dorment sur place!) et un type qui accoste tous les suspects et leur propose de l'argent pour payer leur caution. Les policiers scientifiques sont absolument formidables d'humour, testant sans relâche empreintes digitales, groupes sanguins et balistique. Finalement, les policiers avaient déjà à leur disposition des armes scientifiques non négligeables dans les années 30. Comme toujours, la liste des suspects est longue: petite amie, valet, maître-chanteur, pourvoyeuse de drogue, etc. Nous découvrons que la victime était un individu particulièrement détestable. Puis, les événements s'enchaînent et un autre témoin gênant est assassiné dans le commissariat. La fin est également intéressante car le vrai meurtrier partira sans être inquiété par la police, laissant un autre endosser le crime qu'il a commis. La distribution ne contient aucune grande star. George Brent est comme toujours assez fade, mais Margaret Lindsay a du tonus et tous les seconds rôles, en commançant par Eugene Pallette, en sergent pas fûté, sont absolument réjouissants. Une vraie petite perle criminelle. Le film est maintenant disponible en Warner Archive dans une très belle copie.

Upper World 1934

2011-08-27T16:06:00.002+01:00

L'Homme de quarante ans

Un film de Roy Del Ruth avec Warren William, Mary Astor, Ginger Rogers et Dickie Moore

Alexander Stream (W. William), un magnat du chemin de fer, s'ennuie dans sa luxueuse propriété. Son épouse Hettie (M. Astor) est obsédée par sa vie sociale et le délaisse. Un jour, il rencontre une show girl, Lily Linda (G. Rogers) qu'il sauve de la noyade...

Ce délicieux Pre-Code bénéficie d'un bon scénario signé Ben Hecht. Le film commence comme une comédie. Nous découvrons la vie des super-riches qui mènent une existence oisive et superficielle. Entourés de domestiques qui ne peuvent vaquer à leurs occupations car le maître fait la grasse matinée jusqu'à midi, les Stream sont un couple en complète dislocation. Elle (Mary Astor) ne songe qu'à sa vie mondaine faite de dîners et cocktails et lui essaie d'échapper à ses rendez-vous pour flirter avec une show girl. Leur fils Tommy (joué par Dickie Moore) est laissé aux domestiques avant d'être expédié dans un 'summer camp' chic. Laissé seul par son épouse, Alexander Stream (Warren William) s'amourache de Lily Linda (Ginger Rogers) qui lui apporte une affection qui lui manque auprès de sa femme. Mais, la situation va virer au cauchemar quand le petit ami de Linda (J. Carroll Naish) essaie de le faire chanter. Linda est tuée et il tire sur son meurtrier. Il tente de maquiller maladroitement le crime. Le film fourmille de détails réjouissants tels que les discussions en maître et chauffeur. Warren William, toujours parfait en homme de la haute atteint du démon de midi, discute avec Andy Devine (toujours aussi truculent) de jolies filles et comment en rencontrer. Devine dit préférer les bibliothèques municipales où il cible les filles qui aiment lire les romans d'amour. De même, le policier interprété par Sidney Toler se révéle être le déclencheur de la chute d'Alexander Stream. Il lui a fait perdre son travail et celui-ci se vengera en enquêtant sur le meurtre de Linda. Tout cela est rondement mené par un Roy Del Ruth en grande forme. Mary Astor joue avec son talent habituel la dame de la haute dévorée par la 'jet set'. Ginger Rogers, alors débutante, est une show girl fort aguichante avec un costume de scène ultra-léger, typique de la période. Le seul bémol vient du final du film qui parait expédié et peu crédible comme si tout était bien dans le meilleur des mondes après la démonstration inverse que nous avons eu durant tout le film. Un très bon petit film Warner.

Attorney for the Defense 1932

2011-08-26T13:34:00.005+01:00

Un film d'Irving Cummings avec Edmund Lowe, Constance Cummings et Evelyn Brent

William J. Burton (E. Lowe) est un procureur new-yorkais réputé pour obtenir facilement la condamnation des accusés qui passent devant lui. Mais, un jour, il fait condamner à mort James Wallace, qui se révèle plus tard innocent. Dégoûté, il quitte ses fonctions de procureur et devient avocat de la défense. Pour se racheter, il paie les études du fils du disparu, Paul Wallace et le considère comme son fils...

Cette série B produite par la Columbia se révèle être un excellent petit film criminel grâce au scénario de Jo Swerling. Irving Cummings, qui a toujours été un réalisateur peu en vue, avait déjà derrière lui une belle carrière au muet. Il bénéficie sur ce film du travail remarquable de Ted Tetzlaff derrière la caméra. Il joue habilement sur la caméra mobile (encore rare en ce début du parlant) ainsi que sur des clairs-obscurs qui annoncent le film noir. Les acteurs principaux ne sont pas de très grandes vedettes, mais ce sont tous des acteurs de grande qualité. Edmund Lowe était un acteur du muet et surtout connu pour son interprétation du Sergent Quirt dans What Price Glory? (1926, R. Walsh). Ici, il interprète avec brio le procureur redevenu avocat qui n'est pas si éloigné du John Barrymore de Counsellor-at-Law (1933, W. Wyler), une autre superbe réussite sur le milieu judiciaire. Autour de lui, s'agite la faune new-yorkaise comme la vénéneuse Val Lorraine, une créature cupide et dangereuse, jouée superbement par Evelyn Brent, qui montre là qu'elle n'a rien perdu de son talent depuis son apparition dans Underworld (1927, J. von Sternberg) avec le passage au parlant. En grand contraste, Dorothy Cummings est la fidèle secrétaire d'Edmund Lowe, qui aime en secret son patron. Si le film parcourt rapidement les années, il permet de se familiariser avec le système judiciaire américain où le procureur cherche systématiquement à obtenir une condamnation pour assurer sa réélection ou son passage au poste de gouverneur. Edmund Lowe va être transformé par la condamnation d'un innocent. Il devient ensuite un avocat intègre qui a renoncé à ses amitiés louches avec la pègre et à ses relations avec Val Lorraine. Le final du film montre l'avocat qui doit se défendre seul face au nouveau procureur. Il est accusé de meurtre. Nous savons qu'il est innocent, mais, nous ignorons qui est le coupable. En deux temps trois mouvements, il va confondre le meurtrier et enfoncer le procureur. Pour cela, il utilise parfois des méthodes qui font sourire. Avec un petit miroir, il envoit les rayons du soleil au-dessus des jurés provoquant leur inattention alors que le procureur débite son réquisitoire. Les scènes dans l'appartement de Val Lorraine possède une atmosphère fort étonnante pour l'époque. Les visages des acteurs disparaissent dans les ombres et semblent être tout droit sortis d'un film noir des années 40. Un très bon film.

Dark Journey 1937

2011-08-18T12:42:00.003+01:00

Un film de Victor Saville avec Conrad Veidt, Vivien Leigh et Anthony Bushell

En 1918, à Stockholm, Madeleine Goddard (V. Leigh), une citoyenne suisse, tient un magasin de mode. Elle revient de Paris avec un lot de robes ; son travail sert de couverture à ses activités d'espionnage au profit des allemands. Un certain Baron von Marwitz (C. Veidt), un déserteur allemand, arrive à Stockholm pour faire la fête dans les boîtes de nuit...

Décidément, le cinéma anglais des années 30 adorait les films d'espionnage ! Comme dans ses prochains films avec Michael Powell, Veidt y est un personnage complexe, charmeur et mystérieux. Quant à Vivien Leigh, quelques années avant de devenir une star internationale avec Gone With the Wind, elle y incarne une jeune femme à l'air innocent qui se révèle être une espionne de haut vol. Elle convoie des informations de Paris à Stockholm grâce aux robes qu'elle transporte. Puis, elles fournit les informations recueillies aux allemands. En fait, elle va se révéler être un agent double qui a réussi à tromper les allemands. Le film est truffé de faux semblants. Le Stockholm de 1918 semble grouiller d'espions allemands, français et anglais. On ne sait plus d'où donner de la tête ! Personne n'est tout à fait ce qu'il semble être. Quant à Veidt, il trompe bien son monde en passant pour un noceur qui fait la fête tous les soirs avec jolies filles et champagne à gogo. Mais, soudain, il rencontre la belle Madeleine et il oublie rapidement ses conquêtes faciles pour tenter de la séduire. Le film est rempli de retournements de situation qui tiennent en haleine. Mais, il faut bien reconnaître que Saville n'est pas un réalisateur aussi doué que Powell. Les scènes entre Veidt et Leigh n'ont pas tout à fait l'électricité de celles entre Veidt et Hobson. Néanmoins, c'est un film bien mené et qui fera le bonheur des fans de Vivien et de Conrad. Dommage que le film soit libre de droits, ce qui m'a valu une copie contretypée fort délavée, alors que les opérateurs sont Harry Stradling et Georges Périnal.

The Spy in Black 1938

2011-08-16T14:59:00.003+01:00

L'Espion noir

un film de Michael Powell avec Conrad Veidt, Valerie Hobson, Sebastian Shaw et Marius Goring

Durant la première GM, le capitaine Hardt (C. Veidt) qui commande un sous-marin allemand est envoyé sur l'ile d'Hoy sur l'archipel des iles Orkney. Il doit y rencontrer une espionne qui doit lui fournir des informations sur la flotte britannique qui mouille non loin de là...

Ce film de Michael Powell marque sa première collaboration avec Emeric Pressburger comme scénariste. Le scénario, il faut le noter, est basé sur une histoire de J. Storer Clouston, l'auteur de His First Offence qui est à l'origine de Drôle de Drame (1937, M. Carné), ce petit chef d'oeuvre d'humour noir. Si je mentionne le film de Marcel Carné, c'est que le film de Michael Powell est également une délicieuse comédie d'espionnage avec un humour typiquement britannique. Conrad Veidt y tient un de ses plus beaux rôles au cinéma parlant. Avant de devenir l'archétype du Nazi dans les films Hollywoodien, Powell lui donne une chance de montrer son talent considérable -aussi bien dans l'humour que dans le drame- en Capitaine d'un sous-marin qui se retrouve espion sur une île britannique. Il est certes allemand, mais il est le héros du film. Et tout le public est derrière lui dans ses aventures face à la belle espionne incarnée avec énormément de talent par Valerie Hobson. Cette grande et mince jeune femme à l'allure patricienne et aux nerfs d'acier est la partenaire parfaite d'un Conrad Veidt tour à tour séducteur et impavide. Le récit est pimenté d'incursions de personnages fort amusants qui viennent stopper net les activités de nos espions. Il y a ce clergyman équipé d'un gigantesque phonographe qui débarque à l'improviste. Il remarque une médaille qu'il ne connait pas sur l'uniforme de Veidt. Celui-ci lui répond: "C'est la Croix de Fer, deuxième classe." Le clergyman légèrement interloqué : "Deuxième classe...mais, alors vous êtes prisonnier de guerre ?" Réponse de Veidt sortant un révolver: "Non, c'est vous qui l'êtes." Il y aussi le très irritant révérant du village qui vient ennuyer les espions car ils sont en retard et le gigot va être trop cuit ! Il y a une parfaite alchimie entre Veidt et Hobson qui flirte à fleuret moucheté avec des sous-entendus délicieux dans les dialogues. L'intrigue n'est pas en reste en terme de suspense, car Hobson est une espionne, mais à la solde de qui ? Nous l'apprendrons au cours du film. Le final est également une grande réussite où Hardt va être coulé par son propre sous-marin. Ce film délicieux est accompagné d'une musique de Miklós Rózsa qui débutait alors comme compositeur de musique de film. Un Powell qui est en tout point délectable et où Veidt n'a jamais été aussi séduisant.

The Flame Within 1935

2011-08-12T12:44:00.003+01:00

La Femme errante

Un film d'Edmund Goulding avec Ann Harding, Herbert Marshall, Louis Hayward, Maureen O'Sullivan et Henry Stephenson

Mary White (A. Harding) est médecin psychiatre. Elle est appelée au chevet de Linda Belton (M. O'Sullivan) une riche héritière qui a tenté de se suicider. Elle apprend que la jeune fille est désespérément amoureuse de Jack Kerry (L. Hayward) un alcoolique invétéré. Mary accepte d'aider Jack pour qu'il arrête de boire...

Ce film produit par la MGM a été écrit et réalisé par Edmund Goulding. C'est un 'star vehicle' pour Ann Harding qui retrouve là un rôle de femme forte en médecin psychiatre. Comme dans The Right to Romance (1933, E. Santell), elle est une femme tiraillée entre son métier et sa vie sentimentale. Elle aime son confrère le Dr. Phillips (H. Marshall), mais celui-ci veut qu'elle renonce à sa carrière pour l'épouser. Elle s'y refuse. Mais sa vie va être bouleversée par sa rencontre avec un patient alcoolique. Sans qu'elle en est vraiment conscience, elle tombe amoureuse de ce jeune homme fragile qui doute de lui-même et noie son chagrin dans l'alcool. De son côté Maureen O'Sullivan est une jeune fille très gâtée qui ne comprend pas pourquoi ce garçon ne répond pas à son amour. Tout ce méli-mélo sentimental se révèle finalement adulte et intéressant. Ann Harding y joue avec sa maîtrise habituelle. Elle est sincère et sans fioritures. Si le film déraille à la fin, c'est que la période pre-code est bel et bien terminée. Le Dr. Mary White se doit d'oublier rapidement sa profession et rentrer dans le rang. Une femme n'a qu'une seule destinée : être une épouse parfaite au service de son époux. Si vous trouvez cette morale rétrograde, sachez qu'on la retrouve jusque dans les années 50 comme dans L'Amour d'une femme (1953, J. Grémillon) où Micheline Presle est enjointe aussi à quitter son travail de médecin pour convoler en justes noces. Malgré ce final - que Ann joue d'ailleurs comme si c'était une tragédie- ce film de Goulding a des qualités. En premier lieu, il y a la photo signée James Wong Howe qui offre des ombres et lumières dignes d'un film noir. Et puis, il y a la qualité de l'interprétation. En plus d'Ann, Herbert Marshall, Maureen O'Sullivan et Louis Hayward sont excellents dans leurs rôles respectifs.

Big City Blues 1932

2011-08-11T15:32:00.002+01:00

Un film de Mervyn LeRoy avec Eric Linden, Joan Blondell, Walter Catlett, Guy Kibbee et Humphrey Bogart

Bud Reeves (E. Linden) quitte son Indiana natal pour aller à New York après avoir perçu un petit héritage. Il y retrouve son cousin Gibby (W. Catlett), un pique-assiette escroc à ses heures, qui l'entraine dans une party alcoolisée dans sa chambre d'hôtel. La soirée vire au drame lorsqu'une chorus girl meurt frappée par une bouteille...

Ce petit film Warner de série B dure seulement 65 min. Grâce à un scénario très bien ficelé, on passe un excellent moment avec une distribution en or, pleine de seconds rôles croustillants tels que le volubile Walter Catlett en pique-assiette, le bonhomme Guy Kibbee en détective d'hôtel alcoolique et même un jeune débutant mince à la voix rocailleuse, qui n'est même pas crédité au générique, nommé Humphrey Bogart. En l'espace d'une heure, on découvre le monde interlope du New York de la prohibition. On se cache pour boire dans des chambres d'hôtel après avoir reçu livraison de son bootlegger. Si le détective de l'hôtel se pointe, on lui donne une bouteille pour qu'il se taise. Les chorus girls, dont Joan Blondell, ne recherchent que quelques gogos à plumer ou tout au moins pour passer une bonne soirée, bien arrosée. Le cousin Gibby ne vit que d'expédient, en empruntant de l'argent à tout le monde. Quant au héros (Eric Linden) fraichement débarqué de sa province, il se retrouve plongé dans un univers qui le dépasse. D'autant plus que la soirée se termine au poste de police où il se retrouve soupçonné de meurtre. Heureusement, il sera innocenté et pourra rentrer à Hoppersville (Indiana) seulement 48 heures après son départ. Il a perdu tout son argent, mais il a découvert l'amour grâce à Vida (Joan Blondell). Une charmante petite série B.

Morning Glory 1933

2011-08-11T15:12:00.003+01:00

Un film de Lowell Sherman avec Katharine Hepburn, Douglas Fairbanks Jr., Mary Duncan, C. Aubrey Smith et Adolphe Menjou

Eva Lovelace (K. Hepburn) débarque à New York dans l'espoir de faire carrière au théâtre. Elle s'introduit chez le célèbre producteur Louis Easton (A. Menjou) où elle fait la connaissance d'un vieil acteur de second rôle, Robert H. Hedges (C. Aubrey Smith) qui la prend sous son aile comme élève...

C'était seulement le troisième film de Katharine Hepburn et il lui valut son premier oscar. En jeune comédienne provinciale, naïve et pleine de détermination, Katharine a un rôle qui lui va comme un gant. Culottée et en même temps innocente, elle essaie d'obtenir un rôle à tout pris auprès d'un célèbre producteur, joué avec son habilité coutumière par Adolphe Menjou. Ce dernier semble pratiquer 'la promotion canapé' avec les comédiennes. Katharine tombera dans ses filets et raide amoureuse de cet homme sans scrupule. A la fin, sa détermination paiera quand elle pourra remplacer la star Rita Vernon (jouée par une Mary Duncan méconnaissable par rapport à City Girl) qui s'est révélée être un vrai poison. Dans ce petit monde du théâtre, se croisent l'auteur Joseph Sheridan (un jeune Douglas Fairbanks Jr.) amoureux silencieux de la belle Eva et le sympathique R.H. Hedges (C. Aubrey Smith dans un rôle inhabituel) qui aide une Eva désargentée. Le film contient de nombreuses scènes fort réussies qui permettent à Hepburn de montrer son talent, encore vert, mais déjà considérable. Sa première rencontre avec le vieux Hedges en est une. Elle lui parle de son ambition et de son amour du théâtre et on voit que le vieil homme (C.A. Smith également) est véritablement ému par cette jeune fille fantasque et atypique. Lors d'une soirée chic, Hepburn s'envivre et se lance dans un récital Shakespeare devant les invités interloqués. De même, on remarque parmi les figurants quelques visages étonnés devant l'irrésistible Katharine. Le scénario contient de fort belles scènes, mais il y a aussi quelques trous assez voyants. Au lieu de suivre l'évolution des personnages, on saute rapidement plusieurs mois et on retrouve ceux-ci sans que l'empreinte du temps soit réellement visible. De même, lors que Eva Lovelace a enfin la chance de jouer un grand rôle, nous ne verrons pas une minute de sa performance sur scène. Si on le compare avec le formidable Stage Door (1937, G. LaCava), Morning Glory est une réussite mineure. Cependant, il reste un témoignage émouvant de la vie d'artiste. Eva va découvrir qu'une star des planches peut retomber dans l'anonymat le plus complet aussi rapidement. Comme l'habilleuse qui l'aide dans sa loge, elle sera peut-être une de ses 'morning glories' des planches. En effet, en anglais, les morning glories sont les volubilis, ces fleurs éphémères qui s'ouvrent le matin pour se fermer à tout jamais le soir.

Evelyn Prentice 1934

2011-08-07T14:15:00.004+01:00

Le Témoin imprévu

Un film de William K. Howard avec Myrna Loy, William Powell, Una Merkel, Rosalind Russell et Isabel Jewell

John Prentice (W. Powell), un célèbre avocat pénaliste, ne voit pratiquement jamais sa femme Evelyn (M. Loy) et leur fille. Son agenda surbooké comprend aussi des visites intimes avec une des ses clientes (R. Russell). Pendant ce temps, un certain Lawrence Kennard commence à s'intéresser à Evelyn...

Après avoir revu The Power and The Glory (1933, W.K. Howard), j'étais curieuse de voir ce film que Howard a réalisé pour la MGM. Suite au succès du Thin Man, la MGM met en chantier rapidement ce mélodrame avec les deux vedettes principales. Nous sommes encore dans les derniers mois de la période Pre-Code, ce qui permet une certaine liberté de ton et d'aborder franchement le sujet de l'adultère. William Powell est un avocat qui n'hésite pas à avoir des aventures extra-conjugales, en particulier avec une cliente fort aguicheuse jouée par une jeune Rosalind Russell. De son côté, son épouse (Myrna Loy) ignore totalement son infidélité. Elle reste une épouse fidèle qui prend soin de leur fille. Lorsqu'un maître-chanteur commence à lui faire des avances, elle résiste. Mais, elle lui a malheureusement addressé des lettres qui peuvent être compromettantes. Désespérée, elle se présente chez lui pour les récupérer. Il refuse et elle tire sur lui. Le film a basculé du mélodrame au mystère policier. Le film se conclut sur un coup de théâtre que je ne révèlerai pas. En tous cas, le film montre bien le 'double standard' qui affecte les relations entre hommes et femmes. Powell est absous de ses péchés extra-conjugaux sans coup férir alors que la pauvre Myrna, elle, se retrouve dans une situation inextricable pour avoir voulu protéger sa réputation (qui reste sans tâche). Le film est bien mené, bien que dépourvu de surprises. J'ai été assez étonnée par le grand nombre de faux raccords dans ce film MGM. Les positions de Myrna Loy sont souvent décalées entre les gros plans et le plans moyens, comme si le film avait été réalisé en vitesse. Les seconds rôles apportent un peu de fantaisie, en particulier Una Merkel en amie de Loy, à la langue bien pendue. C'est un film MGM avec ses décors ultra-chics et ses costumes très haute couture pour les dames. Au total, un film sympathique qui se laisse voir grâce à Loy et Powell.

The Power and The Glory 1933

2011-08-06T12:37:00.003+01:00

Thomas Garner

Un film de William K. Howard avec Spencer Tracy, Ralph Morgan, Colleen Moore et Helen Vinson

Les funérailles du magnat des chemins de fer Thomas Garner (S. Tracy) se déroulent devant un public choisi. Son ancien secrétaire, Henry (R. Morgan) se remémore la vie de son ami Thomas parti de rien...

Ce film de William K. Howard est célèbre car on le considére comme un film précurseur du Citizen Kane d'Orson Welles. Bien qu'Orson Welles réfute avoir vu le film d'Howard, il y a entre les deux oeuvres des similarités. Le scénario est l'oeuvre de Preston Sturges qui était à l'époque un jeune dramaturge à Broadway. Il tirait le diable par la queue et décida de se lancer dans l'écriture d'un scénario en free-lance et de le proposer ensuite à différentes sociétés de production. Cette méthode de travail était pour le moins inhabituelle à l'époque où les grandes compagnies travaillaient avec une ligne de production intégrée. Sturges produisit un scénario totalement atypique par son contenu et sa structure. Au lieu de suivre une narration linéaire et chronologique, Sturges produisit un script qui déroule la vie d'un grand magnat par une suite de flash-backs qui s'imbriquent les uns dans les autres sans rechercher la moindre chronologie. De plus, il choisit de nous donner un récit subjectif par la voix de l'ami de Thomas Garner. La plupart des scènes sont présentées avec la voix-off du narrateur qui double également la voix des personnages. Le studio Fox, qui acheta le scénario de Sturges, fit d'ailleurs une campagne de promotion pour mettre en valeur cette structure narrative innovante. Ils parlèrent de 'narratage', un néologisme créé à partir de narrative et montage. Preston Sturges nous raconte l'ascension spectaculaire d'un homme illétré employé d'un chemin de fer qui devient un magnat. Mais, cette ascension se termine par un suicide.
Loin d'être un héros, Thomas Garner se révèle, au fil du récit d'Henry, être un homme sans foi ni loi. Et l'habilité de Sturges réside dans cette narration qui nous fait découvre scène par scène les différents visages de Thomas de l'enfance à la mort. Il règne une profonde ambiguité dans ce portrait. Garner est d'abord présenté comme un gamin casse-cou qui aime être le chef de la bande. Puis, c'est un jeune homme sans grande ambition qui va apprendre à lire avec Sally (Colleen Moore) une institutrice qui deviendra sa femme. C'est sous son impulsion qu'il décide de retourner étudier pour avoir un meilleur travail. Devenu riche et célèbre, il se désintéresse de Sally, maintenant vieillie, pour Eve, une jeune femme de la haute société (H. Vinson). Peu de temps après le suicide de sa femme, il se remarie avec Eve, qui a l'âge de son fils, né de son premier mariage. Ce mariage sera une erreur fatale. Il découvre plus tard qu'Eve le trompe et pire encore, que leur enfant n'est de lui. Désespéré, il se suicide. Spencer Tracy assume ce rôle très complexe de Garner de l'âge de 20 ans à 50 ans avec un énorme talent. C'est ce film qui va faire réaliser aux patrons de la Fox qu'ils ont entre les mains un acteur de tout premier plan. Pour le rôle de Sally, la Fox a embauché Colleen Moore, une ancienne star du muet qui n'a pas fait un seul film depuis quatre ans. Elle montre là qu'elle n'avait pas de problèmes avec le parlant, même si sa carrière marquera le pas par la suite. L'aspect social du film est également ambigu. Nous sommes en pleine dépression lorsque le film est tourné en 1932. Au lieu de promouvoir le rêve américain du self-made-man, Sturges nous fait le portrait d'un magnat qui utilise des méthodes de gangsters (intimidation, délit d'initié, etc.). Mais, en même temps, certains aspects le rendent sympathique telle que cette scène où il découvre son fils nouveau-né et récite une prière pour remercier Dieu de le lui avoir donné. Mais, sa vie se révèle être un échec personnel qui le mène au suicide. Inutile de dire qu'avec un sujet aussi sombre le public ne fut pas au rendez-vous. Sturges reçut l'autorisation -inouie pour l'époque!- d'assister au tournage du film en tant que scénariste. William K. Howard réalise là un film tout à fait passionnant. Ce réalisateur mériterait d'être redécouvert, en particulier ses films muets, fort peu visibles.

Quick Millions 1931

2011-07-31T16:45:00.002+01:00

Un film de Rowland Brown avec Spencer Tracy, Sally Eilers, Marguerite Churchill et George Raft

'Bugs' Raymond (S. Tracy) est un chauffeur de poids lourds qui rêve de faire fortune. Il devient racketteur en demandant de l'argent aux firmes de transport. Devenu riche, il pense pouvoir fréquenter le beau monde...

Les films du début de carrière de Spencer Tracy restent peu connus car ils ont été tournés au sein de la firme Fox (avant son rachat par XXth Century Pictures) qui diffuse peu son catalogue. Quick Millions fut considéré comme perdu jusque dans les années 70 où William K. Everson le projeta à New York. Ce film est signé Rowland Brown, un scénariste qui ne réalisa que trois films. En effet, il donna un coup de poing à un producteur ce qui eut pour effet de le mettre sur une liste noire permanente. En tous cas, ce scénariste nous offre là un film sur les gangsters et la corruption qui est vraiment dans l'air du temps. La prohibition bat son plein et les bootleggers font des fortunes. Ici, Spencer Tracy n'est pas le bon garçon qu'il sera plus tard. C'est un arriviste qui veut avoir de l'argent à tout prix. Sa morale personnelle reflète ces années troublées qui précèdent l'abolition de la prohibition. La corruption parmi les élites est généralisée. D'immenses fortunes se font en un rien de temps. Tracy le dit nettement son business "consiste à obtenir ce que les autres possèdent, en étant aimable." Quant aux lois, elles sont selon lui "faites par des avocats pour que d'autres avocats les enfreignent." L'immoralité ambiante est encore renforcée par les diners organisés par les racketteurs où toute la bonne société se rassemble. On retrouve un peu l'ambiance de Afraid to Talk (1932, E.L. Cahn). Tracy est entouré de sbires qui vont faire les sales besognes pendant que lui fréquente un grand patron de la construction, tout en lorgnant la soeur de celui-ci (M. Churchill). On reconnait parmi eux, un débutant à la jambe agile, George Raft qui fait une belle démonstration de ses talents de danseur mondain dans une séquence. Le film avance rapidement avec des séquences courtes et rapides, et pratiquement sans musique. L'ascension sociale de Bugs sera de courte durée car lorsqu'il voudra devenir 'honnête', ses complices vont se débarrasser de lui rapidement. Les scènes de violence sont toujours suggérées plus que montrées dans ce film. Il y a une excellente scène de meurtre où un journaliste se fait descendre. La scène est vue sous une table. Un corps tombe à terre et une ombre portée sur un mur dirige un révolver vers lui pour l'achever. Le film se veut néanmoins porteur d'un message. Un procureur (Henry Kolker) fait un long discours où il tente de secouer l'apathie de cette ville corrompue. Selon lui, la république est en danger si l'Etat ne se réveille pas pour mettre fin aux agissements des bootleggers et des racketteurs. Tracy, dont c'est seulement le deuxième film, montre déjà l'étendue de son talent. Il offre un portrait intéressant de gangster sans scrupules, mais non dépourvu de charme. Si on le met en regard avec les deux autres gangsters de cette année-là, James Cagney dans The Public Enemy et E.G. Robinson dans Little Caesar, Tracy est plus un arriviste qu'un tueur. En tous cas, ce film m'a certainement donné envie de découvrir les deux autres films de Rowland Brown, Hell's Highway (1932) et Blood Money (1933) qui semblent tous deux fort intéressants, mais également fort rares.

Napoléon vu par Abel Gance 1927

2011-07-18T16:38:00.007+01:00

Je voudrais poster ici cette très intéressante critique d'époque du Napoléon de Gance. Le critique Jean Tedesco n'a vu que la première présentation à l'Opéra du film. Il faut le préciser car cette version était amputée par rapport à la version définitive présentée en mai 1927. En tous cas, je trouve que cette critique est équilibrée dans ses louanges et ses regrets. Il faut remarquer que les scènes plus légères semble échapper à Tedesco. Il faut dire que la présentation du film a été gâchée par une partition musicale inappropriée. Arthur Honegger avait quitté le navire avant la première après une dispute avec Gance. Ce dernier ne cessait de modifier le montage du film et rendait le travail du compositeur impossible.

****

Jean Tedesco, Cinéa-Ciné Pour Tous, 15 avril 1927 :

Depuis la représentation de gala à l’Opéra, le 7 de ce mois, du film considérable d’Abel Gance, les opinions les plus variées fleurissent de toutes parts, les unes timides, les autres définitives. C’est un véritable printemps d’opinions brusquement écloses, où la discrétion d’un muguet se mêle à une arrogance de pivoine. Après un hiver d’indifférence qu’aucun film nouveau, hors Métropolis, ne dégela, voici enfin un peu de chaleur, un peu de fièvre.

C’est que le soleil, cet ami de Bonaparte, brille effectivement sur cette œuvre grandiose. Sachons gré à l’auteur d’avoir donné un rôle dès le début de l’action, à ce qu’il est convenu d’appeler l’astre du jour. Pous notre part, nous lui accorderons plus d’importance qu’à bien des comédiens, même excellents, qui abondent dans cette fresque d’histoire. Le soleil, suspendu au-dessus des rivages de la Corse, voilà bien le fond du film, l’âme qu’il ne faut pas qu’on oublie : chaleur, fièvres communes au héros de la Révolution et au poète silencieux qui, de nos jours, a tenter de clamer pour sa gloire un grand hymne d’images.

De cette réalité visible, les uns parraissent profondément imprégnés et ne trouvent pour le Napoléon d’Abel Gance que cris d’enthousiasme et délirantes épithètes ; les autres, qui se comptent en grand nombre à Paris, n’ont pas voulu s’en convaincre et, dès lors, la toile d’idéal sur laquelle l’auteur a tendu ses rêves disparaissant, un certain trouble s’empare des esprits et la critique a beau jeu. Il nous serait facile de choisir cette seconde attitude, assurément plus commode. Nous préférerons nous maintenir sur la position première, tout en soumettant à notre grand créateur d’images quelques réflexions qui n’ont d’autre but que de toucher à l’esthétisme même du cinéma.

A cette époque de formation, il nous paraît que le cinéma oscille entre plusieurs points. Réalisme, romantisme, impressionnisme, symbolisme se disputent ses faveurs et c’est déjà le baptème d’un art véritable que ces querelles d’école où se retrouvent les grandes crises de la peinture et de la poésie. Abel Gance paraît avoir résolument opté pour le romantisme symbolique. Il est possible qu’il ait porté cette forme hugolesque du cinéma actuel à un haut degré de perfection. Il faut alors regretter qu’il ne s’y soit pas tenu plus strictement, au risque d’amputer son rêve total et d’en sacrifier quelques lambeaux délicats. Il y a dans Napoléon, une alternance de grandeur poétique et de description historique ; un côté « chronique » et même Alexandre Dumas père crée un certain pittoresque, avec effets de surprises que, personnellement, nous trouvons indigne de l’inspiration profonde d’une pareille œuvre. Des personnages mystérieux apparaissent, agissent un instant très court, puis disent leur nom devenu immortel comme pour étonner la postérité que nous sommes. C’est à ce moment-là que le cinéma se révolte et trahit ses amants le splus fervents. Cinéma ne veut pas dire d’historiettes et j’ai bien peur que l’Histoire elle-même, du moins sous l’apparence d’une docte dame pleine de souvenirs, n’obtienne pas sa grâce. De même la philosophie historique ne trouve pas place sur l’écran. Nous l’avons senti à certains passages de Napoléon où Saint-Just vient en quelques sous-titres nous résumer l’idéal de la Révolution Française et prophétiser sur l’avenir des Républiques ; nous l’avons senti encore lorsque Bonaparte s’explique avec les fantômes de la Convention et qu’il développe rapidement sa pensée sur la République Universelle. Sans doute est-il naturel qu’Abel Gance lui-même, empruntant l’apparence de Saint-Just, ait désiré exprimer la pensée révolutionnaire et rappelé à tous ceux qui l’ont oublié combien son héros était le fils de la Révolution ; il n’en est pas moins vrai qu’à partir de ce moment le cinéma est en suspens, exactement comme si les appareils de projection étaient arrêtés, et qu’il ne retrouve sa vie véritable que dans le mouvement des images expressives par elles-mêmes.

Nous avons trop de confiance dans le talent d’Abel Gance et trop de sympathie pour la flamme qui l’anime pour ne pas oser ici le fond de notre pensée. Le cinéma, porté à un poit élevé de perfection, est un paroxysme de l’expression ; on ne peut lui demander trop – il faut savoir choisir. Or, par une technique extrêmement poussée, grâce à laquelle nous apprenons à connaître une cinégraphie savante comparable à la musique pareillement dénommée, par un art prodigieux de la prise de vues, un sens étonnant du rythme, une acuité de vision qui lui permettent de lire aisément plusieurs images rapides superposées. Gance est un paroxiste du cinéma moderne. Un tel homme ne peut demander au spectateur de le suivre pendant douze mille mètres sans fatigue ; il le sait bien et repose son public par d’agréables petites histoires du passé, l’aubergiste Fleury, le désespoir de la douce Violine, la merveilleuse Tallien aux jambes nues, la leçon de Talma à Bonaparte, la partie d’échecs avec le général Hoche, mille scènes du même ordre, traitées avec un art délicat et consommé, mais, nettement en dehors du cadre. Il ne s’agit pas ici d’une critique stérile, faite pour inspirer le regret de ce qui aurait pu être évité, mais simplement d’un essai de conclusion, d’enseignement.

A notre sens, il convient d’accepter le Napoléon d’Abel Gance tel qu’il est, avec ses qualités et ses faiblesses et d’en aimer indistinctement tout ce qu’il faut en aimer, le lyrisme impénitent, la technique vertigineuse, l’abondance généreuse, la délicatesse photographique, la composition de certains rôles. Passons sur la Marseillaise du début. Réalisé avec une maîtrise peu commune, rythmée avec un art consommé, ce prélude souffre d’un défaut initial de présentation. Un chant n’est pas photogénique, en dépit des efforts d’un Gance ; nous ne pouvons apprécier pleinement ces plans rapprochés de « têtes lyriques », ouvrant la bouche toute grande et nous rappelant l’impuissance du cinéma à évoquer le son. Hélas, ce ne sont point les choristes de l’Opéra qui comblèrent cette lacune. Une impossibilité qui appartenait au domaine du spectacle a trahi ici, nous semble-t-il, l’intention audacieuse de l’auteur. Passons donc à l’ouverture du film, qui est plutôt cet étonnant parallèle entre la tempête de la Convention et la tempête qui secoua sur la mer la barque fragile où Bonaparte fuyait la Corse. Précédé d’un exposé excellent du pays natal, de sa maison, avec de remarquables surimpressions du héros légendaire chevauchant parmi les souvenirs, ce morceau est simplement grandiose. On y retrouve, dans le double tumulte de la Nature et de l’Humanité, la plus grande puissance d’un art silencieux, irrésistiblement évocateur et capable de présenter un simultanéïsme visible. Ce fut alors que nous eûmes la révélation des trois écrans. Les rideaux à l’italienne s’écartèrent et la projection devint triple, intensifiant considérablement l’impression produite, agrandissant le champ de vision au point de l’éblouir, multipliant par un coefficient inestimable l’émotion du spectateur. Remarquons qu’il s’agit bien ici d’une triple extension de la prise de vues, par trois appareils synchronisés, et non pas seulement d’un augmentation de la surface de projection. Mais les trois écrans servent à Gance à mille fins diverses. Trois actions peuvent s’y passer en même temps, ou bien uen action centrale et deux actions secondaires, ou bien encore d’une action symbolique se glissant au centre d’une action parallèle. C’est ce dernier cas qui fut réalisé quand nous vîmes sur l’écran central apparaître une mer déchaînée et l’embarcation du futur maître de l’Europe, cette image symbolique encadrée par les vues orageuses de la Convention en désordre, attendant son destin. Ce morceau gigantesque, qui termine la première partie de Napoléon, nous offre déjà un grand nombre de combinaisons nouvelles appliquées à l’écran multiple, nou entraîne véritablement bien au-dessus des problèmes actuels du cinéma ; il en jaillit une forme saisissante du symbolisme direct, pour ainsi dire réaliste.

Ce n’est qu’à la fin de la troisième partie, avec le départ de l’Armée d’Italie que nous retrouvâmes cette joie inédite. Ce final de grande envergure est amené par une excellente psychologie vivante de Bonaparte depuis sa rencontre avec Joséphine de Beauharnais jusqu’à son rapide mariage et ce départ pour l’Etat Major qui est traité dans un mouvement de premier ordre. Gance a donné là une image inoubliable du Corse aux joues creuses, aux yeux de fièvre, qui, s’étant donné trois mois pour conquérir l’Italie avec quarante mille francs et une poignée d’hommes écrivait à Joséphine : « Je te donne mille baisers mais ne m’en donne pas car ils me brûlent le sang ! »

Superposition d’images, alternances, parallélisme, rappels, tous les moyens techniques mêlés au spectacle du départ des conquérants, servent ici à synthétiser le contenu d’une pensée : amour, rêves, ambition, tactique. Cette troisième et dernière partie de Napoléon est une sorte de chef-d’œuvre du genre. Le désespoir de Violine vient tout à coup ralentir le mouvement et couper l’action.

Cela est d’autant plus sensible que nous connaissons peu Violine et que l’on sent ici l’amputation d’un rôle qui fût assurément plus important à l’origine. C’est donc bien d’un défaut de construction que souffre le monument gancien.

Nous pénétrons dans ce Napoléon comme dans une gigantesque tour, élevée à la gloire d’un héros légendaire, construite avec un grand amour de ce soleil napoléonien vers lequel elle se dresse. Nous regrettons que l’édifice ne soit pas architectural et qu’il soit en somme assez mal protégé contre les intempéries. Du haut de cette tour, de grandes choses peuvent être vues. C’est pourquoi nous avons parlé clair. Abel Gance est un créateur d’images réellement admirable et nous souhaitons qu’il les ordonne un jour au profit d’une œuvre beaucoup moins considérable que cette épopée grandiose. Qu’on ne se méprenne pas sur le sens de ces mots : nous ne voulons pas nous poser ici en apôtre de la mesure et du goût français ; il dit des folies magnifiques, des déséquilibres exaltants. Nous formons seulement le vœu que des poèmes plus concentrés, qui gagneraient en intensité ce qu’ils perdraient en importance, naissent bientôt de cet esprit bien visuel, qui est peut-être destiné pour ceux qui nous suivront à faire figure d’un grand poète lyrique.

La Mort du Duc d'Enghien en 1804 (1909)

2011-07-10T12:58:00.004+01:00

Un film d'Albert Capellani avec Georges Grand, Germaine Dermoz et Henri Houry

Ce film historique raconte le destin tragique du Duc d'Enghien qui fut arrêté et fusillé sur ordre de Napoléon qui le suspectait de comploter contre lui. Le malheureux duc fut fusillé à Vincennes et son chien fidèle resta prostré sur sa tombe. La copie de la Cinémathèque Française présentée sur le DVD ne comporte pas d'intertitres. On nous indique même qu'ils ont disparus. En fait, la cinémathèque n'a pas dû faire beaucoup de recherches pour les retrouver. L'historien du cinéma Richard Abel indique dans son excellent ouvrage, The Ciné Goes to Town - French Cinema 1896-1914, qu'il a vu une copie du film issue de la National Film Archive, avec des intertitres. Il commente même sur la longueur et la verbosité de ceux-ci. Enfin, même sans intertitres, le film est compréhensible. Il montre un désir d'autheticité fort louable. De nombreuses scènes sont tournées en extérieurs comme l'exécution à Vincennes. Le film est une adaptation d'un pièce montée par André Antoine dans son théâtre, où débuta Capellani. Le film évite le théâtre filmé. Néanmoins, il n'a pas la liberté et la poésie de L'Arlésienne.

L'Arlésienne 1908

2011-07-10T12:54:00.003+01:00

Un film d'Albert Capellani avec Jeanne Grumbach, Jean-Marié de L'Isle et Henri Desfontaines

Cette adaptation de l'oeuvre d'Alphonse Daudet a été redécouverte récemment dans la collection de Lobster Films. Précédant le film d'André Antoine de 14 ans, Capellani réussit un petit bijou de poésie. Délaissant les studios, il va sur place pour filmer cette histoire d'amour et de mort dans les vieilles rues d'Arles, aux arènes et dans les oliveraies. On sent déjà un sens de la composition picturale absolument remarquable. On y trouve aussi toutes sortes d'astuces techniques que l'on attendait pas dans un film de 1908. Le jeune Frédéric tombe amoureux fou d'une arlésienne rencontrée aux arènes. Ils se promènent tous deux contemplant la ville, avec un panoramique à 180° d'Arles qui reflète leur amour naissant. Hélas, elle le quitte pour un gardian. Frédéric est désespéré et il n'arrive pas à se débarrasser de l'image de cette femme qui le hante. Nous le voyons assis sous un arbre en plein désespoir et la figure de l'arlésienne apparaît un court instant en surimpression. Ces surimpressions qui reflètent l'obsession de Frédéric deviennent plus complexes alors qu'il est avec sa fiancée Yvette. Soudain, la jeune fille 'devient' l'arlésienne. Il s'enfuit éperdu. Son suicide sera de même provoqué par l'apparition de l'arlésienne dans les bras de son amant. Il court vers eux et tombe du haut de la grange. Il s'écrase à terre, mort. Comme le fera Antoine, nous voyons le personnage de l'arlésienne dès le début du film. Ce n'est pas ce personnage sans visage de la pièce de Daudet. Mais qu'importe ! Capellani réussit à nous faire sentir le mistral qui fait voler les robes des femmes occupées à cueillir les olives. Nous ressentons le désespoir du malheureux Frédéric assis tout seul au bord de la rivière. André Antoine réalisera lui aussi une version en Provence en 1922. Mais son long métrage n'ajoutera rien à ce qu'à fait Capellani en 1908 en seulement 18 min. Sur le DVD de la Cineteca di Bologna, tous les films sont accompagnés par l'excellent pianiste britannique John Sweeney. Il donne à tous les films la couleur requise. Il sait parfaitement doser les transitions et les émotions ressenties par les personnages. Son travail renforce énormément le plaisir ressenti devent cette Arlésienne. Un très beau film.

Le Chemineau 1905

2011-07-10T12:51:00.002+01:00

Un film d'Albert Capellani

Cette scène dramatique de 5 min (légèrement incomplète) est le premier film réalisé par Capellani. C'est une adaptation du début des Misérables correspondant au tout début du roman de Victor Hugo lorsque Valjean est accueilli chez monseigneur Myriel et lui vole son argenterie. Capellani adaptera le roman entier en 1912. Mais, ici, avec ce tout petit film de 100m, il réussit à capturer l'essence du personnage de Valjean. Le court-métrage s'ouvre sur un vagabond sous la neige qui s'avance vers nous au point que son visage envahit presque tout l'écran. C'est déjà un plan incroyablement audacieux pour 1905. On lui refuse l'aumône, mais un ecclésiastique lui offre le couvert et le coucher. De nouveau, un mouvement de caméra fort inhabituel nous frappe: un lent panoramique nous emmène du salon à la chambre nous révélant la cloison qui sépare les deux pièces. La scène finale où l'ecclésiastique dit aux gendarmes avoir donné l'argenterie à Valjean a disparu. Mais, avec ces quelques minutes venue d'un autre siècle, nous sommes immédiatement convaincus d'être en face d'un grand cinéaste.

L'Homme aux gants blancs 1908

2011-07-08T15:35:00.009+01:00

Un film d'Albert Capellani avec Marguerite Brésil, Henri Desfontaines et Jacques Grétillat

Un gentleman-cambrioleur dérobe le collier d'une femme dont il a fait la connaissance peu de temps auparavant. Mais, en s'enfuyant, il perd ses gants blancs. Il sont ramassés par un apache qui va lui aussi voler la même femme...

Ce court-métrage de 1908 montre déjà une maîtrise de la grammaire filmique absolument remarquable. En 1908, DW Griffith commence à peine à réaliser des films alors qu'Albert Capellani est réalisateur depuis 1905. L'intrigue est déjà incroyablement complexe. Le héros du film, ou plutôt l'anti-héros, est un voleur mondain très distingué qui ne sort pas sans gants blancs. C'est cet excès de coquetterie qui le perdra. Alors qu'il séjourne dans un hôtel, il fait commander par un employé des gants blancs qui lui sont livrés sur place. La gantière lui coud elle-même le bouton requis (en gros-plan). Alors que l'employé de l'hôtel appelle au téléphone la gantière, l'écran offre un triptyque, un exemple de triple écran divisé assez incroyable pour 1908 ! Puis, le voleur mondain rencontre une femme dans un restaurant et lui donne rendez-vous. Une fois chez elle, il s'empare de son collier sans qu'elle s'en aperçoive et s'en va tranquillement. Malheureusement pour lui, un 'apache' a repéré la même maison et s'y introduit peu après. Il provoque la mort de la femme. Le voleur est immédiatement suspecté car ses gants blancs, récupérés par l'apache, sont retrouvés sur place. Il est emmené par la police vers un fourgon hippomobile alors que le véritable meurtrier contemple la scène sur le trottoir au milieu des badauds. Voilà un film de 1908 très en avance sur son temps aussi bien du point de vue de l'intrigue que de sa structure. (Nous assistons à une erreur judicière !) Le choix des angles de prise de vue sont très habiles et les 17 minutes ont un rythme soutenu. Voilà un film absolument remarquable qui montre l'avance de Capellani sur d'autres réalisateurs de l'époque.

L'Intrigante 1911

2011-07-08T15:25:00.004+01:00

Un film d'Albert Capellani avec Catherine Fonteney et Georges Coquet

La préceptrice (C. Fonteney) d'une petite fille ne songe qu'à se débarrasser d'elle pour épouser son père veuf et fort riche...

Cette intrigue semi-policière montre une odieuse préceptrice, jouée par Catherine Fonteney, qui songe à devenir la femme de son patron tout en flirtant outrageusement avec un autre homme. La petite fille martyrisée va réussir à sortir son père des griffes de l'intrigante grâce à un stratagème fort habile. Alors qu'elle a été enfermée dans une cabane dans le jardin, en punition, elle y observe par un guichet de la porte, les agissement de sa préceptrice avec son amant. Un appareil photo qui se trouve sur place lui permet de prendre un cliché qui confondra l'odieuse créature. A nouveau, le montage et les différents champ et contre-champ nous donne une vision complète de l'intrigue et de la montée du suspense. Un film superbement réalisé.

Le Pain des petits oiseaux 1911

2011-07-08T15:12:00.004+01:00

Un film d'Albert Capellani avec Stacia Napierkowska et Edmond Duquesne

Un vieux monsieur qui va donner du pain aux petits oiseaux dans un parc y rencontre une jeune fille affamée (S. Napierkowska). Il décide de l'héberger. Il est pianiste et accompagne une danseuse. La jeune fille montre des dispositions à la danse...

Stacia Napierkowska était une célèbre danseuse de l'Opéra-Comique lorsque Capellani l'embaucha pour jouer dans plusieurs de ses films. Si dans Notre-Dame de Paris (1911) du même Capellani, elle surjoue son Esmeralda, elle est bien plus convaincante dans ce court-métrage. Sa jeune fille des rues se transforme en star de la danse avec conviction et naturel. La rencontre entre son bienfaiteur et elle se déroule dans un parc parisien, sur un banc. Capellani prend même le temps de nous montrer le champ et le contre-champ du vieux pianiste sur son banc. Le reste de l'histoire nous montre l'ascension de la nouvelle étoile de la danse où évidemment le corps gracile et agile de Stacia fait merveille. Puis, après une longue séparation, elle retrouve son bienfaiteur sur le même banc et cette fois-ci, c'est elle qui va prendre soin de lui. On retrouve les mêmes gestes: elle lui offre son manteau comme lui l'avait fait lors de leur première rencontre. C'est à nouveau un petit film parfaitement équilibré et superbement réalisé.

L'Epouvante 1911

2011-07-08T14:59:00.006+01:00

Un film d'Albert Capellani avec Mistinguett et Emile Milo

Un actrice (Mistinguett) de retour du théâtre découvre un voleur caché sous son lit...

Ce court-métrage de Capellani offre de nombreux aspects inattendus pour un film réalisé à la fin de 1910. Sur une trame fort simple, Capellani varie les points de vue et réussi à créer le suspense. L'actrice se couche et allume une cigarette. A ce moment-là, la caméra réalise un travelling arrière révélant la présence du voleur sous son lit. Elle jette une allumette et voit, avec effroi, une main sortir sous son lit et s'en saisir. Le plan est réalisé en plongée et en gros-plan, offrant déjà une sorte de vue subjective ce qui est fort rare à l'époque. Puis, le suspense s'accroit alors que le voleur s'échappe par la fenêtre et grimpe sur le toit. Accroché à une gouttière, il risque de mourir quand sa victime compatissante l'aide à remonter à l'aide d'un rideau. Tout cela est filmé avec un montage fort habile et élaboré pour l'époque. Mistinguett est parfaitement naturelle et occupe l'écran avec son charisme habituel. Un cout-métrage qui montre la très grande maîtrise de Capellani chez Pathé.

Les Frères Karamazoff 1931

2011-06-24T16:08:00.004+01:00

Un film de Fédor Ozep avec Fritz Kortner, Anna Sten et Fritz Rasp

Dimitri Karamazoff (F. Kortner) oublie sa fiancée Katia après avoir rencontrée Grouchenka (A. Sten) la maîtresse de son père. Il devient fou de jalousie en pensant qu'elle puisse rester avec lui...

Cette adaptation de Dostoievski par le réalisateur soviétique Fédor Ozep est une grande réussite. Il tourne en Allemagne ce film produit par Eugene Frenke, le mari d'Anna Sten. Une version française est ensuite réalisée en France avec une distribution quasiment identique (à part trois acteurs). Au début des années 30, quand le parlant en est à ses balbutiements, Ozep a l'intelligence de ne pas oublier ce qu'il a appris au cinéma muet. Il utilise brillamment le montage rapide, lancé par Gance avec La Roue (1921-23) puis repris par tous les cinéastes soviétiques durant les années 20. A une époque où les films sont confinés en studio et ont tendance à enregistrer du théâtre filmé, Ozep ose se démarquer. La fuite éperdue de Dimitri, aiguillonné par la jalousie et la peur d'avoir tué un vieux serviteur, est une scène incroyable pour 1931. D'autant plus que le film est soutenue par une partition remarquable de Karol Rathaus. A une époque où la composition d'une partition originale pour un film dramatique était quasiment inconnue, Rathaus réalise une oeuvre inquiétante qui suggère, plutôt qu'elle ne montre les sentiments sous-jacents des personnages. Son style résolument moderne pour l'époque est également étonnant. Apparemment, la partition fut remarquée par Bernard Herrmann qui n'oubliera pas le style de ce compositeur et sa maîtrise de l'image. La mobilité de la caméra est également remarquable pour l'époque, bien que d'autres réalisateurs fassent montre de la même fluidité comme Anatole Litvak dans Coeur de Lilas qui est légèrement postérieur (1932). N'ayant eu accès qu'à une version française hybride où les acteurs allemands sont doublés en français, j'ai été un peu gênée par la mauvaise synchronisation. J'ai été d'ailleurs étonnée par cette version qui offre pour la plupart les images du film allemand avec des fragments de scènes reprises en France (et pas toujours très bien raccordées!). Il aurait été plus facile de doubler tout le film. Pour la petite histoire, c'est en découvrant Anna Sten dans ce film que Samuel Goldwyn lui fit signer un contrat et l'amena à Hollywood. Sa beauté est certainement très bien mise en valeur et elle joue sa Grouchenka avec talent. Goldwyn songea d'ailleurs pendant un certain temps à lui faire tourner une nouvelle version américaine de Karamazoff avant de se rabattre sur Nana (1934, D. Arzner). Fritz Kortner est un bon Dimitri Karamazoff et Fritz Rasp (présent dans nombre de films muets de Pabst et Lang) est un inquiétant Smerdiakoff. Si par la suite Ozep ne fera plus beaucoup de grands films [sa Tarakanova (1938) est vraiment banale], ici, il montre son très grand talent.

Das Schiff der verlorenen Menschen 1929

2011-06-22T15:34:00.005+01:00

Le Navire des hommes perdus

Un film de Maurice Tourneur avec Fritz Kortner, Robin Irvine, Vladimir Sokoloff, Gaston Modot et Marlene Dietrich

Le capitaine Fernando Vela (F. Kortner) offre le passage pour le Brésil à bord de la Galathée contre rémunération. Un jeune médecin américain, William Cheyne (R. Irvine) se retrouve à bord par accident et se voir refuser de retourner à terre. En mer, les rapports entre le capitaine et l'équipage dégénèrent. Une nuit, Cheyne et le cuistot (V. Skoloff) repèrent un avion en perdition. Ils sauvent le pilote et découvrent qu'il s'agit d'une femme (M. Dietrich)...

En 1929, Maurice Tourneur a quitté les Etats-Unis où il travaillait sans interruption depuis 1914. En effet, les conditions de travail au sein de la MGM ont brusquement changées. Un réalisateur n'a plus la loi et doit accepter la présence constante d'un producteur-superviseur sur son plateau. Tourneur refuse ce dictat de la direction et quitte brusquement le studio en pleine production de The Mysterious Island. Il part pour l'Allemagne où il va tourner ce film produit par la compagnie Wengeroff. Son fils Jacques est assistant-réalisateur sur le tournage. Il semble que des moyens importants ont été donnés à Tourneur pour la réalisation de ce film. Mais, hélas, à part la scène d'ouverture, splendide, tout le film a été tourné en studio. Pour un film censé se dérouler en mer, c'est un comble! On a construit apparemment une énorme nef de 30m de haut pour le tournage dans un réservoir. La distribution est internationale avec les russes Vladimir Sokoloff et Boris de Fast, les allemands Fritz Kortner et Marlene Dietrich (avant sa métamorphose sternbergienne), l'anglais Robin Irvine (que l'on peut voir dans Downhill d'Alfred Hitchcock) et le français Gaston Modot, un vétéran du cinéma qui a débuté à la Gaumont en tant que cascadeur. Malheureusement, le scénario écrit par Maurice Tourneur lui-même manque de surprises. Ce navire peuplé d'évadés et autres criminels nous offre un récit balisé et attendu. Le capitaine est une brute. Il sera victime d'une mutinerie qui l'enverra par-dessus bord. Puis, les marins se soûlent avec tout ce qui leur tombe sous la main. Pendant ce temps, l'inquiétant Morain (Gaston Modot) prend la place du capitaine. Une femme (une jeune Marlene assez dodue) se retrouve à bord et va exciter la concupiscence de cet équipage hors de contrôle. Elle est défendue par un jeune médecin séduisant. Voilà, c'est à peu près tout avec en plus une fin heureuse sans surprise. Visuellement, Tourneur a les services du hongrois Nicolas Farkas qui travaille en Allemagne depuis de nombreuses années.
Le film débute par une scène particulièrement atmosphérique où Gaston Modot, un évadé, courre dans de hautes herbes sous un ciel plombé. Ces paysages du nord de l'Allemagne aurait pu donner au film un tout autre cachet que la pesanteur des studios. Il y a des images remarquables dans ce film, mais, la montée du suspense et la terreur qu'on devrait resentir est absente. Je pense que le transfer du film a été réalisé à une vitesse trop lente: c'est un handicap supplémentaire pour le déroulement de l'intrigue. Néanmoins, il y a des très bons acteurs tels Valdimir Sokoloff en cuisinier sympathique et Gaston Modot qui prête ses larges épaules au dangereux Morain. Quant à Marlene, elle est habillée en homme à bord de ce bateau (bien qu'elle soit apparemment une riche héritière américaine). Elle n'a pas encore l'aura qu'elle gagnera grâce à la photo de Sternberg. J'ai été contente de découvrir le seul film allemand de Tourneur, même si celui-ci se révèle une relative déception.

Jewel Robbery 1932

2011-06-21T12:30:00.002+01:00

Un film de William Dieterle avec Kay Francis, William Powell, Henry Kolker et André Luguet

A Vienne, Teri (K. Francis) est mariée à un riche baron (H. Kolker) avec lequel elle s'ennuit profondément. Alors qu'elle est dans une bijouterie avec son mari, le magasin est mis à sac par un gentleman cambrioleur (W. Powell)...

Cette comédie sophistiquée signée William Dieterle est un Pre-Code délicieusement immoral. William Powell est un voleur de très grande classe qui arrive dans une bijouterie avec ses complices, tous tirés à quatre épingles, pour vider le contenu des vitrines avec un soin méticuleux tout en écoutant Le beau Danube bleu de Strauss sur un phonographe. Il repère immédiatement (et elle aussi) la charmante Kay Francis. Leurs dialogues sont cousus de sous-entendus risqués. Ils s'amusent tous deux comme des fous à ce marivaudage sophistiqué. Le film a un rythme sautillant et c'est vraiment une vraie bouffée de bonheur. Certaines scènes sont absolument hilarantes comme lorsque Powell offre une cigarette au bijoutier. Cette cigarette contient une drogue qui provoque une crise d'hilarité chez le fumeur. Les cigarettes seront ensuite essayées par le chef de la police qui va lui aussi totalement perdre la tête. Le gentleman-cambrioleur s'introduit ensuite chez Kay Francis qui trouve l'aventure terriblement excitante (bien entendu, sans l'avouer). Une série d'actes manqués sont là pour signaler le désir qui anime les deux personnages : elle coince la bas de sa robe dans la porte de sa chambre qu'elle a vérouillée et elle lui fait tomber un révolver sur le pied. La belle Kay est ensuite emmenée dans la garçonnière de Powell (en lui faisant croire que c'était la police qui l'emmenait) qui a prévu un petit souper galant. Le film se termine sur une pirouette avec la belle Kay qui va aller rejoindre son gentleman-cambrioleur sur la Côte d'Azur. Le dialogue est absolument délicieux et les deux interprètes jouent leurs scènes avec un talent et un charme remarquables. Un des meilleurs films de la période des Pre-Codes.

Afraid To Talk 1932

2011-06-20T10:19:00.003+01:00

(Eric Linden)

Un film de Edward L. Cahn avec Eric Linden, Sidney Fox, Louis Calhern, Tully Marshall, Edward Arnold et Mayo Methot

Dans une grande ville américaine, Eddie Martin (E. Linden), un garçon d'étage dans un grand hôtel, est témoin de l'assassinat d'un gangster par Skelli (E. Arnold). Il accepte de témoigner face à la police. Mais, l'ensemble des édiles municipaux sont corrompus et ne souhaitent pas voir Skelli passer en jugement...

Ce magnifique film de gangster produit par la Universal pourrait s'intituler l'enfer de la corruption. On a rarement vu une dénonciation aussi virulente et noire de la corruption à tous les niveaux. L'un des auteurs du scénario, Albert Maltz, sera d'ailleurs l'une des victimes de la liste noire durant la 'chasse aux sorcières'. Dans cette ville (qui n'est pas nommée), les racketteurs et les bootleggers arrosent tout le monde: maire, gouverneur, procureur et chef de la police. La malheureux Eddie Martin se retrouve témoin d'un meurtre qui va mettre en danger sa propre vie. En fait, il a moins à craindre des gangsters que de ceux qui sont censés le protéger. Le District Attorney (procureur) est joué avec délice par Louis Calhern, toujours suave et élégant dans l'infamie. Il recoit ses ordres du gouverneur et du maire, tous deux parfaitement pourris jusqu'à l'os. On lui demande d'enterrer le dossier d'accusation contre Skelli, car celui-ci a des papiers compromettants. Le dossier est enterré illico. Mais, une fusillade entre gangsters provoque la mort d'un enfant. Le maire (joué par Berton Churchill, le banquier pourri de Stagecoach) voulant être réélu, il faut qu'il montre qu'il fait quelque chose contre les gangsters. Alors, le procureur décide de faire porter le chapeau au malheureux Eddie pour le meurtre commis par Skelli. Les méthodes sont expéditives: un groupe de six flics (plus ou moins écoeurés) sont chargés de torturer le garçon jusqu'à ce qu'il avoue le meurtre dont il est innocent. Il manque de mourir de ce traitement avant d'être soigné par un médecin clairvoyant qui lui envoie un bon avocat pour l'aider. Celui-ci en deux temps deux mouvements réunit un dossier à charge contre la police et la justice. C'est la panique chez le maire et le gouverneur. Alors, le procureur décide de se débarrasser d'Eddie en le faisant pendre dans sa cellule. Il sera sauvé de justesse. Et si presque tous les éléments les plus pourris seront enfin écartés, la gouverneur lui reste en se faisant passer pour le 'nettoyeur de la ville'. La réalisation du film est à la hauteur de ce scénario ravageur. Derrière la caméra, Karl Freund réalise de superbes ombres et lumières. Tous les acteurs, même dans le plus petit rôle, sont absolument formidables et en situation. C'est d'ailleurs un plaisir de reconnaître Tully Marshall, qui avale sans arrêt de l'aspirine (peut-être pour calmer sa culpabilité ?) ou Mayo Methot (la troisième Mrs Humphrey Bogart) qui est la poule du gangster. Au premier rang de l'interprétation, il y a Eric Linden, le jeune et frais acteur de nombres de Pre-Codes, Louis Calhern parfait et suave malfaisant, et Edward Arnold puissant et redoutable. La copie présentée était absolument superbe. Un vrai bonheur et une superbe découverte.

Prestige 1932

2011-06-20T10:14:00.003+01:00

Un film de Tay Garnett avec Melvyn Douglas, Ann Harding et Adolphe Menjou

A Paris, Thérèse du Flos (A. Harding) est sur le point d'épouser le Lieutenant André Verlaine (M. Douglas). Mais, quelques jours avant leur marriage, il reçoit son affectation pour diriger une colonie pénitentiaire en Indochine. Il part seul et sombre rapidement dans l'acoolisme...

Cette production Pathé-RKO a été tournée en partie dans les Everglades en Floride. Il faut mentionner ce choix de tourner en extérieurs à une époque où pratiquement tous les films sont réalisés en studio. Le film se caractérise également par une virtuosité des mouvements de caméra tout à fait inhabituelle pour l'époque. Tay Garnett commence le film par un travelling (quasiment en un seul plan) survolant les toits de Paris (en fait une maquette). Et cette virtuosité sera mise au service des personnages d'un bout à l'autre du film. Le scénario illustre sans fard l'esprit colonialiste de l'époque avec son racisme assumé. L'histoire étant située en France et en Indochine, il semble que les scénaristes américains en profitent pour montrer une image fort peu glorieuse du colonialisme français (et probablement très proche de la vérité). Le titre du film fait référence au 'prestige de l'homme blanc' face aux indigènes qui sont censés reconnaître la supériorité intrinsèque de celui-ci par rapport à eux. Melvyn Douglas y est un officier français posté dans au milieu de la jungle indochinoise. Il doit diriger un pénitencier avec pour seul soutien un escadron d'indochinois sous l'uniforme français. Il est le seul homme blanc aux alentours. Puis, Ann Harding vient le rejoindre dans cette jungle où les hommes se délitent sous une chaleur torride. Douglas n'a pas résisté longtemps à l'isolement et au climat accablant. Il s'est mis à boire sous le regard ironique de ses hommes. Seul son serviteur noir (joué par Clarence Muse) lui reste totalement fidèle. L'arrivée de Harding va le sortir momentanément de sa torpeur. Mais, le désespoir reprend le dessus suite à la visite du Capitaine Rémi Baudouin (Adolphe Menjou) qui lui annonce que son affectation est permanente. Son effondrement moral provoque le soulèvement de ses soldats qui libèrent les prisonniers. Au milieu de tous ces indigènes en révolte, la blonde Ann Harding semble être l'image mème de la femme blanche menacée par les 'sauvages'. La scène finale du film fait presque rire (ou grincer des dents) par son extrémisme : on y voit un Douglas désarmé qui remet littéralement à leurs places les indigènes à coups de fouet. Ann Harding avait tellement détesté ce film qu'elle avait demandé à la RKO de le détruire. Il faut dire qu'elle avait des idées progressistes sur les droits civiques des noirs et ne devait pas partager cette idée du 'prestige blanc'. Mais, le message raciste du film s'autodétruit presque de lui-même. On nous montre une société de surhommes et de sous-hommes tellement outrancière qu'on ne peut y adhérer. Garnett ménage de nombreuses surprises visuelles dans ce film.
L'arrivée de Ann Harding dans le pénitencier est suivie d'un long panoramique (presque à 360°) où elle balaie des yeux la cour de celui-ci. De même, la cérémonie de marriage traditionnelle entre Douglas et Harding est introduite par un mouvement de grue spectaculaire au-dessus de la foule jusqu'au couple. Il faut reconnaître qu'à partir d'un matériel assez stéréotypé, Tay Garnett a réussi à faire un film passionnant visuellement et riche en atmosphère (grâce également à la photo du français Lucien Andriot). Prestige est un film à découvrir.

One Way Passage 1932

2011-06-18T15:32:00.001+01:00

Un film de Tay Garnett avec Kay Francis, William Powell, Frank McHugh, Aline McMahon et Warren Hymer

Dan (W. Powell) et Joan (K. Francis) se sont rencontrés alors qu'ils traversent le Pacifique de Hong-Kong à San Francisco. Ils tombent amoureux l'un de l'autre. Mais, ils savent que leur histoire sera sans lendemain. Joan est gravement malade et Dan est un criminel recherché par la police voué à la peine de mort...

Ce film produit par la Warner est un délice. Dès les tous premiers plans, on sait qu'on va passer un moment tout à fait exceptionnel. La caméra se promène, arérienne, dans un bar de Hong Kong, s'attarde un moment sur un groupe de trois chanteurs qui ramassent les pièces qu'on leur jette, puis poursuit le long d'un comptoir où un barman loquace prépare un cocktail. Nous découvrons Dan (W. Powell) qui trébuche face à une femme inconnue, Joan (K. Francis), et au premier coup d'oeil tombe amoureux. Ce simple prémisse est le début d'un des plus beaux films d'amour produits par Hollywood. Nous sommes sur un paquebot en partance pour San Francisco et le voyage de ces deux condammnés sera leur dernière étincelle avant la fin de leur existence. En contrepoint de cette histoire d'amour poignante, il y a le couple comique et nettement moins élégant formé par Aline McMahon, en aventurière qui se fait passer pour une comtesse, et Frank McHugh, un pick-pocket toujours alcoolisé. Le comique apporté par ces deux acteurs permet au film d'échapper aux conventions du mélodrame. McHugh passe tout le film à boire (au goulot) et McMahon chaparde avec dextérité dans les poches de ses victimes. Powell et Francis forment le couple le plus élégant qui soit avec une sorte d'ironie légère et sophistiquée. La concision même du film est l'une de ses qualités premières. Il n'y a pas de sentimentalisme excessif et on reste dans une sorte d'apesanteur durant ces délicieuses 67 min. Le plan final du film est inoubliable: deux verres se brisent sur un comptoir à Agua Caliente où les deux amants s'étaient donnés rendez-vous, tout en sachant qu'ils ne pourraient s'y rendre. Cependant ces deux verres signifient qu'ils ont réussi à venir de l'au-delà. Un vrai bonheur.

Okay America 1932

2011-06-18T08:35:00.005+01:00

Un film de Tay Garnett avec Lew Ayres, Maureen O'Sullivan, Edward Arnold, Louis Calhern et Walter Catlett

Larry Wayne (L. Ayres) est un célèbre chroniqueur au Daily Blade où il révèle les frasques des célébrités. Il se lance dans une enquête sur la disparition de Ruth Drake (M. Lindsay), la fille d'un riche homme d'affaires. Il suspecte un bootlegger, Mileaway Russell (L. Calhern) de savoir où elle est retenue captive...

Ce film produit par la Universal est inspiré de la vie de Walter Winchell, un journaliste qui faisait ses choux gras des potins et autres commérages. Lew Ayres, le héros de All Quiet on the Western Front (1930, L. Milestone) est un choix à priori bizarre pour incarner ce journaliste sans scrupules. Mais, au fil de la progression du film, ses actions le rendent crédible. Il dicte ses chroniques à sa dévouée secrétaire Barton (M. O'Sullivan) avec ce qu'il faut de badinage. Le début du film ressemble à une sorte de comédie comme Platinum Blonde (1932, F. Capra). Mais, la seconde partie prend un tour politique fort différent. A l'instar de Gabriel Over the White House (1934, G. LaCava) ou The Star Witness (1931, W.A. Wellman), le film suggère que les criminels (en particulier les bootleggers) doivent être éliminés par des moyens fort peu démocratiques. Le journaliste, plus ou moins pourri, devient un vengeur de son propre chef, au lieu de faire appel à la police. Le chef des gangsters, joué par un Edward Arnold en grande forme, essaie de faire chanter le président des Etats-Unis pour obtenir une remise de peine. Il va se heurter au refus catégorique du président qui va risquer la vie de son otage pour préserver la démocratie. Il parle néanmoins d'éliminer les gangsters par tous les moyens. Il est vraiment étonnant de voir le nombre de films tournés durant la dépression et la prohibition qui propose ce type de solution. L'historien du cinéma William K. Everson suggère que la Californie de l'époque se considérait comme un état dans l'état prompt à proposer des solutions expéditives pour se débarrasser des criminels. La scène finale est sèche et sans concession, presque inattendue après la nonchalance du début. Le film est parsemé de merveilleux seconds rôles comme Walter Catlett en rédacteur-en-chef excédé, Louis Calhern en bootlegger raffiné et élégant et l'italien Henry Armetta en indicateur vendeur de pommes. Un film vraiment intéressant qui nous transporte dans une époque troublée, peu avant l'élection de F.D. Roosevelt.

A Modern Hero 1934

2011-06-15T15:25:00.005+01:00

Un film de G.W. Pabst avec Richard Barthelmess, Jean Muir, Marjorie Rambeau et Florence Eldridge

Aux Etats-Unis, avant la première guerre mondiale, Pierre Radier (R. Barthelmess) est écuyer dans un cirque ambulant avec sa mère (M. Rambeau). Il séduit une jeune fille, Joanna (J. Muir), avant de l'abandonner alors qu'elle est enceinte. Pierre rêve de devenir un riche homme d'affaire...

La seule incursion de Georg Wilhelm Pabst dans l'univers Hollywoodien a produit un film pour la Warner qui se révèle plus noir et immoral que la production habituelle de ce studio. Le héros du titre n'en est pas un. Richard Barthelmess, qui fut le héros au coeur pur des films muets de Griffith et Henry King, s'était reconverti dans les années 30 dans les personnages victimes de l'après-guerre avec deux grands chefs d'oeuvres: The Last Flight (1931, W. Dieterle) et Heroes for Sale (1933, Wm A. Wellman). Dans ce film de Pabst, Barthelmess est un séducteur sans scrupules qui ne pense égoïstement qu'à faire fortune. Il séduit prestement l'innocent Joanna et s'introduit même dans sa chambre dès leur premier rendez-vous. Celle-ci n'est pas dute et se rend bien compte qu'il ne restera pas. Elle choisit de son propre gré d'en épouser un autre qui lui offrira un marriage solide. Pierre est un émigré français qui gagne sa vie dans un cirque avec sa mère, une ancienne dompteuse aigrie, jouée par Marjorie Rambeau. Elle a perdu un bras et noie son chagrin dans l'alcool. Pierre ne songe qu'à trouver une petite affaire pour quitter le cirque et faire fortune. L'opportunité se présente grâce à une certaine Leah (Florence Eldridge) qui lui prête de l'argent alors qu'il devient son amant. Il va monter rapidement les échelons de la fortune et épouser une riche héritière. Sa réussite financière ne lui apporte néanmoins pas le bonheur. Il est sans enfant et il souhaite revoir ce fils qu'il n'a pas reconnu. Une série de catastrophes va le laisser seul et démuni. La trajectoire montante et descendante de Pierre est l'occasion pour Pabst de montrer le revers de la société américaine. Son 'héros' n'hésite pas à utiliser ses charmes pour obtenir de l'argent auprès des femmes ou à spéculer avec des margoulins à la bourse. Cette obsession de la réussite lui fait oublier toutes les valeurs humaines d'honnêteté et d'abnégation. Il va le payer très cher. Mais, on ne ressent pas cette scène finale comme une sanction moralisatrice, mais plutôt, comme le résultat inévitable de sa cupidité. Dans ce rôle, Barthelmess apporte une ambiguité intéressante. Lui qui fut toujours l'image de l'honnêteté est ici un homme égoïste obsédé par l'argent et le pouvoir. On ressent pour lui un mélange de compassion et d'écoeurement. Le film appelle un chat un chat, car il fait encore partie de la production pre-code. Il aurait été fort difficile de réaliser le même film l'année suivante. Même s'il ne s'agit pas d'un chef d'oeuvre, ce film de Pabst est fort intéressant.

Manhandled 1924

2011-06-10T15:26:00.006+01:00

Tricheuse

Un film d'Allan Dwan avec Gloria Swanson, Tom Moore, Frank Morgan, Lilyan Tashman et Ian Keith

Tessie McGuire (G. Swanson) est vendeuse dans un grand magasin new-yorkais. Elle voudrait pouvoir échapper à son quotidien épuisant : un travail harassant, un voyage dans une rame de métro bondée et un appartement minuscule. Son petit ami Jim Hogan (T. Moore) est mécanicien dans un garage. Il espère faire fortune avec son invention pour réduire la consommation d'essence des moteurs...

Avec cette comédie très enlevée, Gloria Swanson relance sa carrière comique après une succession de films pour Cecil B. DeMille où elle était cataloguée dans les rôles de créatures altières vêtues de costumes tapageurs. Allan Dwan prend le contrepied de cette image en faisant d'elle une simple vendeuse qui mâche du chewing-gum, porte une petite robe à deux sous et doit affronter son chef de rayon. Pour la mettre dans le bain, Dwan l'envoit passer quelques jours dans un grand magasin new-yorkais, puis, lui fait prendre le métro en l'abandonnant à son propre sort au dernier moment. Les leçons sont bien retenues : Gloria devient Tessie, la jeune new-yorkaise délurée. Le film débute avec la fameuse séquence du métro où Tessie doit lutter contre le flot de voyageurs pour entrer dans la rame. Elle perd son sac; son chapeau est écrasé et elle doit lutter à nouveau pour sortir à la station suivante. La reconstitution du métro au studio Paramount est vraiment excellente. On s'y croirait ! Swanson machouille son chewing-gum sous le nez de son chef qui la houspille. Puis, la chance apparait lorsqu'elle est invitée à une soirée chez un sculpteur ami du fils du patron du magasin. La collègue de Tessie, Pinkie (jouée avec beaucoup de talent par Lilyan Tashman) l'enjoint d'accepter. Elle aussi, elle voudrait bien échapper à son rayon au sous-sol du magasin. Gloria va se voir proposer un emploi de fausse comtesse russe dans une maison de couture tenue par Arno Riccardi (Frank Morgan). Gloria en profite pour parodier sa rivale de l'époque à la Paramount, Pola Negri (voir ci-dessus) Mais, elle découvrira que tous ses hommes qui l'entourent, cherchent tous à profieter d'elle. Tout finira bien lorsque son petit ami Jim (Tom Moore) réussira enfin à vendre son invention. Si l'intrigue est relativement attendue et n'offre que peu de surprises, cette comédie est cependant parfaitement rythmée et bien menée. Gloria Swanson montre un abattage et un talent comique formidable. Une excellente comédie de celui qui fut le réalisateur préféré de Swanson, Allan Dwan.

La star et son metteur en scène.

The Conquering Power 1921

2011-06-08T17:12:00.006+01:00

Eugénie Grandet

Un film de Rex Ingram avec Ralph Lewis, Alice Terry et Rudolph Valentino

Le Père Grandet (R. Lewis) reçoit son neveu Charles (R. Valentino) dont le père vient de se suicider suite à une banqueroute. Le vieil avare cherche à se débarrasser de son neveu qui semble être attirée par sa cousine Eugénie (A. Terry)...

Suite au succès de The Four Horsemen of the Apocalypse (1921), Ingram reprend son couple vedette, Alice Terry et Rudolph Valentino. Cette adaptation modernisée du roman d'Honoré de Balzac est malheureusement particulièrement édulcorée. En donnant la vedette à ces deux acteurs, la cruelle vérité de Balzac en prend pour son grade. Eugénie Grandet n'est plus la jeune fille sans grâce et sans beauté du roman, mais la lumineuse Alice Terry. Face à elle, son cousin vaniteux et égoïste devient un Rudolph Valentino vulnérable et désintéressé. Heureusement, le Père Grandet du roman, sous les traits de Ralph Lewis conserve sa cruauté et son avarice maladive. Ce sont d'ailleurs les scènes où figure ce dernier qui restent en mémoire. Le vieil avare se retrouve enfermé dans sa chambre forte avec son or. Soudain, tel un alcoolique en proie au delirium tremens, il croit voir son or s'animer et se retourner contre lui.
Les murs de la pièce se mettent à bouger et s'apprêtent à l'écraser. Il mourra écrasé par ce même or qu'il chérissait plus que tout au monde. La scène utilise habilement une citation de Griffith où nous voyons le Père Grandet, sous un rai de lumière, qui berce son or dans un berceau d'enfant telle la Lillian Gish d'Intolerance (1916). Si Ingram n'avait pas trouvé bon d'ajouter cette histoire d'amour sentimentale entre Eugénie et son cousin ainsi qu'une fin heureuse déconnectée du roman, le film serait une grande réussite. En tous cas, visuellement, la reconstitution de la France de l'époque est superbe avec le village et les intérieurs de la maison Grandet. Comme toujours les éclairages font merveille avec des ombres et des lumières qui sculptent les visages comme des gravures anciennes. Un film qui n'est donc pas une réussite totale, mais qui contient plusieurs scènes impressionnantes.

The Prisoner of Zenda 1922

2011-06-05T14:52:00.005+01:00

Un film de Rex Ingram avec Lewis Stone, Alice Terry, Ramon Novarro et Barbara La Marr

L'anglais Rudolph Rassendyll (L. Stone) visite la Ruritanie lors du couronnement de Rudolph V (L. Stone). Suite à un complot ourdi par le demi-frère du roi, Rassendyll -qui est son sosie parfait- doit prendre la place de celui-ci...

Le roman d'Anthony Hope est un immense classique de la littérature d'aventure anglo-saxonne. Le royaume inventé par l'auteur est même entré dans le langage commun comme le symbole des pays imaginaires des romans d'aventure. Dès les années 10, le roman est adapté au cinéma par les anglais et les américains. Quand Ingram s'attaque au roman en 1922, il réalise une production fastueuse, dépensant pour les costumes seuls la somme de 160 000 dollars. Il a repéré un jeune acteur nommé Ramon Samaniegos qu'il engage pour jouer le rôle du méchant flamboyant, Rupert of Hentzau. Devenu Ramon Novarro, il apparaitra dans beaucoup d'autres films d'Ingram. Pour le double rôle du roi et de son sosie, il utilise la retenue et l'humour de Lewis Stone. Alice Terry est la douce Flavia et Barbara La Marr, la spécialiste des vamps de l'époque, Antoinette de Mauban. Le style visuel du film est une pure merveille, comme tous les films d'Ingram. John Seitz utilise sa technique d'éclairage habituelle avec des lumières directionnelles et limitées qui apportent une vraie profondeur aux visages et aux décors. Cette utilisation parcimonieuse de la lumière fut une grande inspiration pour nombres de directeurs de la photo.

Les décors sont massifs et créent une vraie atmosphère. Il est évident que le style visuel du film a été la source d'inspiration de la décoration du remake de 1937 produit par David O. Selznick. On y retrouve le même type d'uniformes, vaguement austro-hongrois, le relais de chasse de Zenda ainsi que le chateau. On peut trouver cependant que la structure dramatique du film est un peu lâche. La première partie avance à coups de cartons d'intertitres. Et ensuite, le suspense ne monte pas autant qu'il le faudrait. Ces défauts sont compensés lors du duel final qui oppose Lewis Stone à tous les méchants présents dans le chateau de Zenda. Il offre un morceau de bravoure de très belle qualité. On peut préférer la version de 1937, mais cette version muette est d'une grande beauté et très bien jouée. Le film est maintenant disponible en Warner Archive.

The Four Horsemen of the Apocalypse 1921

2011-06-03T13:24:00.005+01:00

Les Quatre Cavaliers de l'Apocalypse

Un film de Rex Ingram avec Rudolph Valentino, Alice Terry, Alan Hale, Wallace Beery et Nigel de Brulier

En Argentine, avant la première guerre mondiale, le vieux Madariaga (Pomeroy Cannon) règne sur d'immenses propriétés. Ses deux filles ont épousé, l'une, un français Marcelo Desnoyer (Josef Swickard) et l'autre, un allemand, von Hartrott (Alan Hale). Julio Desnoyers (R. Valentino) est le petit-fils préféré du vieux Madariaga qui lui permet tout. Suite à sa mort, la famille se divise. Les Desnoyers repartent pour Paris et les von Hartrott pour l'Allemagne...

Cette adaptation du roman de Vicente Blasco Ibáñez est certainement le film le plus célèbre de Rex Ingram. Alors sous contrat à la Metro Picture Corporation (plusieurs années avant la fusion avec la compagnie Goldwyn), il réalise là une superproduction qui ne peut être comparée qu'aux grands films de Griffith de par son ambition et la débauche de moyens employés. Le tournage commença en juin 1920 et dura 6 mois. Ingram choisit méticuleusement ses interprètes. Il remarque un jeune acteur d'origine italienne auquel il va donner sa chance dans un grand rôle: Rudolph Valentino. Sa future épouse Alice Terry est Marguerite Laurier. Ses deux jeunes acteurs vont, sous sa direction, donner le meilleur d'eux-mêmes et devenir des stars. Il faut souligner le jeu épuré plein de sensibilité des deux acteurs qui doit certainement beaucoup à Ingram. Le film montre la montée inéxorable de la guerre qui va détruire tout sur son passage. Si le sujet conserve un aspect anti-allemand, ce n'est guère étonnant, vu que le film a été réalisé à peine 3 ans après la fin du conflit. L'espagnol Ibáñez voulait écrire une oeuvre contre la guerre et les quatre cavaliers de l'Apocalypse sont le symbole choisi pour montrer les ravages de la guerre.
Ingram savait réaliser comme personne ces séquences mythologiques. Ici, les quatres cavaliers, symbolisant la conquête, la guerre, la famine et la mort, surgissent dans les nuages annonçant la désolation qui va bientôt frapper la population. Le film réussit à combiner les grandes scènes de batailles avec l'intimisme. Nous suivons aussi la destiné de Julio Desnoyers (R. Valentino), le petit-fils chéri qui a toujours vécu dans une atmosphère de privilège et d'oisiveté. Sa rencontre avec Marguerite Laurier (A. Terry) va changer sa vie. Elle est mal mariée et malheureuse. Pour la première fois, il rencontre une 'dame' au lieu d'une 'fille.' Puis, il va ensuite prendre conscience des événements qui l'entourent et rejoindre l'armée. Il est entouré par une famille dominée par un père obsédé par la possession matérielle et qui entasse des objets de collection. Il se cherche, dépourvu de repères, jusqu'à sa rencontre avec le mystique Tchernoff (Nigel de Brulier) qui lui ouvre les yeux sur le monde.
Parallèlement, son vieux père va voir que tous les biens de la terre ne sont qu'un mirage face à la guerre. Son vieux chateau rempli de trésors est envahi par une horde de soldats et d'officiers allemands qui pillent, violent et ripaillent. On reconnaît parmi eux, un Wallace Beery particulièrement odieux. La scène qui tourne à l'orgie, avec des soldats déguisés en femme, fait penser à l'univers de von Stroheim (qui était d'ailleurs un ami et un grand admirateur d'Ingram). La scène finale dans le cimetière réussit à être émouvante et sans grandiloquence. Bien que tourné entièrement en studios en Californie, les décors ont une véracité qui n'est égalée que dans les films de von Stroheim. Le film est un énorme succès critique et auprès du grand public. Ingram se retrouve alors dans la liste des plus grands réalisateurs de l'époque avec D.W. Griffith et Cecil B. DeMille. Il le méritait sans aucun doute. Pour profiter au mieux de ce film magnifique, il faut le voir avec la superbe partition de Carl Davis qui sait donner toute l'ampleur et tout l'intimisme nécessaire à chaque scène.

Mare Nostrum 1926

2011-06-01T14:19:00.003+01:00

Un film de Rex Ingram avec Alice Terry et Antonio Moreno

Le capitain Ulysses Esteban (A. Moreno), un officier de la marine marchande espagnole, rencontre dans les ruines de Pompéi la mystérieuse Freya Talberg (A. Terry) qui voyage en compagnie de l'inquiétante Dr Feldman (Mme Paquerette). Il tombe amoureux fou de Freya, qui est une espionne allemande et accepte de collaborer avec l'Allemagne...

Cette production extrêmement ambitieuse de Rex Ingram demanda un tournage de 15 mois et le premier montage du film durait 2h30. Il fut considérablement réduit par la suite. La copie qui est visible de nos jours est une reconstruction où il manque toujours certaines scènes importantes (comme la scène d'amour entre Alice Terry et Antonio Moreno près d'un aquarium qui a dû inspirer Orson Welles pour The Lady from Shanghai). Cette adaptation d'un roman de Vicente Blasco Ibáñez est pour moi une des plus grandes réussites de Rex Ingram. Il réussit à combiner avec bonheur le roman d'espionnage et d'aventures et les grandes mythologies européennes. L'héroine du film s'appelle Freya comme la déesse de la beauté de l'amour des légendes nordiques. Elle attrape dans ses filets un capitaine nommé Ulysses qui reconnait en elle Amphitrite, la divinité des mers grecque. Le film a été tourné en Italie (Naples, Pompéi, Paestum) en Espagne (Barcelone) et en France (Marseille).
On ne peut qu'être impressionné par cette volonté de tourner sur les lieux de l'action au lieu de faire une reconstitution en studio comme l'auraient fait la plupart des réalisateurs américains de l'époque. Mais, Ingram se trouve dans une position extrêmement confortable vis-à-vis de la Metro-Goldwyn-Mayer. Il a son propre studio près de Nice; il choisit ses collaborateurs et ses acteurs lui-même. Son film est ensuite distribué aux USA par la MGM. Parmi les jeunes techniciens employés sur le tournage, il y a un certain Michael Powell. Ce dernier a certainement appris énormément au contact de son aîné. Avec John F. Seitz derrière la caméra et Grant Whytock au montage, Ingram travaille avec son équipe habituelle. L'histoire commence à Barcelone où le petit Ulysses (joué par le petit Kada Abd-el-Kader, le fils adoptif d'Ingram) rêve de devenir marin comme son vieil oncle Triton (encore un personnage mythologique!) en contemplant le portrait d'Amphitrite, une divinité blonde. Plus tard, devenu adulte, il rencontre Freya qui se révèle être la figure vivante de la divinité. Elle est accompagnée d'une créature à la carrure imposante et particulièrement hommasse qui dirige un réseau d'espions à la solde de l'Allemagne. Ulysses accepte de les aider et provoque ainsi la mort de son fils. Rongé par la culpabilité, il rejoint la marine française pour venger cette mort. Freya, elle aussi, expie son forfait en se faisant fusiller comme Mata-Hari. C'est d'ailleurs une des plus belle scène du film où Alice Terry vêtue de ses plus beaux atours fait face au peloton d'exécution. Alice Terry, qui était la deuxième épouse d'Ingram, était souvent assez inexpressive quand elle jouait les ingénues. En Freya, elle apparaît sous un nouveau jour. En espionne sensuelle et mystérieuse, elle montre ses talents d'actrice. Ce fut d'ailleurs son film et son rôle préféré. Face à elle, Antonio Moreno est un héros solide. Tous les seconds rôles sont distribués avec minutie à des acteurs de nationalités diverses qui correspondent parfaitement aux personnages. Le film se termine sur une superbe scène où les amants se retrouvent au fond de la mer après leur mort. Le titre du film Mare Nostrum (notre mer) était le terme employé par les romains pour désigner la Mer Méditerranée. Le film peut être considéré comme un poème à cette mer et à ses divinités. Un très beau film.

Scaramouche 1923

2011-05-31T10:09:00.004+01:00

Un film de Rex Ingram avec Ramon Novarro, Alice Terry, Lewis Stone et Lloyd Ingraham

André-Louis Moreau (R. Novarro) assiste impuissant au duel qui provoque la mort de son ami Philippe de Vilmorin. Il jure de venger sa mort face à son meurtrier le Marquis de la Tour d'Azyr (L. Stone). Or celui-ci cherche à épouser Aline de Kercadiou (A. Terry), l'amie d'enfance d'André...

En 1923, Rex Ingram adapte le roman de Rafael Sabatini situé durant la Révolution Française. Cet auteur de roman d'aventures est en vogue avec les adaptations successives de The Sea Hawk (1924, F. Lloyd), Captain Blood (1924, D. Smith) et Bardelys The Magnificent (1926, K. Vidor). Ingram a choisi Ramon Novarro, un jeune acteur d'origine mexicaine qui avait déjà joué dans The Four Horsemen of the Apocalypse (1921, R. Ingram) (où il n'était que figurant) et qui avait été révélé au public dans The Prisoner of Zenda (1922, R. Ingram) en Rupert of Hentzau. C'est un choix particulièrement judicieux car Novarro est un acteur sensible et intelligent, tout à fait à même de donner tout son poids au rôle de Moreau. Contrairement au remake de 1952 avec Stewart Granger qui est surtout un film de cape et d'épée tourné vers la comédie, le film d'Ingram est baigné dans l'atmosphère révolutionnaire et se veut nettement plus tragique. Comme toujours avec Ingram, la reconstitution du XVIIIème siècle se veut fidèle jusqu'au plus petit bouton. Et tous les décors respirent l'atmosphère de l'époque avec leurs chemins pierreux et les petites maisons de paysans semblent sortir d'un tableau de l'époque.
De ce point de vue, le film est infiniment supérieur à la production MGM de 1952, technicolorée en diable, mais absolument pas authentique. Les éclairages de John F. Seitz animent ces tableaux avec une utilisation de la profondeur de champ et du chiaroscuro qui n'avait pas son égal en ce début des années 20. Chaque personnage est baigné dans une lumière qui lui donne un relief particulier. Les seconds rôles sont choisis avec une attention particulière. Que ce soit, le Lieutenant du roi obèse qui se lèche les babines ou un Danton plus vrai que nature avec ses cicatrices de la vérole. Visuellement, le film est un régal de tous les instants. Dramatiquement, le film tient parfaitement la route. S'il n'a pas un rythme endiablé, son intrigue suit son cour inexorable alors que la Révolution se fait de plus en plus sanglante.
Les scènes de la Terreur avec sa populace avinée et avide de sang sont parmi les plus belles que l'ont puisse voir. La foule envahit les Tuileries et tue tout sur son passage. Quant à André-Louis Moreau qui ignore tout de ses origines, il devient un membre de l'assemblée révolutionnaire où sa maîtrise des armes fait merveille. Face à lui, le Marquis de la Tour d'Azyr est un aristocrate imbu de sa personne et de son rang. Lewis Stone est parfait dans ce rôle de méchant suave. Moreau découvrira bien tard qu'il est en fait le fils de cet aristocrate haï qu'il a failli tuer en duel. Alice Terry est une Aline fragile comme une porcelaine de Saxe. Au total, ce film d'Ingram est à découvrir d'urgence. Il est certainement sur bien des points une oeuvre supérieure au remake de 1952.

The Magician 1926

2011-05-30T12:23:00.003+01:00

Un film de Rex Ingram avec Paul Wegener, Alice Terry, Ivan Petrovich et Firmin Gémier

Margaret Dauncey (A. Terry), une femme sculpteur, a été victime d'un grave accident. Opérée par le Dr Burdon (I. Petrovich), elle devient la proie du mystérieux Oliver Haddo (P. Wegener)...

Ce film de Rex Ingram est une adaptation d'une oeuvre de William Somerset Maughan qui s'inpira de la vie d'Aleister Crowley, un pratiquant de l'occultisme. Rex Ingram travaillait déjà depuis plusieurs années dans son propre studio, près de Nice, qui devint plus tard le Studio de la Victorine. Pour ce film, il utilise abondamment les extérieurs: Paris, Monte-Carlo, Nice et Sospel. Il a rassemblé une distribution internationale impressionnante avec l'allemand Paul Wegener, alias Le Golem, sa femme Alice Terry, le serbe Ivan Petrovich qui apparait dans nombres de ses films ainsi que chez Léonce Perret (qui utilisait les studios d'Ingram) et le grand directeur de théâtre et acteur, Firmin Gémier. On pouvait attendre des merveilles avec de tels noms à l'affiche. Malheureusement, la structure dramatique du film est déficiente. Alors qu'on pouvait espérer une montée en puissance de l'angoisse face aux agissements du sinistre Haddo, joué par Wegener, il n'en est rien. Par contre, comme toujours chez Ingram, il y a un soin remrquable au niveau de l'image et de l'atmosphère. Son complice John Seitz fait des merveilles lorsqu'il photographie le laboratoire de Wegener entouré de cornues et autres instruments.
Le film contient aussi une superbe séquence avec des faunes qui dansent une bacchanale endiablée. Wegener a hypnotisé Alice Terry, sa proie, et lui fait voir cette scène sensuelle et violente pour lui montrer son pouvoir. C'est une scène qui semble sortie de Häxan, mais qui est plus chorégraphiée. Le final du film se situe dans une tour par une nuit d'orage. Le magicien Haddo veut donner une vie à une créature de sa confection en prenant le sang d'une jeune femme blonde, aux yeux bleus, c'est-à-dire Margaret (Alice Terry). Le film se termine par l'explosion de la tour. C'est un avant-goût de la fameuse scène de Frankenstein (J. Whale) qui ne sera réalisé que 5 ans plus tard. On peut penser que cette scène a influencé James Whale pour son film. Pour ce qui est de l'interprétation, Alice Terry est assez impavide, Paul Wegener utilise son visage lourd et massif pour nous faire peur et Ivan Petrovich est simplement décoratif. Il est fort dommage qu'Ingram n'est pas fait l'effort de créer de vrais personnages en développant les caractérisations. Mais, néanmoins, ce très beau livre d'images vaut le coup d'oeil. le film a été restauré récemment et est maintenant disponible dans la collection Warner Archive.

The Red Kimona 1925

2011-05-30T12:00:00.004+01:00

Un film de Walter Lang avec Priscilla Bonner, Carl Miller, Tyrone Power Sr. et Theodore von Eltz

Gabrielle Darley (P. Bonner) a tué son amant qui l'avait poussée à la prostitution. Sur le banc des accusés, elle se souvient de sa jeunesse insouciante jusqu'à ce qu'elle rencontre Howard Blaine (C. Miller)...

Ce film social produit par la veuve de Wallace Reid, le célèbre acteur muet qui mourut des suites d'une addiction à la morphine, est le premier film du réalisateur Walter Lang, qui s'illustrera dans un registre fort différent plus tard à la XXth Century Fox. Les films produits par Mrs Reid sont tous à consonnance sociale et se veulent un avertissement pour le public. Malheureusement, ce qui aurait pu être un réquisitoire intéressant contre la prostitution et l'hypocrisie de la société est entâché par un scénario hyper-moralisateur. Il s'agit pourtant d'une histoire vraie. Lors du prologue, Mrs Reid parle directement à la caméra avant d'ouvrir un journal de 1917 où l'histoire de Gabrielle Darley faisait les gros titres. Et c'est d'ailleurs une grosse erreur de la part de la productrice et des scénaristes: ils n'ont même pas pris la peine de modifier le nom de la femme en question. Résultat: la véritable Gabrielle Darley l'attaqua en justice et gagna une forte somme d'argent en dédomagement. En effet, cette femme était maintenant mariée et pensait pouvoir vivre tranquille. Le film bénéficie de l'excellente caractérisation de Priscilla Bonner, qui utilise son beau visage expressif avec intelligence. Mais, hélas, le déluge de moralisation et de sentimentalisme dans les cartons, attenue considérablement son personnage. Le film s'attaque pourtant aux dames de la bonne société qui se donnent bonne conscience en aidant la malheureuse après son acquittement. En fait, ce geste est totalement égoïste et elle ne cherche qu'à faire parler d'elle. Le kimono rouge du titre se rapporte à ce vêtement que revêt Gabrielle avant de recevoir ses clients. Il apparaît colorié au pochoir dans le film. Le film a été réalisé avec un petit budget. Mais, si le scénaio avait été mieux conçu, il aurait eu certainement plus d'impact.

Germinal 1913 (II)

2011-05-16T16:21:00.003+01:00

Vous pouvez retrouver ma critique de Germinal ici.

J'ai revu le film hier soir avec le nouveau DVD publié par Pathé. J'en ressors tout aussi enthousiaste que la première fois. C'est le meilleur film de Capellani que j'ai pu voir et un des tous meilleurs films du début des années 10. Les performances de Sylvie et celle d'Henry Krauss sont absolument remarquables. Sylvie donne à sa Catherine Maheu, une réalité et une présence physique incroyable. On croirait voir une actrice des années 20 tant son jeu est dénué d'effets théâtraux (alors qu'elle en venait). C'est certainement son travail avec André Antoine qui lui a donné cette justesse. On sent l'electricité qui passe entre elle et Etienne Lantier (H. Krauss). Lorsqu'il devient pensionnaire chez les Maheu, elle lui sert, le sourire aux lèvres, un verre d'eau alors qu'il refuse le verre d'alcool fort qui lui est proposé. Une franche complicité l'unit au grand et fort Henry Krauss, qui lui aussi habite son rôle avec force et subtilité. La puissance émotionelle du film est intacte après presque 100 ans. On ne peut qu'avoir les larmes aux yeux en voyant la remontée du corps de Catherine de la mine inondée alors que Lantier caresse une dernière fois son bras. La composition visuelle est supérieure aux autres Capellani du coffret. Le tournage dans le Pas-de-Calais nous plonge dans l'univers de Zola et Capellani sait capturer aussi la densité des personnages dans ce paysage minier sur fond de terril. L'arrivée et le départ de Lantier sont parfaitement construits pour suggérer les sentiments qui l'animent. Avec un lent panoramique, on découvre la fosse de mine et les corons. Et la tension ne faiblit pas du début à la fin. Cette nouvelle copie est un nouveau tirage de 2010 teinté. La qualité est superbe. Mais, j'ai été un peu déçue par le teintage rouge qui donne des contours un peu flous (c'est souvent le problème de ce type de couleur) et qui efface un peu les détails des visages. Le pianiste, Maxence Cyrin, qui accompagne tous les films, apporte à Germinal plus de puissance et de sensibilité qu'aux autres films où il reste en retrait. Un film essentiel de l'histoire du cinéma français.

Lantier (H. Krauss) rencontre Bonnemort (Marc Gérard)
Au fond de la mine, Lantier et Catherine (Sylvie)

La fête foraine de Monsou. On remarque que la caméra se promène dans la foule d'une vraie fête foraineavec les acteurs au milieu. De nombreux badauds s'arrêtent pour regarder la caméra.

De G à D: Chaval (J. Jacquinet), Catherine Maheu (Sylvie), Bonnemort (Marc Gérard), Le Maheu (Mevisto), Lantier (H. Krauss) et La Maheude (Jeanne Cheirel).
Le départ de Lantier.

Le Chevalier de Maison-Rouge 1914

2011-05-15T12:57:00.003+01:00

Un film d'Albert Capellani avec Paul Escoffier, Marie-Louise Deval, Henri Rollan et Georges Dorival

Durant la Terreur, le Chevalier de Maison-Rouge (P. Escoffier) revient incognito à Paris pour organiser l'évasion de Marie-Antoinette du Temple. Il s'installe chez son beau-frère Dixmer (G. Dorival) et sa soeur Geneviève Dixmer (M.-L. Deval)...

Le roman d'Alexandre Dumas se déroule durant la Terreur comme le Quatre-vingt-treize de Victor Hugo. Comme toujours avec Dumas, on est face à un roman-feuilleton plein de rebondissements avec trahison, complot, se mêlant aux événements historiques. Les personnages sont parfaitement caractérisés par les acteurs qui jouent avec retenue et sensibilité. Au centre du complot, le Chevalier de Maison-Rouge tente de faire évader la Reine de sa prison. Il utilise le manque d'argent de son beau-frère pour le mettre de son côté. Sa soeur Geneviève, épouse malheureuse de Dixmer, est elle prise dans une nasse. Elle doit aider, malgré elle, son frère et son époux, parfois sous la contrainte. Comme toujours chez Dumas quand il traite de la Révolution, il essaie de créer un équilibre entre les révolutionnaires et les royalistes. D'un côté, la Reine enfermée dans sa prison et de l'autre l'honnête Maurice Lindey qui est officier dans l'armée revolutionnaire. Le film offre un mélange de décors avec des toiles peintes et de superbes extérieurs qui offrent des perspectives intéressantes de ruelles humides et insalubres. Les productions contemporaines de la Gaumont sont, elles, toujours tournées en extérieurs. Mais, malgré tout, le film reste passionnant. L'intrigue se déroule avec de nombreux rebondissements qui tiennent en haleine. On tremble en voyant l'un des geoliers qui a intercepté un message destiné à la Reine. Mais, celui-ci laisse le message échapper. Alors que l'on croit que les chances d'évasion s'améliorent, le chien de la Reine se met à aboyer et fait découvrir l'entrée du souterrain. Alors que le roman se terminait mal, le film nous offre une fin heureuse finalement plutôt bien amenée. Les cadrages sont toujours 'théâtraux', en plan large. Mais, le film fonctionne admirablement et on passe un excellent moment.